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Cientos de años después de que la civilización fuera destruida por un evento catastrófico, una misteriosa y joven mujer, Hester Shaw (HERA HILMAR), emerge como la única persona que puede evitar que Londres-que ahora es una gigante y depredadora ciudad sobre ruedas-devore todo lo que encuentra a su paso.
Salvaje y ferozmente motivada por la memoria de su madre, Hester une fuerzas con Tom Natsworthy (ROBERT SHEEHAN), un joven marginado de Londres; y con Anna Fang (JIHAE), una peligrosa fugitiva cuya cabeza tiene precio.
Universal Pictures y MRC presentan Máquinas Mortales , la asombrosa y nueva aventura épica dirigida por el artista de efectos especiales ganador del Óscar® CHRISTIAN RIVERS (King Kong), basada en la serie de libros ganadora de premios escrita por PHILIP REEVE. Acompañan a Rivers los realizadores tres veces ganadores del Premio de la Academia® de las trilogías de The Hobbit y de The Lord of the Rings: FRAN WALSH, PHILIPPA BOYENS y PETER JACKSON, quienes han coescrito el guión.
Los efectos visuales fueron creados por un equipo que colabora en Weta Digital dirigido por KEN MCGAUGH, KEVIN ANDREW SMITH, LUKE MILLAR y DENNIS YOO. La película es producida por ZANE WEINER (trilogía de The Hobbit), AMANDA WALKER (trilogía de The Hobbit), DEBORAH FORTE (Goosebumps), Walsh y Jackson. Los productores ejecutivos son KEN KAMINS (trilogía de The Hobbit), y Boyens.
HUGO WEAVING, que actuó en las trilogías de Jackson de The Hobbit y de The Lord of the Rings, realiza el papel de Thaddeus Valentine, un poderoso londinense con una visión cuestionable del futuro. Se une a este elenco de nivel mundial el dublinés RONAN RAFTERY como el Ingeniero de baja categoría Bevis Pod; la australiana LEILA GEORGE es Katherine, la hija de Valentine; el experimentado actor PATRICK MALAHIDE es Magnus Crome, el Lord Alcalde de Londres; y STEPHEN LANG interpreta el personaje de Shrike.
El director de fotografía es SIMON RABY (Elysium,District 9) y el diseñador de producción es DAN HENNAH (Thor: Ragnarok, The Hobbit). El diseñador de vestuario es BOB BUCK (Z for Zachariah, The Hobbit); la diseñadora de peinados y maquillaje es NANCY VINCENT (The Hobbit); el editor es JONNO WOODFORD-ROBINSON (Pork Pie,What We Do in the Shadows); y el compositor de la música, TOM HOLKENBORG (Tomb Raider,Mad Max: Fury Road).
Cofinanciada por MRC y Universal, la película será distribuida a nivel mundial por Universal. Máquinas Mortales fue filmada en su totalidad en Nueva Zelanda.
PERSONAJES - ELENCO
Personajes complejos, caras poco conocidas La Búsqueda Global de un Elenco Singular
La mayoría de los personajes centrales de Máquinas Mortales tienen veintitantos años y desde el principio los realizadores decidieron buscar actores para esos papeles que no fueran conocidos por la mayor parte del público. "Cuando los personajes femeninos y masculinos que llevan la historia son jóvenes, es mejor que sean interpretados por caras menos conocidas," afirma Jackson. "Entonces abrimos mucho la red de selección de talento, buscando por el mundo caras frescas y jóvenes que considerábamos que podrían transmitir esta compleja historia humana que rige la película."
En este mundo del futuro, los acentos ofrecen una fuente de información fundamental acerca de los personajes. Casi todos los 50 papeles que tenían diálogos requirieron que los actores tuvieran que modificar o cambiar por completo sus acentos nativos. Para supervisar este proceso, los realizadores trajeron al equipo al dialect coach basado en Inglaterra JAN HAYDN ROWLES (Game of Thrones). La mayoría del tiempo, los personajes que viven en Londres tienen acentos británicos, aunque se usaron variaciones para indicar el nivel de Londres del que provienen. En esencia, cuanto más bajo es el nivel, más corriente es el acento. Rowles trabajó con cada actor, ayudándolos a afinar el acento para que se ajustara a cada papel.
Hester Shaw (Hera Hilmar)
La heroína, Hester Shaw, es "uno de los personajes modernos más asombrosos que se hayan escrito," expresa Rivers." Hester, que cuando era niña fue lastimada durante una pelea que le costó la vida a su madre, ha sido abandonada con una cicatriz en la cara - un recordatorio constante de ese brutal crimen. También es un catalizador de su transformación para convertirse en la última sobreviviente y en una mujer movida por el deseo de venganza. "Lo que me gusta de Hester es que ella es la respuesta al misterio de toda la historia en esta película," declara Boyens. "Solo que todavía no lo sabe. Finalmente descubre que forma parte de un misterio aún mayor y de una amenaza mucho más peligrosa, no solo para ella sino para el mundo entero."
Después del asesinato de su madre, a Hester la encuentra y la cría Shrike, un "hombre resucitado" que es mitad humano y mitad máquina. Él la mantuvo a salvo, pero no fue un modelo ideal para su desarrollo emocional y social. "La crianza de Shrike le ha traído a Hester algunos problemas de personalidad," comenta Jackson. "Es irresistible porque es un personaje cuyo motor es el deseo de asesinar a alguien. Por lo general, esos son los malos de la película - son esas personas a las que a uno no le simpatizan. La película te lleva en un viaje donde empiezas a entender, sin importar si está bien o mal, por qué quiere hacerlo."
La búsqueda de Hester fue extensa, global, y vital. El personaje es el centro emocional y narrativo de la película. Encontrar a una actriz que pudiera transmitir esa singular alquimia de fortaleza y vulnerabilidad, misterio y peligro, el nivel justo de ira y el espíritu herido resultó difícil hasta que llegó una cinta de audición de la actriz islandesa Hera Hilmar, que actuó en An Ordinary Man y enAnna Karenina. "Era sencillamente perfecta," señala Rivers. "Relativamente desconocida, cautivadora, hermosa y frágil, y podíamos ponerle una cicatriz."
De hecho, el contenido de la cinta de audición era tan profundo, que los realizadores, después de que Skype habló con Hilmar, la seleccionaron sin siquiera haberla conocido en persona. "Hera me recuerda a Ingrid Bergman," dice Boyens. "Una belleza clásica y un alma vieja con una calma particular-absolutamente perfecta para el papel de Hester."
La actriz se sentía emocionada por la oportunidad de interpretar un rol complicado y audaz. "Hester es un personaje tan genial y convincente en todos los sentidos," señala Hilmar. "Me encanta su furia y cómo va por la vida sin pedir disculpas, pero todavía está buscando algo, y echa de menos a alguien. Hester es una mujer enojada con un propósito, dispuesta a perderlo todo con tal de corregir los errores que dañaron a sus seres queridos."
Al principio de la película, Hester ha vivido por su cuenta en las tierras estériles durante seis meses. Hilmar quiso investigar y entender esa sensación de aislamiento. "Trato de involucrarme lo más que puedo con un personaje cuando lo estoy preparando," expresa Hilmar. "Siento la necesidad de ponerle color a todo lo que me rodea, en 360 grados. Para Hester, fui hacia las áreas remotas que encontré en Nueva Zelanda para tratar de imaginarme cómo sería no tener a nadie en quien apoyarme, vivir en la ferocidad de la inhabitada y salvaje naturaleza, y cómo sobreviviría, tanto física como mentalmente."
Su acento en la cinta refleja el aislamiento de su educación. La madre de Hester en la película tiene acento estadounidense, pero ella ha sido criada por Shrike, que es parte máquina y parte humano. El dialect coach Rowles trabajó con Hilmar en el acento estadounidense, pero a propósito no le quitó todas las incidencias del acento nativo islandés de la actriz. Al final, menciona Rowles, terminaron logrando "algo bastante único y perfecto para Hester, que para Londres es una forastera."
Tom Natsworthy (Robert Sheehan)
El personaje de Tom Natsworthy es, en muchas maneras, lo opuesto a Hester. Criado en la ciudad de tracción de Londres, en realidad no conoce el mundo exterior. "Tom está muy protegido," dice Jackson. "Nunca ha tocado el barro o la hierba; nunca ha puesto un pie en tierra firme. Toda su vida ha transcurrido en movimiento en las cubiertas de la ciudad de Londres. Ha sido criado para creer que debe ternerle miedo a todo aquello que no forme parte del mundo de tracción, y que tiene que ser visto como una amenaza para las ciudades."
Quedó huérfano de niño, cuando sus padres murieron en un accidente. Tom fue adoptado por el Gremio de los Historiadores y está experimentando la típica vida de un joven en Londres. "Tom representa la vida de mucha gente," afirma Rivers. "Tiene una buena vida. Tiene buenas intenciones, y es un poco descarado. Él cree por completo en el sistema que Londres representa."
Pero el mundo de Tom pronto se pondrá de cabeza y sus creencias fundamentales sobre Londres-y en quién se puede confiar-son puestas a prueba cuando conoce a Hester Shaw y se encuentra escapando con ella afuera de la fortaleza protectora de la ciudad. "Su aventura sucede fuera de Londres y tiene que sobrevivir con Hester en este mundo estático, sin movimiento," relata Jackson. "Ella le es totalmente extraña, y no es alguien particularmente cálido. Son dos personas muy diferentes que tienen que sobrevivir en este mundo implacable."
Los realizadores necesitaban encontrar a un actor que pudiera brindar "ligereza, humor y muchísima personalidad al papel," comenta Rivers. Tom necesita ser accessible y divertido porque también es quién introduce al público en este extraño y nuevo mundo. "Tom es uno de nosotros, y filtramos la historia a través de sus ojos," afirma Jackson.
Encontraron esas y muchas cualidades más en el actor irlandés Robert Sheehan (Fortitude, Misfits). "Robbie es incontrolable y curioso. Los atributos perfectos para Tom," dice Boyens. Y el actor le inyectó ese mismo entusiasmo y energía positiva a la preparación de su papel. "Le aportó mucho más al personaje de lo que estaba escrito en las páginas de guión, algo que es un sueño para los cineastas," comenta Jackson. "Quieres un actor que llegue y se apropie por completo del personaje, que lo convierta en alguien que sea cautivador, divertido y encantador-mucho más de lo que podríamos haber escrito en el guión."
Hester y Tom
El Amor en los Tiempos de las Ciudades de Tracción
"En el fondo, esta es una historia de amor," expresa Jackson. "Pero no comienza de esa manera. Empieza con un asesino tratando de matar a una joven e inocente mujer, que intenta detenerlo. Durante mucho tiempo no confían el uno en el otro."
Para Sheehan, la interacción entre Tom y Hester y la eventual profundidad de su conexión, era tan importante como el desarrollo de sus personajes por separado. "Tom y Hester son dos personas que han sobrevivido a la adversidad, y que son totalmente diferentes, pero que se ven forzados a estar juntos y de manera inadvertida, se desarrolla una historia de amor," menciona Sheehan. "Mi trabajo y el de Hera ha sido trazar esa historia de amor. El público tiene que apegarse tanto a los seres humanos como a la aventura. Esta historia tiene que estar anclada en la humanidad."
Era crucial conseguir el balance adecuado para esta historia de amor. "Tom y Hester se vuelven dos personas que pueden confiar la una en la otra y terminan siendo almas gemelas," declara Rivers. "El amor de Tom por Hester es una agradable sorpresa y no es elaborado."
La admiración de Sheehan por su coestrella fue igual de fácil. "Hera interpreta a Hester con tal vulnerabilidad," expresa Sheehan. "Hera tiene ese gran poder, al frente y fuera de la cámara. Cuando está hablando contigo, te tiene atrapado en su 'destello de Hera.' Es una persona increíblemente maravillosa y carismática, y le brindó un salvajismo real a Hester-como una feroz guerrera con una espada en la mano."
Hilmar encuentra que trabajar con Sheehan fue estimulante y entretenido. "Tiene mucha energía y la comparte con la gente a su alrededor. Robbie y yo hemos compartido un viaje completo juntos," expresa Hilmar sonriendo. "Desde nuestras primeras escenas juntos, donde nuestros personajes se decían, 'sal de mi vista," hasta que conocen los más íntimos detalles el uno del otro, se desarrolla una relación entre ellos, y al mismo tiempo crecía nuestra relación como actores y nos conocíamos mejor como personas. Robbie tiene este empuje y curiosidad por la vida que le sienta bien a Tom. ¡Ningún día es igual con Robbie en el set!"
Thaddeus Valentine (Hugo Weaving)
Para el papel del brillante Thaddeus Valentine, el equipo buscó a un actor al que conocían perfectamente: Hugo Weaving. Después de interpretar el papel de Elrond en las trilogías de The Lord of the Rings y de The Hobbit, el actor australiano se sentía más que feliz de volver a Nueva Zelanda. "Sinceramente me encanta venir a Wellington," comenta Weaving. "La gente aquí es increíblemente creativa, resiliente, sencilla y amigable. Todos estos aspectos actúan en favor de la realización de esta increíble bestia creativa que es el cine."
Thaddeus Valentine es el primer y gran arqueólogo de la ciudad y es admirado por los habitantes de Londres por sus osadas expediciones e importantes descubrimientos. Los orígenes de Valentine son modestos, pero ahora vive en un aire enrarecido, comenta Rivers, y le han sido otorgados "privilegios especiales y un puesto exclusivo por el Lord Alcalde debido a su popularidad y su promesa de crear un mejor futuro para Londres."
La profesión del personaje también le brinda un contexto revelador en el mundo futuro de la película. Valentine está desenterrando el pasado, solo que su pasado es nuestro presente. "Esta es la Era Oscura del futuro," afirma Weaving. "La tecnología y la ciencia se han perdido; el conocimiento también. Los arqueólogos están desenterrando la tecnología antigua para reutilizarla, rediseñarla y volverla a entender. Están reconstruyendo la ciencia y la tecnología. Valentine ha conseguido bastante fama por traer estos temas de vuelta a la luz."
Pero la investigación del pasado que conduce Valentine ha modelado su pensamiento acerca del futuro, y no siempre de manera altruista. "Valentine está dispuesto a hacer algo inmoral si es por un bien mayor," expresa Rivers. "Él ve al Traccionismo como un sistema defectuoso, y casi nos creemos la forma en la que él ve las cosas."
Tampoco es la persona que se muestra hacia los demás, y Weaving se sentía intrigado por la dualidad del papel. "Es el hombre romántico y heroico que todos conocen, y al mismo tiempo es un forastero sin origen que se siente solitario," relata Weaving. "Es un aventurero muy independiente, sumamente inteligente y agudo. Pero también tiene muchas complejidades. Éstas, al igual que su pasado, lo agotan conforme la película se desenvuelve. Entonces podemos ver el lado mucho más oscuro de él."
Nadie estaba mejor preparado para interpretar los dos lados de la moneda de Valentine. "Hugo tiene una maravillosa confianza en sí mismo, y es alguien de quien te puedes fiar por completo," dice Jackson. "Valentine tiene una moral que no es recta ni equilibrada, y Hugo aporta esa tranquilidad confiable al personaje. Entonces él profundiza en el lado oscuro de maneras sorprendentes." Tampoco viene mal, añade Sheehan, que Weaving "tenga un enorme y tremendo carisma."
Katherine Valentine (Leila George)
Katherine, la hija de Thaddeus Valentine, es una joven privilegiada que vive en el nivel superior de Londres. Es afectuosa y amable, pero su vida o su alto estatus la han mantenido aislada de algunas de las realidades más duras de su vida. Los realizadores seleccionaron a la actriz australiana Leila George para interpretarla. Acaba de salir del Instituto de Cine de Teatro de Lee Strasberg y su papel en esta película le permite hacer su debut en el cine.
"Katherine está llena de vida," dice George. "Se siente emocionada ante las cosas nuevas y le gusta ser querida. Todo lo que quiere es ayudar. Ha tenido una vida protegida y ahora está pasando por una etapa donde se da cuenta de que su padre también es un ser humano." La conciencia creciente de Katherine no solo se limita a su padre. "Empieza a descubrir que hay verdades terribles en su mundo," comenta Rivers. "Ella puede sentir que hay algo que no está bien y corre riesgos para sacarlas a la luz. Cree que eso es injusto y busca la manera de cambiarlo."
El despertar de Katherine, sin embargo, amenaza con trastornar la cercana relación que tiene con su padre. "Cuando vemos por primera vez a Valentine y a Katherine, su relación es tan buena que mucha gente sentiría envidia," comenta Weaving. "Tienen una fuerte confianza el uno en el otro. En esencia, ella ha sido educada como un espejo de sí mismo." Sin embargo, ese vínculo empieza a fragmentarse cuando ella empieza a tener dudas acerca de los verdaderos motivos de las acciones de su padre. "La verdad es mucho más compleja," señala Weaving, "y ella descubre las cosas totalmente desagradables que él ha hecho."
Lo anterior, dice Boyens, es fundamental para uno de los temas primarios de la película. "Parte del corazón de esta historia es acerca de desenterrar el pasado, sacando la verdad a la luz; y parte de la historia es transmitida por dos de los personajes femeninos principales, algo que me encanta," comenta Boyens. "Con Katherine es sobre un reconocimiento casi brutal de que todo aquello que ella pensaba que era cierto, no lo es. Con mucha rapidez tiene que tomar una decisión sobre qué es lo que va a hacer con esa verdad. Ha estado protegida, y ahora tiene que ser valiente."
Bevis Pod (Ronan Raftery)
Casi al mismo tiempo que Hester Shaw llega a Londres, Katherine Valentine conoce a un ingeniero de bajo rango cuyo nombre es Bevis Pod. Al principio él no confía en ella. Bevis es curioso y serio, y lo que ha presenciado lo ha dejado a expensas del lado siniestro de Thaddeus Valentine. Debido a su estatus en la ciudad, es muy poco probable que su voz sea escuchada. "A Bevis le enseñaron a no pasarse de la raya," señala Rivers. "Aun así, se le presenta la oportunidad de ayudar a Katherine y hacer la diferencia. Decide correr riesgos y ayudar a cambiar la sociedad por algo mejor. Katherine y Bevis hacen equipo y se dan fuerza mutuamente."
El actor irlandés Ronan Raftery, conocido por su trabajo en Fantastic Beasts and Where to Find Them y en The Siege of Jadotville se sentía emocionado por la oportunidad de interpretar a Bevis. "Bevis se siente desilusionado con la manera en que la ciudad funciona y sospecha de cualquiera que provenga de los niveles superiores-de aquel que dirige la ciudad," refiere Raftery. "Ha visto de primera mano las peligrosas mentiras que le han estado vendiendo a los londinenses y a los recién llegados."
Por ello no se muestra particularmente amable cuando Katherine aparece en su nivel inferior. "Katherine proviene del Nivel Uno, así que Bevis se muestra muy cauteloso, casi hostil cuando la conoce," expresa Raftery. "Ella representa la desigualdad social que Bevis odia, pero rápidamente se da cuenta de que ella es algo más que una snob del nivel superior. Le gusta que sea una mujer increíblemente fuerte. Es una chica que está a cargo de su destino y que no tiene miedo de enfrentarse con alguien-sin importar las consecuencias."
Ella siente esa misma conexión. "A Katherine le gusta Bevis, él es el chico malo que está ahí para apoyarla," afirma George. "Esta es la primera vez que se siente atraída hacia un joven, y sucede en un momento en el que se está cuestionando la fe que tiene en su padre."
Fue de gran ayuda que Raftery y George tuvieran tiempo para conocerse durante las tres semanas de preproducción en Nueva Zelanda. "Trabajar con Leila fue muy fácil," expresa Raftery. "Ella es genial. Siempre estaba súper bien preparada y sin miedo alguno. Tienes que elevar tus estándares cuando estás en una escena con ella."
Shrike (Stephen Lang)
Uno de los personajes más cautivadores en el universo de las Máquinas Mortales es Shrike, parte humano, parte autómata. Shrike, que ha vivido cientos de años, es el último "Stalker" conocido que vaga por el planeta Tierra - un hombre muerto que ha sido resucitado por la tecnología. "Fueron construidos para matar," anota Jackson. "Los cuerpos humanos fueron recogidos de los campos de batalla y los convirtieron en los soldados más implacables y poderosos posible. Les ha sido removida mucho de su humanidad. Dentro de sus esqueletos metálicos tienen un cerebro humano, pero la compasión y la conciencia la han extraído de sus mentes. Se les da una tarea, y la hacen. Como ya no hay más guerras que pelear, Shrike se ha vuelto un cazarrecompensas."
Con aproximadamente nueve pies de altura y su apariencia de robot, es mucho más que eso. "Shrike es interesante porque es un personaje robótico programado hasta cierto nivel, pero conforme ha pasado el tiempo, él está conectado con más y más pedacitos de los humanos de lo que estaba antes de morir," relata Hilmar. "Está encontrando su humanidad, algo que lo vuelve un personaje fascinante."
Irónicamente, vemos esos rasgos de humanidad en él, en cómo se relaciona con las máquinas. "Su pasatiempo es restaurar a viejos autómatas que encuentra en diversos estados de ruina," comenta Jackson. "Laboriosamente los restaura y los pone en funcionamiento, los vuelve a la vida. Ese es un aspecto de la personalidad de Shrike que en realidad encuentro triste y conmovedor."
Aunque Shrike aparecerá en la pantalla de manera digital, los realizadores sabían que encontrar a la persona perfecta para interpretal el papel usando la técnica de captura de movimiento era esencial. "Queríamos asegurarnos de contar con un actor que le brindara poder y emoción al personaje," dice Rivers. Lo encontraron en Stephen Lang, quien había saltado a la fama mundial en Avatar, y deslumbrado a los realizadores con su aterrorizante pero empática actuación en el thriller Don't Breathe.
Lang fue inmediatamente cautivado por el personaje desde el momento en que leyó el guión. "Cuando leí las líneas de Shrike en el guión se me puso el pelo de punta," relata Lang. "Sentí con el alma que este personaje era desgarradoramente hermoso y un papel para el que yo había nacido para interpretar. Provoca terror, pero también hay algo tremendamente lastimoso acerca de él." Lang estaba intrigado por las contradicciones de Shrike. "Para ser un personaje que está vacío por dentro, en realidad está muy lleno; para ser alguien que detesta la memoria o no la usa, está completamente obsesionado; y para no contar con un corazón, tiene el corazón más grande de todos."
Lang abordó el papel con inmensa alegría. "La regla número uno es entregarse a la interpretación," comenta. "Tengo que hacer el salto de fe de que puedo encarnar al personaje. Soy la primera línea de defensa para Shrike. Si no estoy convencido del papel, ¿entonces quién lo estará?"
Para conformar su interpretación, Lang se inspiró en las aves de presa. "Observé la paciencia que tienen estas aves y cómo se posan," declara. "Quería adoptar una posición física en reposo para Shrike, que no fuera igual a la de un ser humano. Cuando está trabajando, siempre está encaramado. Esa es una de las maneras de crear una diferencia, un sello particular."
Lang también estudió a la mantis religiosa y a los cisnes, pero fue un clip que vio en YouTube del bailarín Rudolf Nureyev en El Lago de los Cisnes lo que lo ayudó a ultimar los movimientos físicos de Shrike. "Cuando Nureyev se mueve, sus brazos no lo hacen, y eso no es humano," anota Lang. "Cuando caminamos, hacemos contrapeso con los brazos. Nureyev mantiene sus brazos atrás, y se ve como un pájaro doblado. Tiene una gracia increíble y al mismo tiempo hay algo ligeramente robótico que cabe justo en las características de su personaje."
Encontrar cuál sería la voz de Shrike presentó su propio set de desafíos. "Cada vez que Shrike habla en el libro, lo hace en letras mayúsculas," comenta Lang. "Su voz es descrita como dedos deslizándose en un pizarrón, algo que funciona bien en un libro, pero no en una película."
Para ayudar a Lang a producir y proyectar la voz de Shrike en el set, el departamento de sonido desarrolló un dispositivo al que afectuosamente llamaban el "Stalker Talker." Este invento es en esencia un micrófono que amplificaba y distorsionaba una entrada vocal e incluye un audífono, de tal forma que Lang podía escucharse con facilidad. Pero Lang no dejó que ese dispositivo lo hiciera todo. Se dio a la tarea de producir la voz más "parecida a Shrike" que fuera posible. "Tuvimos que transformarla en algo donde la pudieras escuchar," afirma Lang. "Es neumática, eléctrica y tiene timbre similar a la de una máquina."
Hester y Shrike
La Humanidad de la Inhumanidad
Cuando la mamá de Hester es asesinada, Shrike la rescata y se la lleva a vivir con él. Es una relación compleja. Para Shrike, dice Lang, encontrar a Hester "no lo vuelve diferente a encontrarse una baratija brillante. Shrike no sabe por qué la tiene, pero ella se vuelve parte de una rutina porque necesita hacer las cosas de manera ordenada. Se vuelven familiares en su frialdad. La pregunta es, ¿hasta qué punto él la deshumaniza, y ella lo humaniza a él?"
Hilmar hizo una serie de escenas con Lang y admite que le llevó un tiempo adaptarse a su traje de captura de movimiento. "Básicamente, él estaba usando unos pijamas grises apretados con marcadores y su nombre claramente escrito en la frente: SHRIKE/LANG," comenta. "Encuentro difícil no verle el lado cómico de esto, pero rápidamente lo olvidas cuando entras en las escenas. Stephen llevó a Shrike a la vida de una manera tan bella, que Shrike estaba allí por completo, sentimental sin tener alma, con pijamas o sin ellos. Se convirtió en su esencia perfectamente, y los detalles de su revestimiento en realidad no importaban. Él estaba allí presente."
A través de Hester, ella desarrolló la perspectiva de su relación. "Traté de entender a Shrike pensando en él como alguien con severas dificultades para relacionarse con los demás, que tiene una manera muy diferente de acercarse a las cosas socialmente," comenta.
Lang no siente otra cosa que orgullo por la actriz con la que compartió las escenas. "Hera tiene una gran fortaleza, y no hay nada convencional en ella," comenta. "Tiene además una dulzura, vulnerabilidad y un gran sentido del humor. Tiene todo lo que se necesita, fue un placer trabajar con ella."
Anna Fang (Jihae)
Uno de los personajes más glamorosos de Máquinas Mortales es Anna Fang, la aviadora Antitraccionista. Una legendaria luchadora de la resistencia cuya cabeza tiene precio, Fang construyó su propia nave aérea, la Jenny Haniver, y es reconocida por su intrépida búsqueda de la justicia y sus habilidades para combatir sin igual. "Al principio de la película pensamos que Anna Fang es la villana absoluta de la historia," relata Jackson. "Pero cuando la conocemos, empezamos a darnos cuenta de que en ella hay humanidad, y una despiadada determinación de llevar a cabo aquello en lo que ella cree."
Anna Fang es la líder de la Liga Antitraccionista, una organización que está compuesta por "casi terroristas, o por lo menos esa es la propaganda que promueven en Londres," afirma Jackson. "Ellos creen que la humanidad no debería estar corriendo por la corteza de la tierra comiéndose las ciudades de otros, sino que la gente debería establecerse y tener cultivos, vivir de una manera muy similar a la de hoy en día. Sus creencias no son particularmente malas, pero son duros y guiados por Anna Fang, alguien con quien no se juega."
Para interpretar el papel de Fang, los realizadores seleccionaron a la relativamente novata en su faceta de actriz, Jihae. Una consumada música de rock, esta talentosa surcoreana creció en los Estados Unidos donde incursionó en las artes marciales. Sin duda alguna estaba preparada para el rol de heroína, a quién describe como "una ruda, despiadada e intrépida líder que muestra mucha compasión por los oprimidos."
Jihae, comenta Jackson, "tiene una elegancia y un poder que es exactamente lo que Anna Fang necesitaba tener. Es una actriz fantástica e interpreta a un personaje cuyas creencias se alinean con ella en cierta manera, y por ello puede interpretar el papel con mucha convicción y auntenticidad."
La Liga Antitraccionista
La Liga Antitraccionista ha atraído a una mezcla de individuos apasionados y valientes de todas partes del planeta. Para interpretar esos papeles, los realizadores seleccionaron a un grupo de diversos talentos. Los seis actores hicieron equipo y pasaron tiempo juntos. Desarrollaron sus propios antecedentes para sus personajes, e inclusive idearon una especie de "grito de guerra" de llamada y respuesta.
"Lo usamos para para sacar a flote nuestra sangre y energía," declara el actor británico-zimbabuense REGÉ-JEAN PAGE (Roots,For the People), quien interpreta al Capitán Khora, uno de los líderes de la revolución contra las ciudades de tracción. "Nos lo decíamos entre nosotros por la mañana a manera de saludo, o antes de filmar una escena donde todos estábamos participando. Era como aullar con una manada de lobos."
EL DESARROLLO
La Creación y el Cataclismo El Cuarteto de libros de Máquinas Mortales
Al escritor e ilustrador Philip Reeve le llevó siete años escribir Máquinas Mortales, su primera novela para adultos jóvenes, publicada por Scholastic por primera vez en 2001. "La gran idea en la que podía pensar era en una ciudad en ruedas, pero entonces me preguntaba, '¿Por qué quiero una ciudad sobre ruedas?'" expresa Reeve. "Parecía enigmático, pero entonces caí en la cuenta de que quería una ciudad sobre ruedas persiguiendo a pequeñas ciudadades sobre ruedas...y cuando resolví eso, todo cayó en su lugar."
La aclamada novela que ganó el Premio Guardian Children's Fiction Prize; el Premio Los Angeles Times Book Award; el Premio Smarties Gold Award; el Blue Peter Book of the Year; y que fue preseleccionado para el prestigioso Premio Whitbread, evolucionó en una serie de cuatro libros conocida como el Cuarteto de libros de Máquinas Mortales: Mortal Engines, Predator's Gold, Infernal Devices y A Darkling Plain.
La historia de Reeve tiene lugar siglos después de que la civilización fuera destruida por un evento catastrófico conocido como La Guerra de los Sesenta Minutos. La humanidad se ha adaptado a vivir una evolucionada forma de vida. Ciudades gigantes en movimiento ahora recorren la Tierra, aprovechándose de manera despiadada de pueblos de tracción más pequeños. Tom Natsworthy-que proviene de un nivel inferior de la gran ciudad de tracción de Londres-se encuentra peleando por sobrevivir después de que conoce a la peligrosa Hester Shaw. Dos opuestos cuyos caminos nunca debieron haberse cruzado forjan una alianza improbable que está destinada a cambiar el curso del futuro.
Mientras cursaba estudios universitarios en arte, Reeve había experimentado con una cámara Super 8, pero decidió que sería más fácil ilustrar y escribir novelas que hacer películas. ("No tienes que darle de comer a la gente o entregarles un vestuario," afirma secamente Reeve.) Sin embargo, tenía una visión muy clara del futuro cinemático de su historia. "Máquinas Mortales siempre quiso ser una gran película de acción cuando creció," menciona Reeve. "Tiene una estructura de tres actos y sets de grandes dimensiones. Estaba deseando ser filmada."
El presidente de Scholastic Media y la productora de Máquinas Mortales Deborah Forte concuerdan. "Philip tiene un poco de actor y un poco de director, entonces cuando escribe lo hace de una manera muy cinemática," señala Forte. "Sabes cómo es el mundo, cómo se ve y suena y lo que se siente estar ahí." Y Forte, quien trabajó llevando a The Golden Compass a la pantalla grande, inmediatamente pensó en un cineasta con una visión extraordinaria y una sensibilidad sin igual para adaptar y convertir a Máquinas Mortales en una experiencia cinematográfica de gran escala: Peter Jackson.
La Acción de Jackson De las Páginas a la Pantalla
Jackson y sus socias Fran Walsh y Philippa Boyens no estaban exactamente buscando hacer otra película en un mundo de fantasía cuando Forte les envió por primera vez el libro por ahí del 2005. "Después de las películas de Lord of the Ring nos estaban llegando muchos proyectos, y muchos de ellos eran de fantasía," señala Boyens. "Pete me mandó un correo electrónico donde me pedía que leyera este libro. No me dijo mucho sobre él, porque quería mi opinión honesta. Y desde que leí la primera oración de libro, ya me había enganchado. Lo seguí leyendo, esperando que mientras lo hacía, me enamoraría de los personajes y que tendría un final sensacional, y así fue, a lo largo de todo el camino. Así que le escribí a Pete y le dije, 'Vaya que si. Esta es una historia extraordinaria."
Desde el principio Jackson se sentía emocionado por las ideas y las imágenes de Máquinas Mortales. "La sociedad ha reconstruido una semblanza de lo que solía ser, excepto que ahora las ciudades en realidad se mueven," expresa Jackson. "Son enormes ciudades de tracción. Londres tiene más de una milla de largo, y ellos persiguen y cazan a pequeñas ciudades a lo largo de la corteza de la tierra, que en esencia es Europa."
Incrustado en la descripción del futuro de Reeve está el concepto del Darwinismo Municipal. "En su forma más simple, las ciudades más grandes se comen a las más pequeñas," menciona Jackson. "Las ciudades pequeñas se comen a los pueblos más pequeños, y éstos se comen a los pueblitos. Ellos lo ven como parte de una evolución natural. Cuando nos sumamos en esta historia ya han vivido así por más de 1,000 años, así que todo está muy establecido." Hace una pausa. "El problema con el Darwinismo Municipal es que tiene un límite. Al final del día, las grandes ciudades se comen a tantas pequeñas que no quedará ninguna disponible, entonces las opciones serán ya sea que las grandes ciudades se devoren entre sí, o que encuentren algo más para cazar."
Le fascinaron el concepto de las ciudades sobre ruedas devorándose entre ellas, la narrativa del cuento y los elementos emocionales del amor, la compasión, la venganza y la liberación. "Uno siempre está buscando historias con humanidad," declara Jackson. "Y Máquinas Mortales la tiene."
La compañía Wingnut Films de Jackson se decidió por la propiedad e inició la preproducción de Máquinas Mortales en Nueva Zelanda en 2008, pero el proyecto se puso en pausa por varios años mientras Jackson y sus colegas cineastas creaban la trilogía de El Hobbit.
Después de estrenar la última película de El Hobbit, Battle of the Five Armies en 2014, Jackson decidió escribir y producir Máquinas Mortales; él y Fran Walsh le pidieron a su experto colaborador Christian Rivers que la dirigiera. "Siempre quise producir algo para Christian, y este era el momento perfecto para hacerlo," expresa Jackson. Y añade, sonriendo, "Si Christian puede dirigir Máquinas Mortales, ¡por lo menos tengo que ir a ver la película!"
Hace veinticinco años, Rivers le mandó a Jackson una carta donde incluyó ilustraciones de dragones y además le pedía trabajo. Eso impresionó a Jackson y lo contrató. La primer tarea de Rivers fue hacer el storyboard de la primera película de Jackson, Bad Taste. Continuaron trabajando juntos, mientras sus carreras crecían. Rivers ganó un Premio de la Academia® en la categoría de Mejores Efectos Visuales por su trabajo en King Kong en 2005, y fue ahí donde Jackson supo que Rivers tenía un don para contar historias y que era un apasionado de transmitir emociones complejas en la pantalla. Aun así, Rivers no esperaba una oportunidad como la de dirigir Máquinas Mortales.
La oferta de Jackson, relata Rivers, "llegó como un tren de carga." Afortunadamente él estaba bien preparado. Rivers había planeado el prediseño visual para la película años antes y conocía bien el proyecto. "¿Cómo diablos conviertes esto en una película?" pensaba Rivers al principio. "¿Cómo vendes a estas ciudades gigantes que se mueven? ¿Cómo logras que este proceso se vuelva creible? En un libro hay muchas metáforas, pero en una película las cosas tienen que ser totamente literales."
Por suerte, él y sus colegas eran diestros en traducir al cine los mundos provenientes de la literatura fantástica. "Ya teníamos mucha experiencia en ello," señala la productora Amanda Walker, quien fuera la productora asociada de la trilogía de El Hobbit. "En el pasado ya hemos tomado material que es muy cinemático, algo nunca antes visto. Nuestros artistas salen triunfantes y responden a ese material, aceptando el reto de desarrollar un mundo que nadie había experimentado jamás."
Aún mejor, el equipo ganador del Premio de la Academia® conformado por Fran Walsh, Philippa Boyens y Jackson, habían firmado para escribir la adaptación. "Nos conocemos bien y nos tenemos confianza absoluta," dice Boyens. "El respeto es la base de nuestro trabajo en colaboración."
Desde el principio, Walsh, Boyens y Jackson sabían que el guión necesitaba explicar al público el mundo de Máquinas Mortales sin sacrificar la velocidad y la agilidad de la narrativa. "El secreto es contarle a la gente cómo funciona este mundo sin obstaculizar toda la historia," comenta Boyen. También tenían claro que este enorme nuevo mundo necesitaba estar anclado por una historia real, emocional auténtica y humana. "El mundo de Máquinas Mortales se sentía como una idea muy fresca," afirma Boyens. "Al mismo tiempo, la historia per se juntaba todos los hilos de supervivencia de la humanidad."
La humanidad está en el centro de todas las historias que ellos cuentan en las películas. "No tiene sentido hacer una película, a menos de que haya personajes con los que puedas identificarte," afirma Jackson. "De no ser así, ¿para qué tomarse la molestia? En Máquinas Mortales nos estamos adelantando en el tiempo unos 1,700 años, pero los seres humanos siguen siendo seres humanos. Si volviéramos dos o tres mil años, podríamos sentarnos a cenar con una persona del Antiguo Egipto o de Roma, con las que probablemente podríamos encontrar muchas cosas en común para reirnos y conectar, aunque dichas personas provengan de mundos totalmente diferentes. El ambiente y la sociedad pueden cambiar, pero la humanidad siempre está allí. No importa qué tan loco o fantástico sea el mundo que creamos alrededor, siempre nos aseguramos de que esté habitado por personajes con los que todos puedan conectar."
LA PRODUCCIÓN
La Bienvenida de Māori y Horarios Extremos Empieza la Filmación
La fotografía principal de Máquinas Mortales comenzó el 20 de marzo de 2017, y se filmó en su totalidad en Wellington, Nueva Zelanda. La unidad principal filmó durante 86 días, y una segunda unidad más pequeña rodó 61 días. En la película trabajaron cerca de mil personas a lo largo del curso de la filmación, siendo neozelandeses el 98% de ellos.
Con una ceremonia tradicional Māori conocida como pōwhiri, los Kiwi locales (neozelandeses) le dieron la bienvenida al elenco y al equipo de producción a los Estudios Stone Street antes de iniciar la filmación - incluyendo una impresionante interpretación de un grupo kapa haka de jóvenes actores. "Fue una ceremonia poderosa y conmovedora," menciona Hilmar. "Ser bienvenido a una sociedad de una manera tan personal e íntima como con la ceremonia pōwhiri, es un privilegio. Se dice que aleja a los espíritus malignos y une al visitante con el anfitrión en amistad y paz. Evidentemente le brinda buena suerte al trabajo por realizar."
Una vez que empezaron el rodaje, Rivers admite que la única cosa más desafiante que un día de filmación era, bueno, el siguiente día de filmación. Habiendo dirigido una unidad dividida en The Hobbit y la segunda unidad de Pete's Dragon-así como su propio cortometraje, Feeder-la dirección no era algo nuevo para Rivers; aun así, su experiencia había sido principalmente dando servicio a otros directores. "Lo más difícil de la dirección es recordar que debes confiar en tu instinto," comenta Rivers. "Puedes pensar demasiado las cosas." Sin embargo, tenía a un poderoso aliado en Jackson, que nunca estuvo lejos de él. "Peter es un cerebro maravilloso que me guiaba, pero dejaba que yo mismo le diera forma a las cosas," comenta Rivers. "Es increíble tener un cineasta de esa talla a tu disposición."
Rivers, rodeado por un equipo de trabajo con el que ha compartido y trabajado toda su carrera profesional, prosperó en su papel, y rápidamente se quedó prendado de los actores, que lo admiraban por su talento así como por su naturaleza personal. "Christian sabe cómo comunicarse y trabajar con los actores y el equipo de producción," afirma Hilmar. "Corre riesgos, conoce la importancia del viaje del personaje y terminó creando algo impresionante."
Sheehan valoró la gran sensibilidad que Rivers mostró hacia los actores y su compromiso hacia sus actuaciones. "Habría pensado que podría haberse enfocado en los efectos visuales, pero siguió ritmos distintos en diferentes escenas," relata Sheehan. "Te hace trabajar durísimo, hasta que se siente contento, pero también es muy determinado y sabe exactamente lo que quiere."
El director de fotografía Simon Raby disfrutó del proceso de trabajo en colaboración que Rivers incentiva. Uno de los desafíos de Raby fue resolver cómo usar la iluminación para crear una apariencia que honrara el temperamento emocional y psicológico de una escena-sin que eso se volviera obvio. "Es como crear sombras sin saber de donde provienen," comenta Raby. Al mismo tiempo, se necesitó una enorme cantidad de luz en el set para "capturar los elementos a un grado en que en la posproducción se viera todo sobre el fondo negro…y a darle plena latitud a las 14 paradas que teníamos."
El director de la segunda unidad GLENN BOSWELL (X-Men Origins: Wolverine,The Matrix) también colaboró como coordinador de los dobles en Máquinas Mortales. Boswell, de origen australiano, trabajó en la trilogía de The Hobbit, lo que le permitió entenderse con mucha facilidad con gran parte del equipo de producción neozelandés. "Los Kiwi son creativos, innovadores y dispuestos a pensar estando de pie," dice Boswell. "La velocidad y la manera en que los Kiwi nunca se ponen nerviosos siempre me impresiona. Mantienen la calma, piensan con claridad y rápidamente llegan con soluciones."
Cualquier aventura épica tiene su buena dosis de secuencias de lucha, y Máquinas Mortales no es la excepción. Una secuencia entre Weaving y Hilmar les llevó tres días de filmación. "Es muy demandante a nivel físico y emocional, pero muy divertido," comenta Hilmar. Sonríe. "Prefiero estar dentro de la escena, sin duda. Todo el tiempo."
Page, quien interpreta a un miembro de la Liga Antitraccionista, se sintió particularmente emocionado sobre estas escenas con dobles. "Trabajar con el departamento de dobles fue como pasar todas las navidades juntas," comenta Page. "Es como subirse a la mejor de todas las atracciones de Disneylandia, solo que no estás usando el cinturón de seguridad."
Después de La Guerra de los Sesenta Minutos Creando el Mundo del Futuro
Construir un nuevo mundo es algo así como una tarjeta de visita para los cineastas en Nueva Zelanda, algo que saltó a la vista en el asombroso universo de la Tierra Media creado por Jackson y su equipo a lo largo de las seis películas basadas en los libros de J.R.R. Tolkien. "Todo lo que hacen les sale tan bien porque están totalmente enfocados," comenta la productora Deborah Forte. "En Wellington, eres capaz de desconectarte del mundo, enfocarte y establecer tus prioridades. Han sido capaces de reunir a un equipo de personas que son grandes artistas y artesanos con ideas afines."
En el libro, el período de la historia en el que se desarrolla Máquinas Mortales es intencionalmente vago. Para la película, sin embargo, los realizadores decidieron anclar la historia en una línea de tiempo más concreta. En la cinta, La Guerra de los Sesenta Minutos tuvo lugar alrededor de 100 años después de nuestro tiempo actual- cerca del 2118 - y la película está situada aproximadamente 1,600 años después, cerca del año 3718.
Ha pasado tanto tiempo desde la guerra, que el contexto de la película no es posapocalíptico, sino de revitalización. "La Tierra en realidad se está renovando," expresa Boyens. "Después de siglos oscuros - esos seiscientos años de disturbios donde la humanidad casi se extingue - los sobrevivientes se volvieron nómadas. Están motorizados. Esto dio lugar a la Era de la Tracción."
La idea del Traccionismo - ciudades que pueden mover a sus poblaciones hacia donde se encuentran los recursos - nació de una escasez de recursos en una Tierra diezmada. Cuando las ciudades están desesperadas por conseguir recursos, un jefe militar nómada llamado Nikolas Quirke se puso a reparar y a motorizar a Londres, permitiéndole que recorriera lo que una vez fuera Europa, devorando pequeños pueblos y ciudades, apropiándose de sus metales, combustible, comida y la fuerza humana de trabajo.
"En esta historia nos encontramos alrededor de mil años de esa era," comenta Boyens. El movimiento del Traccionismo floreció, pero ha dado lugar a una fuerza opositora, la Liga Antitraccionista, que es partidaria de hogares estáticos que sustenten a sus poblaciones con los recursos que ellos mismos desarrollen.
"Después de La Guerra de los Sesenta Minutos hubo sobrevivientes que eligieron no vivir una vida nómada," menciona Boyens. "Ellos subieron hacia las colinas en busca de tierra cultivable, y cuando surgieron las ciudades de tracción, estas personas fueron obligadas a subir más y más hacia lo alto de las montañas. Una de las ciudades estáticas más grandes y prósperas es Shan Guo, que se encuentra en el Este; es una especie de Estepa Asiática y está protegida por cadenas montañosas donde las ciudades de tracción no pueden pasar."
Este planeta Tierra del futuro, afirma Jackson, definitivamente no es un mundo distópico. "Hemos superado lo distópico y ahora el mundo tiene una sociedad totalmente funcional, diferente de la nuestra," comenta Jackson. "Intentamos crear una sociedad donde todos sean felices, pero existe un conflicto entre las diferentes fuerzas."
Todas estas grandes ideas presentaron desafíos únicos para los realizadores. "Estamos obligados por las reglas de la física y de cómo nuestro planeta podría sobrevivir," menciona Rivers, quien trabajó durante meses para crear un mundo cinemático basado en una lógica interna y consistente. "En este mundo existe toda clase de tecnologías tácitas, y en ese sentido somos afortunados de que esté situada en el futuro," comenta. "Dedicamos mucho tiempo dándole vueltas a la logística."
En este planeta Tierra del futuro, la tecnología digital ha sido destruída para ser reemplazada por las comunicaciones análogas y los sistemas de transportación. Ciudades de gran escala pueden moverse rápida y suavemente sobre la corteza de la tierra y aeronaves alimentadas con gases flotantes recorren los cielos.
El mundo en el libro de Reeve tiene una estética steampunk Victoriana, y cuando iniciaron el proyecto en 2008 los realizadores siguieron ese camino, pero cuando lo retomaron años después, al terminar la trilogía de El Hobbit, encontraron que el subgénero steampunk se había vuelto demasiado común en la cultura popular, y decidieron evolucionar y ampliar el alcance del diseño. Esto no significaba, sin embargo, que las ideas originales de Reeve se quedaran fuera de la mesa. "Hay un hermoso capricho en los dibujos de Philip Reeve y nos gustaba la idea de usar lo que habíamos creado lo más que pudiéramos," menciona el artista de concepto NICK KELLER (Avatar, The Lovely Bones). "Tiene un fuerte impacto visual en la película."
Reeve estaba abierto a las innovaciones propuestas por el equipo de diseño. "El mundo se veía misterioso tal como lo imaginaba, y donde no, se veía aún mejor," refiere Reeve. "Es extraordinario asomarse al departamento de arte y ver las paredes cubiertas con estas cosas que vivieron en mi cabeza por tanto tiempo."
El cuarto del concepto del arte, el cuarto de máquinas del diseñador de producción Dan Hennah, era esencialmente una galería de arte para la película. Cuando el elenco y el equipo de producción empezaron a llegar a Wellington, su primera parada era por el cuarto de concepto del arte, donde podían vislumbrar, con detalles exquisitos, la maravilla visual en la que estaban a punto de entrar. "El concepto del arte era tan hermoso," comenta Jihae, "impresionante e intrincado."
Esa elaboración y el compromiso por el detalle súper specífico se extendía hacia los sets. "El detalle es lo más importante," señala Hennah. "La decoración del set y los detalles de la utilería son esenciales cuando estás filmando en 8K. Durante la filmación necesitas exagerar ese aspecto…de otra manera, no serás capaz de percibirlo en la pantalla de cine."
De manera sumamente ambiciosa, se crearon un total de 70 sets para Máquinas Mortales. Algunos eran totalmente físicos y completos, mientras que otros eran más pequeños con secciones que podrían contener green screens. Ninguno de los sets fue compleamente digital, relata Rivers, porque queríamos asegurarnos de que el reparto siempre tuviera "una pieza del set que fuera física, algo que pudiera ser táctil para los actores y de la que pudieran asirse."
Los actores, inclusive aquellos que ya habían trabajado con los realizadores, estaban deslumbrados por todos ellos. "De no haber contado con Dan Hennah, esta no habría sido la película en la que se convirtió," expresa Weaving. "Su departamento de arte se hizo cargo de todo-desde los más pequeños detalles hasta los enormes sets." Hilmar estaba fascinada. "Es como estar en una casa de muñecas," relata Hilmar. "Y todos los detalles que hubieras deseado que estuvieran dentro de esa casa cuando eras niña, estaban allí; y podías literalmente jugar con ellos."
La Corteza de la Tierra Tierra de Brechas y Secretos Enterrados
La película inicia en la Corteza de la Tierra, que es una tierra estéril futurista geográficamente similar a Europa. Construida sobre andamios y poliestireno, usando toneladas de tierra y pintura de hule desmenuzado, el set era un enorme paisaje orgánico con brechas gigantes que reflejaban las huellas de los neumáticos que dejaban atrás las destructivas ciudades de tracción.
Las ciudades son tan enormes, expresa Hennah, que caminar por sus huellas se siente como "ser una hormiga sobre las huellas que deja un camión." Y puesto que estas enormes ciudades de tracción quiebran la superficie de la Tiera con su fuerza y su peso, los artefactos conocidos como "tecnología antigua" con frecuencia salen a la superficie como si fueran basura. "Si escarbaras seis pies por debajo de la superficie, hay una capa con objetos del siglo XXI -CDs, DVDs, bolsas de plástico y paquetes de galletas," comenta Hennah.
Scuttlebutt Una Ciudad de Insectos Excavadora
Uno de los sets favoritos del elenco y equipo de producción fue la pequeña ciudad de tracción conocida como Scuttlebutt. Conocida como la "lagartija mecánica" o el "insecto multifacético," a Scuttlebutt se le puede encontrar arrastrándose por la Corteza de la Tierra. Keller describe el exterior de este pueblo como un "crustáceo con piernas."
"Está camuflado y cubierto de acero hasta arriba," dice Keller. "Tiene además piernas excavadoras que recorren el campo siguiendo las huellas que dejan las otras ciudades. Puede excavar bajo tierra."
La inspiración para el diseño interior provino de los orígenes steampunk del material original y el magnífico conjunto de 360 grados cautivó al elenco. "Scuttlebutt es sensacional, fantástico," afirma PETER ROWLEY (I Am Evangeline), quien interpreta al señor Orme Wreyland, uno de los "dueños" de Scuttlebutt. "Literalmente abrí la boca cuando la vi. Hay tubos, vapor y-cuando hay peligro-desciende sobre su vientre como una platija y se cubre de tierra."
La esposa de Orme, la señora Wreyland, es interpretada por la compañera de Rowley, la neozelandesa MEGAN EDWARDS (The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring). "Scuttlebutt es pequeña en comparación con muchas de las ciudades de tracción," comenta Edwards. "Es el equivalente a una aldea con carros largos, retorcidos y un sentido de articulación. Hay una serie de celdas, con un gran contenedor de aguas residuales en la parte superior de donde la señora Wreyland saca el agua para preparar el té. El set tiene tantos detalles-una cocina increíble, sofisticadas cerraduras en las celdas, remaches, usan materiales reciclados, así como elementos parecidos al plástico por encima de los cordones, solo capas y capas."
De acuerdo con el director de arte conceptual RA VINCENT (la trilogía de The Hobbit), los toques finales hicieron toda la diferencia. "Los ambientes necesitan ajustarse a cada uno de los personajes en particular," señala Vincent. "La narrativa final está en la decoración, que la realiza el equipo de decoración de sets; ellos añaden una capa que no puedes dibujar en el concepto del arte. Esta decoración vuelve al espacio habitable."
Scuttlebutt es una pequeña y veloz ciudad de tracción, así que necesitaba verse como si de verdad se estuviera moviendo. La única manera de lograrlo de manera realista era hacer que se moviera, entonces el departamento de arte trabajó en colaboración con el equipo de efectos especiales, en particular con su supervisor, SCOTT HARENS (The Hobbit,Avatar), para conseguirlo.
El set fue dividido en secciones que se movían de manera independiente, pero que podían ser sincronizadas para que se movieran juntas. Se requirió de un total de nueve técnicos en efectos especiales para operarlas durante la filmación. La cabina principal se movía 360 grados en un cardán, mientras que la sala de estar se movía 180 grados en un movimiento de balanceo. La parte de atrás se meneaba de lado a lado, como la cola de un pez. Se le añadieron efectos de vapor e iluminación, y el software de control de movimiento impulsó una sofisticada estimulación de arranque y carrera en la cabina principal.
Jenny Haniver La Nave Roja de los Cielos
Una de las creaciones más icónicas de Reeve es la aeronave roja llamada Jenny Haniver. Esta nave fue construida por Anna Fang mientras era una esclava en la ciudad de tracción de Arkangel, en una época anterior a los eventos que se desarrollan en la película. Esta aeronave aparece a lo largo de los subsecuentes libros del llamado Cuarteto de libros de Máquinas Mortales y es un personaje fundamental de las historias.
Para preparar el diseño de la nave, Keller se inspiró en el material de origen. Anna Fang la construyó pieza por pieza, con elementos viejos que sacó de la basura cuando era una esclava. A pesar de que provenía de la basura, el producto final con terminados de madera quedó unido como un bote restaurado con amor.
El exterior de la nave se parece un poco a una polilla roja gigante o una cometa. Bajo las grandes alas expansivas se ubica la cabina en forma de bote que conduce a una cubierta trasera, amplia y abierta. En la parte delantera hay un tablero de mandos e interruptores, frente a un asiento giratorio con controles de palanca universal, similares a los de un helicóptero. El espacio habitable es compacto, con una pequeña cocina y un dormitorio y la sugerencia de un baño. El lugar está lleno de artículos personales, baratijas, obras de arte, cómodos y suaves muebles y hermosos páneles de madera. El aspecto es orgánico, femenino y refleja influencias asiáticas en letras, muebles y obras de arte. "El Jenny Haniver tiene un gran significado sentimental para Anna Fang," comenta Jihae. "Cada pequeño rincón y grieta ha sido instalado y colocado por ella. Es su hogar, su bebé."
Aunque el set del Jenny Haniver también estaba montado en una base en movimiento, consiguieron una importante cantidad de movimiento usando técnicas de fillmación relativamente de la vieja escuela. Los técnicos en efectos especiales estaban literalmente tirando de las cuerdas para mover luces y teclas para crear la sensación de movimiento en el set.
Cuando le disparan a la nave, como era necesario aún más movimiento, la base se movía con movimientos lentos, serpenteando. Esto permitió que Rivers aumentara la intensidad de la nave con más turbulencia-y estremecimientos, y ventiladores disparando hacia las caras de los actores. "En el set hubo algunos momentos más desafiantes que otros, especialmente cuando se rompió todo el vidrio de la Jenny y ese viento helado casi ártico soplaba hacia nosotros desde todos los ángulos, todo el día, ¡desde esos ventiladores industriales!" relata Hilmar. "Empieza hacer más y más frío y no estás usando ropa abrigada, y no has dormido bien desde hace algunos días...," y sonríe. "Pero se ve genial y la Jenny es tan hermosa y es un set tan divertido para trabajar. Uno de mis favoritos por lejos. Los detalles del diseño interior estaban tan llenos de carácter y calidez."
Airhaven La Ciudad en las Nubes
La fantástica ciudad de Airhaven, que flota en el cielo entre los 5,000 y 10,000 pies de altura-está suspendida de enormes globos llenos de un gas similar al helio-fue uno de los sets de mayor tamaño de la producción. "Airhaven es una especie de Suiza en el aire," refiere Boyens. "Es básicamente un lugar para grandes aviadores defensores de las ciudades estáticas y para los Antitraccionistas, pero también es visitada por los buscadores de tesoros y alguna ocasional aeronave de una ciudad depredadora. No se permiten armas: los disparos pueden hacer explotar todo el lugar. Es un lugar de encuentro, un lugar de comercio. Es un espacio para espías y secretos y un mercado de rumores, susurros e información."
Hennah añade: "Es el Casablanca de los cielos. Hay mucho comercio en marcha, y también una importante cantidad de desconfianza. Por todas partes hay pequeños nichos donde la gente puede esconderse."
El set de Airhaven estaba ubicado en el estudio K, el más grande de los Estudios Stone Street, donde se filmó la mayor parte de la película. El set medía 70 metros de largo (el ancho de una cancha de rubgy) y estaba suspendido de la rejilla del techo, y por motivos de seguridad, atado al piso.
Para Hilmar, Airhaven capturaba la sensación de misterio y magia que impregna la película. "Era una ciudad donde ibas encontrando cosas nuevas todo el tiempo," comenta. "Y en la escena donde se incendia, había luces anaranjadas, flamas y bombas; era maravilloso."
Para diseñar Airhaven, el departamento de arte modeló la ciudad en 3D con un programa state-of-the-art que se llama HoloLens Holographic, una tecnología de realidad mixta. "La realidad aumentada es fantástica cuando precisas visualizar estructuras totalmente imposibles," afirma Ra Vincent. "Los audífonos le dieron a los artistas la oportunidad de experimentar sus dibujos y sets en gran escala. No todos pueden navegar por un modelo 3D, pero si pueden usar lentes y navegar por un holograma."
La tecnología le permitió al departamento de arte construir Airhaven digitalmente, y después los artistas pudieron ver el set a través de los lentes en el estudio en el que se construiría. Al ver realmente el conjunto situado en el espacio, pudieron hacer ajustes y cambios al diseño antes de que se elaboraran los planes del set.
El enorme set era una complejo laberinto de pasarelas, puentes, cuerdas, cables y telas de paracaídas ondulantes. Faroles y luces colgaban por todas partes. "¡Es una ciudad con pasarelas integrales!" expresa Sheehan. "Era de locos."
La teoría de los diseñadores es que Airhaven había sido construida de piezas de aeronaves. "Tal vez inicialmente ese fue el propósito, pero con el tiempo, se volvió muy orgánica," dice Keller. Por ejemplo, los puntos de anclaje tienen, de acuerdo con el artista de concepto, "zarcillos con forma de medusa donde las naves podían llegar y engancharse."
Airhaven resultó ser especialmente desafiante para el departamento de efectos especiales. "El viento es un factor importante," comenta Harens, el supervisor de efectos especiales. "De memoria, teníamos un total de 10 máquinas de viento en el piso del estudio, así como motores de aire. Para las escenas posteriores, llenamos el estudio con un efecto de bruma donde era seguro respirar, y generamos explosiones con Bióxido de Carbono-que diseñamos con morteros de aire, iluminación y bombillas. También armamos partes de la plataforma para permitir que los dobles tomaran su lugar, y los técnicos arrojaban escombros y cenizas desde las rejillas del estudio. Fue bastante caótico, y esperamos que todo esto sea evidente en el producto final."
Strole El Taller Móvil de Shrike
El exterior de Strole, el hogar de Shrike, se parece a "un escarabajo muy duro o a un tanque de guerra," comenta Lang. Tiene una superficie oxidada de metal y el diseño es bastante esquelético. La estructura es impulsada por rayos con pies en lugar de ruedas lisas. Strole, que fue construida por Shrike, es básicamente un taller móvil.
Adentro hay un "mundo gótico, ligeramente oscuro, con formas que podrían asociarse a la arquitectura de una iglesia," menciona Hennah. Como Shrike no duerme, el elemento que salta a la vista es una mesa de trabajo. El espacio está lleno de herramientas, piezas de repuesto, autómatas espeluznantes, muñecas antiguas y juguetes. El equipo diseñó a Strole de forma tal que fuera lo suficientemente cómodo para que una niña de ocho años pudiera vivir allí sin volverse loca. Con el paso del tiempo, Hester le agrega toques femeninos de color, luz y comodidad. "Visualmente, hay un punto de inflexión donde el duro asesino se ve ligeramente expuesto y muestra un lado más suave," comenta Hennah.
Hester cambia a Shrike al igual que ella lo hace con él, y la dinámica de esa relación se refleja en el set. "Ella agrega cierta femineidad y energía humana al lugar," señala Hilmar. "Él lo ha llenado con elementos muertos, y ella le pone pequeños toques de vida como flores silvestres que ha encontrado en alguna parte."
Londres La Ciudad Devoradora
Londres es la ciudad de tracción más grande de la película. Mide aproximadamente un kilómetro y medio de ancho, dos y medio kilómetros de largo y casi un kilómetro de altura; la nueva Londres está dividida en siete niveles. El más bajo, también conocido como las tripas, es donde son ingestadas las ciudades que han capturado, y de las que la ciudad se alimenta, donde la basura es procesada y eliminada. Conforme los niveles van subiendo, la vida se vuelve más brillante, luminosa y más agradable-y sigue ascendiendo hasta alcanzar el nivel superior donde viven los londinenses de la clase alta. Es allí donde está la silla del poder y donde se encuentran los edificios históricos más icónicos, como la Vieja Catedral de St. Paul. "Estamos familiarizados con ciertas zonas de Londres," comenta Keller. "Pero también hay algo nuevo y desconocido."
El diseñador de concepto Vincent reflexiona sobre la ironía de cómo funciona la ciudad: "Londres es una ciudad depredadora, pero el nivel inferior solo está allí para sostener al superior. En cierta forma, se están comiendo entre ellos. Es una especie de canibalismo."
Para Vincent, el set de las calles de Londres presentó la oportunidad de experimentar cuán enorme era esa ciudad. "Pudimos construir un set de tamaño considerable con una perspectiva de casi 360 grados," comenta. "Sentir que formas parte de una entidad más grande y extensa y me ayudó a comprender la escala del mundo actual en el que vivimos."
Mientras concebía el diseño de la ciudad, Rivers decidió que sería bueno empezar definiendo qué sobreviviría a un desastre nuclear dentro de 100 años. "En este lugar no existe el vidrio, pero las estatuas han sobrevivido," comenta Rivers. "Decidimos hacer arqueológico todo lo que vemos en nuestro mundo hoy, y a partir de ese punto, sesgar y torcer las cosas."
Es una ciudad donde los ciudadanos son conscientes del pasado. "La gente de este mundo reconoce que hubo una civilización avanzada que se autodestruyó y que ellos han construido la suya encima de esa," afirma Keller. "Es una nueva civilización construída desde las cenizas."
La Vieja Catedral de St. Paul, situada en lo más alto de Londres, ha sido reconstruida usando los elementos que sobrevivieron a La Guerra de los Sesenta Minutos. Las partes que fueron destruidas han sido reemplazadas con acero azul. "Es lo familiar presentado de una forma muy poco familiar," dice el actor Page. Reconocemos edificios en lo alto de una ciudad que se mueve a 100 millas por hora. Es enorme-más grande que el mayor acorazado. Hasta que no lo ves con tus propios ojos, es difícil de imaginar."
La iluminación también jugó un rol importante para representar los diferentes niveles de Londres. El director de fotografía Raby utilizó un tono verde industrial en el nivel inferior, que cambió por imágenes más acogedoras y cálidas en los niveles intermedios. En el segundo nivel, la iluminación era alegre y brillante, irradiando un Londres disparatado y pop, posterior a los Beatles, de la década de 1960. En el nivel superior utilizó un azul real, para darle un sentido de realeza.
El Museo de Londres provee de contexto a la historia de la ciudad. "Es impresionante," comenta COLIN SALMON (Tomorrow Never Dies), quien interpreta a Chudleigh Pomeroy, el curador del Museo de Londres y miembro senior del Gremio de los Historiadores. "Tiene la sensación de ser un museo real y es un lugar extraordinario."
Se contruyeron tres salones contiguos en el set del museo-con techos muy altos y paredes que parecían hechas de piedra. Dentro del atrio se encuentran grandes y antiguas esculturas griegas graciosamente juxtapuestas, además de los artefactos de personajes de películas del siglo XXI - una pista de que ahora estamos en un mundo futuro mirando hacia atrás, hacia nuestro presente.
En el salón de la Tecnología Antigua, vitrinas de cristal exhiben tecnología antigua como computadoras, lentes de realidad virtual, juegos de video de mano, audífonos, relojes de pulsera y una gran colección de teléfonos celulares congelados y petrificados. "Muestran una historia de precaución acerca de cómo hoy en día la gente está tan apegada a los celulares," manifiesta Salmon. "Se ven tan auténticos: chamuscados, petrificados, fosilizados. El detalle es extraordinario." También hay una biblioteca llena de libros que ahora son raros, una mercancía preciosa.
VESTUARIO Y MAQUILLAJE
Niveles de la Moda
De los Residuos Desgastados al Glamour de los Estampados
El departamento de vestuario enfrentó desafíos similares y oportunidades creativas al reimaginar este mundo del futuro. "Usamos ropa que es reconocible hoy en día y le añadimos un toque," comenta la productora Amanda Walker. "La ropa es común, pero entonces el departamento de vestuario la llevó hacia una dirección completamente diferente, que dio como resultado una paleta muy creativa."
Dirigido por Bob Buck, el departamento de vestuario, en su momento más ocupado, llegó a tener hasta 110 miembros en el equipo. Una de las decisiones más difíciles que tuvieron que tomar fue qué lugar tendría la moda en esa época y lugar. También tuvieron que considerar qué materiales y mercería estarían disponibles en este futuro con recursos limitados. "Creamos y fabricamos nuevas telas mediante el desgaste, el laminado, la pintura, agregando caucho y la plastificación," comenta Buck. La limitada cantidad de materiales para los personajes demostró ser un impulso creativo. "La mayor parte del tiempo estábamos haciendo cosas incorrectas con los textiles," menciona Buck. "Usamos mucha piel, lana y tela a cuadros, pero no muchos botones o cierres."
Londres, comenta Buck, es una especie de barco pirata. En los niveles inferiores la ropa es, literalmente, recogida de la basura y está hecha de recortes. Es más funcional que de moda. "Para las tripas, compramos ropa de segunda mano, la descosimos y la cosimos de vuelta de manera desordenada," relata Buck. "Si la miras de cerca, verás que hay chaquetas de fumador adheridas en la espalda de ropa de trabajo, etc."
Romper los textiles era una parte sumamente importante del proceso, y Buck tenía un equipo que se dedicó exclusivamente a eso. "Durante la producción, contábamos con unas 24 horas para lograr que algo se viera muy gastado," comenta. "Lijarla, quemarla con un soplete, usar un cepillo fino en seco, todo tipo de embarrado y manchado. Cada detalle cuenta cuanto estás en ese proceso. Puede que no siempre sea notorio en la cámara, pero con solo rasgar una media se logra que alguien se sienta manchado de barro, y más si está en personaje."
En los niveles superiores, hay una sensación de alta moda y la ropa es ecléctica, vibrante y colorida. "Conforme subes las cosas se vuelven más estructuradas," comenta Buck. "La ropa del nivel superior refleja la Carnaby Street en los alegres años sesenta. Desde allí nos fuimos al extremo, y la película empezó a generar su propia estética."
Buck prestó especial atención a la manera en la que Reeve describe el color en el libro. La ropa en los niveles inferiores es en tonalidades marrones, verdes, grasientas y sucias. Los colores se vuelven más brillantes y limpios conforme subes de nivel. El vestuario era muy consciente de cada decisión. "El color tiene tantas emociones e información inherentes," comenta Buck. "Hay tantos símbolos que asociamos con los colores, que tienes que tener cuidado de cómo los usas."
Puesto que la mayor parte de la historia sucede en solo cuatro días, la mayor parte del elenco tenía una sola apariencia principal...con ligeras variaciones. El traje de Hester se ve como si lo hubiera juntado usando prendas abandonadas de ropa y telas que se han reutilizado. Usa pantalones con textura desgastada con una camiseta suelta sin mangas, un abrigo largo verde y una icónica bufanda roja, un detalle que imaginó Reeve.
En Máquinas Mortales, en el sistema de gobierno de Londres los asientos del consejo son asignados a los gremios-tres de los cuales ocupan un lugar destacado en la película: el de los Ingenieros, que dirigen los motores y los sistemas de operación, son los más poderosos; el de los Navegadores, y el de los Historiadores. Cada miembro del gremio usa un uniforme en particular que tiene ciertas variaciones para indicar su nivel de antigüedad. Reeve describe a los Ingenieros como un culto; para ellos, Buck creó una apariencia andrógina "de ciencia ficción clínica con una paleta en colores plateados," relata.
Tom, por el contrario, es un aprendiz en el museo y un Historiador de bajo rango. Los historiadores usan chaquetas azules, y la de Tom está un poco mal adaptada a su cuerpo. Además, es de segunda mano, lo que ratifica su estatus inferior.
Weaving describe la apariencia de Valentine como "con elegancia discreta y autoridad." Inspirado en parte por la pintura al óleo The Wanderer, de Caspar David Friedrich, las prendas de vestir usadas por Valentine tiene una regencia romántica adaptada a su reputación como arqueólogo en jefe. Durante la mayor parte de la película utiliza un abrigo largo de lana verde, un chaleco encima de la camisa y botas negras altas. Cuando está volando en su aeronave, El 13 th Floor Elevator, se cambia el abrigo por una chaqueta voladora de cuero con cuello alto -y añade una bufanda para darle un toque de estilo, como corresponde a un capitán.
Como Katherine Valentine también vive en el nivel superior, su vestuario refleja su alto estatus en Londres. A George le encantó el proceso de trabajo en colaboración con Buck para la creación de su vestuario. De hecho, como parte de su preparación para el papel, George tomó clases de costura-un pasatiempo que suponía su personaje podría mostrar interés en realizar. "Katherine empieza de punta en blanco, como un pavo real," relata George. "Utiliza un lindo vestido pequeño de los años setenta y botas al muslo de terciopelo. Después se pone pantalones de piel y un saco, y su aspecto cambia, es más de espionaje, con colores más oscuros."
El aspecto para el Nivel Uno era estructurado y extraordinariamene colorido. Púrpura, rosado, amarillo, anaranjado y turquesa eran colores muy comunes. Las mujeres usaban mini vestidos, trajes sastres con falda, mallas, cinturones, guantes y bolsas de mano. Muchos caballeros están vestidos con estampados, trajes estructurados con cuellos tipo polo o corbatas y lentes oscuros. Los textiles son brillantes, a cuadros, con rayas, acolchados y pastificados. El resultado es un look retro con un giro futurista, exagerado y extravagante.
Los Beefeaters, los guardianes ceremoniales de Londres, son históricamente los protectores de las joyas de la corona y de los prisioneros de la Torre de Londres. Sus uniformes son ceremoniales, casi cómicos, en rojo brilante con rayas doradas y negras y un sombrero negro con un detalle en la cinta. En Máquinas Mortales, los Beefeaters son más parecidos a una policía secreta de matones, pero su aspecto es una clara referencia al uniforme tradicional. Sus trajes son una versión retorcida, más siniestra, del aspecto ceremonioso de hoy. Justo debajo de sus duros sombreros negros visten abrigos gruesos de cuero rojo oscuro con un detalle de rayas que se cruzan en la espalda-que nos recuerdan a las marcas de una araña venenosa.
Peinados y Maquillaje
De Peinados a Prueba de Balas a Pelucas Despuntadas
La diseñadora de peinados y maquillaje Nancy Vincent tenía a un gran equipo trabajando en elaborados y muy estructurados peinados para los extras del Nivel Uno. "Londres puede moverse a más de 100 kilómetros por hora, pero los peinados tienen que ser a prueba de balas," comenta Vincent. Al pelo lo rociaban con spray en el lugar de trabajo para que quedara fijo como el concreto." Para agregar trabajo, los estilos de los peinados de las mujeres eran gigantescos, exagerados, con moños muy esculturales, representando formas y diseños fuertes. Los hombres estaban bien arreglados, con el pelo facial limpio y ordenado, o perfectamente afeitados.
Para los Ingenieros, Vincent complementó el vestuario andrógino con peinados que incluían "lados afeitados con un pedazo más largo en la parte superior y una media luna en la parte posterior para los hombres," comenta. "Las mujeres tenían pelucas romas y cortas. A todos se les había rociado el pelo gris."
Para Hester, las discusiones con el diseñador de prótesis GINO ACEVEDO (The Hobbit,King Kong) sobre la cicatriz de su cara iniciaron desde el principio del proceso, y trabajaron sobre varios escenarios con la ayuda de una herramienta de escultura digital 3D que se llama Zbrush. Una vez que seleccionaron a Hilmar, el proceso evolucionó y usaron una escultura de yeso de su cabeza. Mostrándose como siempre colaboradores, los realizadores estaban abiertos a incorporar las propuestas de Hilmar sobre la cicatriz. "Quería que Hester se viera lo más deformada posible," comenta Hilmar. "No quería que su cicatriz fuera bonita." La cicatriz tenía que llamar la atención, sin verse grotesca. "Es diferente mostrar algo en la pantalla grande que describirlo en un libro, y el público lo experimenta ligeramente diferente," relata Hilmar. "Lo más importante era que representara aquello por lo que Hester había pasado y cómo lleva eso con ella todos los días de su vida."
EFECTOS VISUALES
Escala y Movimientos Sísmicos
Construyendo Personajes y Paisajes
Cuando le piden que describa el mundo de Máquinas Mortales, el supervisor de efectos especiales Kevin Andrew Smith usa una sola palabra: "grande." El tamaño y la creatividad necesarias para mover grandes ciudades le representó a Weta Digital uno de los desafíos más épicos a la fecha.
Con 860 metros de altura, 1.5 kilómetros de ancho y 2.5 km de largo, Londres es la ciudad de tracción más grande de Máquinas Mortales. Generalmente, las ciudades son imaginadas como ambientes estáticos construidos como si fueran grandes sets físicos de cine. Las posiciones de la cámara pueden definirse y la acción puede ser dirigida de tal manera que el público sienta que está en un espacio físico vivo. El departamento de elaboración de planos generalmente se encarga de reunir los activos del departamento de modelos, así como cámaras y de la construcción de un set virtual. En esta película, las ciudades se mueven a gran velocidad, así que las todas reglas y flujos de trabajo normales se fueron por la ventana.
Desde el prinicipio Weta estableció una nueva secuencia que combinó la construcción de un ambiente tradicional con algo más parecido a su secuencia para los personajes digitales. El componente esencial era brindarle a los animadores la flexibilidad de añadir movimientos a la medida a las diferentes piezas-así como a grandes segmentos de la ciudad-para capturar la flexibilidad y el balanceo visibles en objetos rígidos a medida que se movían. El modelo más cercano que tenían de este híbrido era una motocicleta, pero las herramientas existentes no ofrecían el nivel de control y variación que requería este trabajo. Para no ser más astutos, simplemente construyeron unos nuevos.
La nueva tecnología está a la par del curso en Weta Digital. "El ritmo de los avances tecnológicos en Weta es implacable," dice Smith. "Constantemente hay cientos de pequeñas cosas nuevas y mejoras. Incluso las películas con un alto grado de continuidad como Planet of the Apes films o la trilogía de The Hobbit, ven las cosas cambiar y evolucionar tan rápidamente. ¡Las herramientas de vanguardia que desarrollas para la primera película empiezan a volverse obsoletas para la tercera!"
En Máquinas Mortales, Londres se encuentra en constante movimiento, ya sea buscando o cazando una presa. Para crear la sensación de movimiento dentro de la propia ciudad, el departamento de diseño de planos ensambló 113 secciones de Londres hechas a mano, a las que le llamaron nenúfares. Cada nenúfar tenía una configuración de animación independiente que podía ser animada por separado. Este paso fue crítico dado el gran tamaño del activo.
Incluso con el poder de las estaciones de trabajo de la más alta gama, el equipo estaba trabajando con cientos de millones de piezas, que el software tenía que rastrear y poder mover con solo apretar un botón. La independencia de los nenúfares también significó que la ciudad tomó una sacudida y una vibración que simulaba la clase de ajetreo que esperarías de un enorme vehículo en movimiento.
La ilusión del movimiento también se abordó en la iluminación y la representación de las tomas. Algo que a menudo pasa inadvertido es que, en parte, nuestro cerebro percibe distancia y movimiento cuando enfocamos la vista. Para comunicar la sensación de movimiento a través del espacio, los artistas usaron técnicas tales como la cuidadosa aplicación del desenfoque de movimiento y le añadieron finas y brumosas nubes al aire dentro y alrededor de la ciudad-señales visuales que vemos en la vida real.
En una empresa tan grande y sin precedentes en el mundo real, es fácil perder la orientación. Weta Digital tiene un fuerte sesgo hacia tratar de replicar el mundo real, así que su trabajo está siempre basado en la física del mundo real. Desafortunadamente, cuando se trata de ciudades gigantes en movimiento, la física y el cine no siempre se alinean cómodamente.
Para enmarcar una toma de tal manera que el público entendiera la acción, con frecuencia la cámara necesita estar en un lugar y a una distancia que no es la ideal para el rodaje. "Estar ante una escena con dos ciudades de tracción moviéndose a lo largo de un vasto escenario a 100 kilómetros por hora, se ven como un par de caracoles haciendo una carrera," comenta el supervisor de animación Dennis Yoo. "¡Y nadie quiere ver eso en la pantalla grande!"
Entonces tuvieron que lograr que Londres se moviera más rápido de lo que en realidad lo haría; y eso presentaba un nuevo problema. "Si haces que se mueva demasiado rápido, empieza a verse pequeña," comenta el supervisor de efectos visuales Ken McGaugh. "Es una lucha constante entre lo 'emocionante' y lo 'real.' El desafío consistía en hacer que algo se viera grande en un paisaje enorme y sin punto de referencia, sin que pareciera un auto de control remoto puesto en un patio."
Cuando descubrieron que no era viable asignar una velocidad específica a la ciudad de tracción, sino que la velocidad tenía que ser variable dependiendo de la toma, eso funcionó bien para los animadores, pero no tan bien para el equipo responsable de los FX, responsable de simular el fenómeno natural. "A veces estábamos rompiendo la barrera de la velocidad y el equipo de efectos se halaba los pelos...y decían, '¡No pueden hacer eso! ¡Nuestros efectos se están rompiendo!'" relata Yoo, riéndose. La cantidad de polvo que acumularía en Mach 2-o la cantidad de oscilación que verías en la mampostería-podría destruir la ciudad o llenaría todo el marco de polvo.
Siglos antes de La Guerra de los Sesenta Minutos, la tierra había sido considerablemente aplanada, desolada y estéril. El arado implacable de las ciudades de tracción ha dejado capas y capas de mugre, escombros y residuos sobre la corteza de la Tierra. Weta recreó este efecto comenzando con una simulación fluida, acoplada con precisión con diferentes viscosidades; esto podría simular con precisión a combinación de capas solídas y líquidas del barro. Después empezaron a colocar huellas y a erosionarlas, poniendo encima más huellas que las erosionaron de vuelta-una mímica digital de la evolución geológica de un escenario real.
Otro desafío fue crear un ambiente lo suficientemene grande para hospedar toda la acción. "Tienes que construir un mundo lo suficientemente grande para contener a Londres y al Muro de los Escudos, una pared gigante que protege a las poblaciones estáticas situadas en las Montañas del Himalaya de las ciudades de tracción," comenta Smith. "Es una cantidad inimaginable de cosas. Necesitas tanto el volumen como la diversidad para lograr que el público crea que es un lugar real que ha evolucionado con el tiempo."
El Muro de los Escudos tiene 1,800 metros de altura y está enclavado entre las montañas. Si consideramos que el Himalaya tiene 8,800 metros de altura, es lógico apreciar el tamaño de esta barrera hecha por el hombre que protege a Shan Guo, el estado central de la nación de la Liga Antitraccionista. Smith estima que su equipo creó cerca de 50,000 kilómetros cuadrados de paisaje que se sitúa al frente del Muro de los Escudos; y detrás de la pared hay otros 20,000 kilómetros cuadrados que pertenecen a Shan Gou.
Mientras construían estos vastos espacios, los artistas de efectos visuales tenían en mente el catálogo inconsciente que el público tendría en mente. "Una montaña todavía necesita verse como una montaña, pero también hay que asegurarse de que no se pierda la escala humana," expresa Smith. "No tienes que casarte con las reglas de la física, pero si empiezas desde allí, siempre te encontrarás en un lugar más conectado a tierra. El público tiene una serie de suposiciones cuando una película está ubicada en el planeta Tierra, aunque esté situada en un futuro distante. No puedes tirar por la borda a la física por completo...pero si puedes hacer trampa."
Cuando llega el turno de inventar algo que no habíamos imaginado antes como un arma súper letal conocida como la Medusa, que tiene la habilidad de destruir una ciudad entera, el equipo de efectos se permitió una mayor licencia creativa, pero no demasiada. "Es cómo un arma como la Medusa reacciona con el mundo real donde tienes que ser diligente," comenta Smith. "Si algo va a explotar, sabemos cómo van a volar las piedras por el aire y se va a mover la tierra-entonces, de repente estás de vuelta en el libro de física."
El único personaje totalmente digital de Máquinas Mortales es Shrike. El soldado resucitado de nueve pies de altura que en apariencia es un robot, pero que posee un alma humana. Su personaje, que es una combinación de partes humanas y mecánicas de alta tecnología, fue diseñado para resolver cómo estos materiales podrían integrarse entre sí para crear a temible guerrero.
Lang interpretó a Shrike durante las tomas de acción en vivo y encarnó el espíritu y la esencia de este personaje. Yoo trabajó de cerca con Lang durante su actuación en el set. "Siempre estuve tratando de incluir aspectos de Stephen en Shrike," afirma Yoo. "Su cara tiene un parecido con la de Stephen." El supervisor de animación vacila. "Bueno, es parecida si piensas en una versión zombificada de él y en un robot."
Para Shrike fue diseñado un concepto facial híbrido, combinando partes metálicas con piel humana para crear una cara correosa y momificada. Para este diseño, Weta Digital desarrolló un aparato de músculo facial hecho a la medida para retratar el movimiento real y el estiramiento de la piel sobre el metal. Los animadores crearon este modelo digital que podía utilizar los músculos y la piel que eran visibles y transmitir latidos emocionales. Como el arco emocional de Shrike se desarrolla a lo largo del curso de la película, ciertos movimientos fueron suavizados cuando se hizo necesario. Asimismo, a sus ojos le dieron un brillo más sutil para dar a entender su diálogo interno.
Incluso la manera en la que se mueve Shrike es diferente en las distintas etapas de la película. Hacia el final, está más dañado y roto, así que se mueve más como un robot, de manera más pesada. Se le agregó mucho peso a las partes mecánicas, así como vibraciones para que se viera como un hombre robótico desmoronándose.
No obstante, cuando Shrike sale en la pantalla por primera vez, Rivers quería que se moviera como un ninja. Para conseguirlo, la animación del movimiento de Shrike fue suavizada para que se viera más liviano y más calculado. El deseo del director de que el personaje tuviera un movimiento único - diferente de cómo un ser humano se movería - hizo que los animadores no usaran la técnica de captura de movimiento como base para ello. "Christian nos llevó hasta ese límite, donde no se sintiera que era un hombre metido en un traje," señala Yoo. "Shrike de verdad se siente como algo realmente diferente."
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EL SONIDO
La Banda Sonora
Arpas, Hooligans e Historia
Para el compositor TOM HOLKENBORG (Deadpool, y Tomb Raider de 2018), desde el primer momento tenía claro que Londres necesitaba su propio tema musical, muy distinto. "Yo pienso en Londres como un noble con mucha historia," expresa Holkenborg, alias Junkie XL. "Y además tenemos el hooliganismo."
Para sacar a relucir la personalidad de la enorme ciudad, Holkenborg quería un montón de instrumentos de metal en la banda sonora. La Orquesta Sinfónica de Nueva Zelanda, que grabó partes de la banda sonora en Wellington, llamó a todos los intérpretes de instrumentos de metal disponibles para cubrir las "sesiones dedicadas solo al metal." En lugar de los usuales cinco cuernos, había 12, así como 9 trombones y trombón de contrabajo. Había cuerdas y sesiones de vientos de madera que serían grabadas por separado. "No hay suficientes intérpretes de instrumentos de cuerda en el mundo a los que puedas reunir en el mismo espacio con los metales, y las cuerdas aún serían escuchadas," comentan.
Fue el nuevo enfoque de Holkenborg y su dinámica orquestación lo que capturó la atención del equipo de Máquinas Mortales. Además de la orquesta, incorporó percusiones, sintetizadores, bajos, harpas, sesiones corales-y todo aquello que lo inspirase en la partitura, incluyendo golpear un bote de basura y soplar por unos tubos.
"La música de Tom es absolutamente increíble," señala Jackson. "Después de haber escuchado tantas bandas sonoras de Tom, creo que es posible que esta sea la mejor que haya creado en toda su carrera. De verdad puedo sentirlo. Hubo una sesión donde estaba grabando sonidos en este viejo y enorme tanque de combustible vacío donde se producían estas locas y chifladas reverberaciones y ecos. Él está allí golpeando las cosas y creando estos sonidos espirituales, para después convertirlos en una especie de música."
El director de orquesta CONRAD POPE (Moonrise Kingdom, My Week with Marilyn) disfrutó de su primera colaboración con Holkenborg. "Tom trae un enfoque fresco y contemporáneo de la música juvenil que produce," menciona Pope. "Le lleva las más novedosas técnicas disponibles a los compositores y los actualiza, y también usa partituras tradicionales. La banda sonora es como la película: tiene cosas del pasado y del futuro. Ha creado un sonido único para el mundo de esta película en particular." Holkenborg relata que a nivel musical, vio a la película de muchos colores. "Algunas cintas solo necesitan uno o dos colores, pero esta necesitaba muchos más," comenta. Empezó a trabajar en la película con trazos muy amplios. Siguiendo una corazonada, empezó a trabajar en el estudio ubicado en su casa de California-haciendo arreglos de sonidos en su pared de sonido. Este proceso produjo suites elaboradas en un esfuerzo por definir a cada personaje. "Se lo envié a los realizadores y les pregunté si reconocían a su película en esos sonidos."
Cuando llegó el momento de trabajar en los temas para cada personaje, Holkenborg fue igual de entusiasta para distinguir a los héroes de los villanos. "Hester era tres o cuatro notas rotativas que podían ser interpretadas en ritmos diferentes," comenta Holkenborg. "Ella es una joven evidentemente dañada, pero es fuerte, y debajo de eso es un diamante en bruto. Es leal y luchadora, y era importante que la música lo reflejara-especialmente en los momentos cuando se vuelve emotivo. El arreglo de la música necesitaba tener una cualidad orgánica que nos permitiera, como público, apoyarnos en ella."
El tema de Valentine, como contraste, tenía que provenir del ADN de Londres y conectar con el arma de Medusa. "El tema de Valentine es muy metálico en la naturaleza y pesado en las cuerdas; muy oscuro," dice Holkenborg. "Valentine está completamente conectado con el arma. Su tema se mueve en el tema del arma."
Cuando se acerca a la Medusa, a la que Holkenborg se refiere como "ella," se inspiró en la sugerencia que le hizo Jackson de que reflejara lo que el arma "piensa sobre ella misma". "La Medusa es el arma atómica más poderosa que se haya construido jamás y tienes que musicalizarla pensando en cómo piensa ella de ser ese tipo de arma," comenta Holkenborg. "Es casi como un dios." Para estos temas peligrosos y oscuros, Holkenborg usó un registro bajo para Valentine y se movió a las partes altas de las frecuencias para Medusa. "Tenemos a una soprano cantando ese tema con el coro debajo para darle esa cualidad divina," comenta. "La soprano subraya la arrogancia."
Diseño del Sonido
Pintando un Rompecabezas Audible
Al diseñador de sonido DAVE WHITEHEAD (Blade Runner 2049, Arrival) lo emocionaba el desafío sin igual que le ofrecía a su equipo el mundo de Máquinas Mortales. Como regla, trata de no usar sonidos de stock en las películas; en su lugar, prefiere empezar desde cero y construir un nuevo catálogo de sonidos para cada proyecto. "El gran punto de meterse en el sonido es que disfrutes de reunir y juntar piezas," comenta Whitehead. "Estás pintando…armando un rompecabezas y no vas a usar piezas viejas o rotas. Quieres salir y crear algo como si le estuvieras cosiendo un traje a la medida a alguien."
Su equipo puso manos a la obra-y grabaron de todo, desde los trenes a vapor, jets miniatura, y las bobinas Tesla para capturar los sonidos inusuales de este mundo extraordinario. El equipo de sonido trabajó en el desarrollo de una voz única para cada ciudad de tracción y aeronave. "La clave para las aeronaves era asegurarse de crear un gran contraste entre ellas," menciona el supervisor de edición de sonido BRENT BURGE (Ready Player One, la trilogía de El Hobbit). "No importa lo que estés viendo en la pantalla o percibiendo en el fondo, uno sabe exactamente cómo suena todo eso."
También Shrike tiene su sonido singular y propio, que combina al hombre con la máquina. "Christian quería tener este latido para Shrike," refiere Whitehead. "Quería que fuera un motor sin fin." Para lograrlo, el editor de sonido grabó una serie de sonidos diferentes que hacían referencia a los latidos del corazón, yendo desde un pequeño tambor de metal hasta un reloj. Al final, se unieron cerca de 20 componentes para lograr un solo sonido. Entonces "mundializaron" el latido, que implicó reproducir los elementos a través de un objeto metálico-a través de un pequeño altavoz resonante en un espacio real.
Cuando llegó el momento de producir sonidos para los pies de Shrike, Whitehead trajo de su casa un par de anaqueles de metal para vino y el pedestal de un viejo micrófono, también de metal. Los golpeó sobre una rejilla metálica, y después contra el concreto. El resultado: un aterrador e imparable sonido armonizaba con la fuerza profana de la naturaleza que Shrike representa.
Universal Pictures y MRC presentan-en asociación con Scholastic Entertainment Silvertongue Films y Perfect World Pictures-una producción de Wingnut Films: Máquinas Mortales, protagonizada por Hera Hilmar, Robert Sheehan, Hugo Weaving, Jihae, Ronan Raftery, Leila George, Patrick Malahide y Stephen Lang en el papel de Shrike. La música de la película la compuso Tom Holkenborg, y el diseño de vestuario es de Bob Buck. El editor de Máquinas Mortales es Jonno Woodford-Robinson, y el diseñador de producción es Dan Hennah. El director de fotografía de esta aventura épica es Simon Raby, y los productores ejecutivos son Philippa Boyens, Ken Kamins. La cinta es producida por Zane Weiner, Amanda Walker, Deborah Forte, Fran Walsh y Peter Jackson. Basada en el libro escrito por Philip Reeve, el guión de Máquinas Mortales lo escribieron Fran Walsh & Philippa Boyens & Peter Jackson. La película es dirigida por Christian Rivers. ©2017 Universal Studios y MRC II Distribution Company LP.
UN MUNDO CREADO EN NUEVA ZELANDA
Los neozelandeses son reconocidos por crear mundos mágicos e imponentes. El director Rivers también sabía que los Kiwis eran unos excepcionales constructores de mundos que de manera convincente llevarían a la vida el nuevo y nunca antes visto mundo de Máquinas Mortales. "Es un testimonio a la habilidad, el talento y la imaginación de los equipos de trabajo de Nueva Zelanda que son capaces de fabricar por completo estos mundos que nunca antes se han visto," afirma Rivers. "Nuestros equipos de trabajo son extraordinarios. Son todos profesionales, completamente innovadores. Sabes que cuando un equipo de trabajo de Nueva Zelanda se reune para trabajar en una película, puedes sentir que será una aventura especial y que van a dar lo mejor de ellos."
Hogar de creativos y equipos ganadores de premios, una experimentada selección de reparto, una variedad de infraestructura, impresionantes paisajes y un esquema competitivo de incentivos, Nueva Zelanda es una elección atractiva para cineastas y para los estudios.
Los realizadores nacidos en Nueva Zelanda-incluyendo a los guionistas y productores de Máquinas Mortales Jackson, Walsh y Boyens-construyeron una sólida industria fílmica en ese país. "Algunas de las películas más grandes que hemos visto en los últimos 15 a 20 años provienen de Nueva Zelanda, entonces sabes que estás en buenas manos cuando estas personas vienen haciendo esto desde hace tanto tiempo," comenta el director de fotografía Raby.
Toda la producción de Máquinas Mortales tuvo lugar en Nueva Zelanda. Los realizadores y los estudios eligieron filmar en ese país debido a su equipo de producción de calidad mundial, el talento, los técnicos y las instalaciones. "Nueva Zelanda ofrece algunos de los equipos de producción con mayor talento con los que hayamos trabajado," declara la compañía de producción MRC. "Seguimos increíblemente impresionados por la atmósfera de colaboración de todo el equipo y su habilidad sin igual para supervisar una adaptación al cine de esta magnitud."
La fotografía principal tuvo lugar durante 86 días en Wellington, a principios de 2017. La cinta fue filmada en 10 estudios diferentes, ubicados en tres espacios: los Estudios Stone Street, los Estudios Avalon; y en tres locaciones exteriores de Wellington.
La posproducción se llevó a cabo en Park Road Post Production, donde la compañía ganadora del Premio de la Academia® Weta Digital, estuvo al frente de los efectos visuales y compuso todas las impresionantes tomas de efectos visuales para la película. "Existe una razón por la cual hay tanto interés en hacer películas en Nueva Zelanda," señala Rivers. "En este lugar todo puede fabricarse, se puede rodar la película, y posteriormente puede llevarse a cabo la totalidad de la posproducción."
Más de 1,000 neozelandeses-incluyendo al equipo de producción, elenco y artesanos-fueron contratados durante la fotografía principal. Prácticamente todas las cabezas de departamento eran neozelandesas, así como el 98% de los integrantes del equipo de producción. Más de 200 personas que conformaban el departamento de arte construyeron 67 sets para el rodaje principal; y un equipo de 80 diseñadores de vestuario crearon cientos de trajes. Los neozelandeses también están en gran medida al frente de las cámaras, con más del 70% de los 50 papeles con diálogo, siendo interpretados por nativos de este país.
Con centros de estudios en las ciudades de Auckland y Wellington, Nueva Zelanda ofrece una diversidad de opciones de estudios de grabación, estudios y bodegas que pueden hospedar múltiples producciones locales e internacionales al mismo tiempo y cuentan con una gran variedad de infraestructura y locaciones.
La larga y estrecha geografía de Nueva Zelanda y las locaciones del Sur del Pacífico ofrecen numerosos microclimas que van de lo subtropical a los desiertos, de picos alpinos nevados a mesetas. Las estaciones comienzan con la primavera en septiembre, el verano en diciembre, el otoño en marzo y el invierno en junio-lo que permite que las producciones situadas en hemisferio norte puedan filmarse en escenarios con nieve cuando es época de verano en este hemisferio.
Estos elementos, en combinación con un competitivo esquema de incentivos para el cine, vuelven a Nueva Zelanda un atractivo destino para la filmación de películas. Gracias al New Zealand Screen Production Grant (NZSPG), las producciones internacionales reciben una subvención base del 20% en Qualifying New Zealand Production Expenditure (QNZPE). Un pequeño número de producciones puede ser invitada a aplicar por un 5% adicional.
Para obtener mayor información acerca de los beneficios de filmar en Nueva Zelanda, entre a: https://www.nzfilm.co.nz/
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ACERCA DEL REPARTO
HERA HILMAR (Hester Shaw) se ha establecido de manera sólida como una de las actrices nórdicas más famosas y rápidamente se ha convertido en uno de los talentos más favorecidos y codiciados del cine y la televisión.
Nativa de Islandia, estudió en la London Academy of Music & Dramatic Art. Recibió reconocimiento internacional cuando fue seleccionada por el programa European Film Promotion Shooting Star en el Festival de Cine de Berlín de 2015 por su papel estelar en Life in a Fishbowl-un drama compuesto de tres cuentos sobre tres personas que tienen un efecto duradero entre ellas. Su actuación la hizo acreedora al Premio Edda, el premio de cine de mayor prestigio en Islandia; un honor que recibiría nuevamente en 2017 por su actuación en la película The Oath, de Baltasar Kormákur, que la hizo acreedora a su segundo Premio a la Actriz del Año.
En 2017, Hilmar participó en An Ordinary Man, al lado de Ben Kingsley. El drama de Brad Silberling relata la historia de un criminal de guerra que está escondido y establece una relación con su única conexión con el mundo exterior-su mucama, intepretada por Hilmar. Ese mismo año protagonizó junto a Michel Huissman y Josh Harnett The Ottoman Lieutenant, de Joseph Ruben, un drama de guerra cuyo punto focal es la relación amorosa de una enfermera estadounidense idealista con un oficial turco durante la Primera Guerra Mundial. A principios de 2018 participó en The Ashram al lado de Melissa Leo, Sam Keeley y Kal Penn.
Hera debutó en el cine a nivel internacional en la película de Joe Wright nominada al Oscar® en 2012, Anna Karenina. La adaptación de Tom Stoppard del clásico de León Tolstoi situado en la alta sociedad de la Rusia del siglo XIX, relata la historia de la aristócrata de San Petersburgo Anna Karenina y su aventura amorosa con el apuesto Conde Alexei Vronsky, que le cambiará la vida.
Tuvo además un papel protagónico en la exitosa fantasía histórica Da Vinci's Demons de Starz, donde actuó con Tom Riley y Laura Haddock. En una secuencia de tres series, el programa presenta la vida de Leonardo Da Vinci siendo un joven artista, inventor y soñador durante sus primeros días en Florencia, en búsqueda de cambiar su futuro.
En 2016, Hilmar actuó en el thriller de acción de Ian Bonhôte Alleycats, junto a Josh Whitehouse y John Hannah. Hacia finales de ese año, regresó a la televisión en la miniserie de Discovery Channel Harley and the Davidsons. Basada en eventos verdaderos, esta historia biográfica relata el nacimiento de la icónica motocicleta Harley-Davidson, durante una época de enorme cambio social y tecnológico a principios del siglo XX.
Otros de sus créditos sobresalientes en cine incluyen The Fifth Estate, de Bill Condon y en 2014, la comedia familiar navideña Get Santa, con Rafe Spall, Jim Broadbent y Warwick Davis. Hilmar también participó en la miniserie de Ridley Scott para televisión World Without End.
ROBERT SHEEHAN (Tom Natsworthy) es uno de los actores jóvenes más fascinantes hoy en día. A lo largo del año que viene, su versatilidad y alcance se volverán evidentes en varios muy esperados proyectos en cine y televisión.
El pasado mayo, Sheehan participó al lado de David Tennant en el thriller Bad Samaritan, de Dean Devlin.
En 2016, Sheehan produjo y actuó en la película independiente de Charles Henri BellevilleJet Trash, interpretando a un mochilero hedonista al lado de Sofia Boutella, Osy Ikhile y Craig Parkinson. Entre la filmografía de Sheehan también se encuentran The Messenger, de David Blair, con Joely Richardson; Moonwalkers, con Rupert Grint y Ron Perlman; y The Road Within, de Gren Wells, en la que interpreta a un hombre con Síndrome de Tourette y actúa al lado de Dev Patel y Zoë Kravitz. Otros de sus créditos incluyen Mute, de Duncan Jones; Geostorm, de Devlin; el drama del holocausto italiano Anita B.; The Mortal Instruments: City of Bones; Killing Bono con Ben Barnes; Season of the Witch, con Nicolas Cage y Perlman; y Cherrybomb con Grint.
Recientemente participó en la segunda temporada de Genius: Picasso. Interpreta a Carles Casagemas, un estudiante de arte y poeta español que fuera uno de los amigos más cercanos de Picasso.
Actualmente se encuentra filmando The Umbrella Academy, una serie de acción en vivo para Netflix basada en la popular novela gráfica de Gerard Way e ilustrada por Gabriel Bá.
La historia presenta a los distantes miembros de una familia disfuncional de súper héroes conocida como la Umbrella Academy que trabajan juntos para resolver los misterios detrás de la muerte de su padre y se mantienen distanciados debido a sus incompatibles personalidades y habilidades. Ellen Page coprotagoniza esta serie. Sheehan, quien interpreta el personaje de Klaus, un adicto a las drogas y encantador complaciente que aparentemente es amigo de todos, que engañará a cualquiera sin pensarlo dos veces.
En 2017, Sheehan coprotagonizó junto a Dennis Quaid, Michelle Fairley, Parminder Nagra, Richard Dormer y Luke Treadaway, la segunda temporada del thriller aclamado por la crítica de Sky Atlantic Fortitude. Situada en la población ártica de Fortitude, la temporada dos explora inquietantes eventos que incuyen un nuevo asesinato que sacude a la comunidad y la trastorna.
Sheehan recibió una gran aclamación de la crítica y una nominación al BAFTA por su actuación en Misfits, el drama de E4 que presenta a cinco delincuentes juveniles que realizan servicio comunitario y desarrollan superpoderes después de exponerse a una tormenta eléctrica. En las primeras dos temporadas, Sheehan interpretó al sarcástico e ingenioso Nathan Young, un joven criminal que se vuelve inmortal después de la tormenta. Misfits recibió el Premio BAFTA a la Mejor Serie Dramática en su primera temporada.
Posteriormente actuó en las tres temporadas del aclamado drama de crimen de RTÉ Love/Hate, dirigido por David Caffrey; interpretó a Darren Tracey, un joven criminal que regresa a Dublín después de huir a España para evitar ser acusado por posesión de armas. A su regreso, Robbie, el hermano de Darren, sale de la prisión y es asesinado frente a un puesto de periódicos. Sucesos graves avivan la tensión entre la banda de narcotraficantes, la familia y los amigos, y la comunidad debe enfrentar las consecuencias. Sheehan fue nominado dos veces en la categoría de Mejor Actor en un Papel Principal para el Premio de la Academia Irlandesa de Cine y Televisión por su trabajo en dicha serie. Love/Hate se encuentra disponible en Netflix.
En 2008 obtuvo el rol de BJ, un esquivo prostituto en Red Riding, la adaptación de Channel 4 del set de novelas de culto noir de David Peace situadas en Yorkshire durante la década de los setenta y los ochenta. La trilogía ganadora del Premio BAFTA (dirigida por Julian Jerrold, el ganador del Premio de la Academia® James Marsh, y Anand Tucker), presenta a Sheehan junto a Andrew Garfield, Rebecca Hall, Michelle Dockery, Sean Bean, David Morrissey, Paddy Considine y Peter Mullan. IFC estrenó en cine Red Riding en los Estados Unidos.
Los créditos de Sheehan en televisión también includen Me and Mrs. Jones (BBC); el telefilme de la ABC The Borrowers, dirigido por Tom Harper y que coprotagonizaran Christopher Eccleston y Stephen Fry; la miniserie Young Blades, de ITV; Rock Rivals; y Foreign Exchange.
En teatro, Sheehan recientemente interpretó a Richard III enThe Wars of the Roses en el Rose Theatre Kingston, una fascinante puesta en escena de cuatro obras históricas de Shakespeare, dirigidas por Sir Trevor Nunn, uno de los grandes intérpretes de Shakespeare a nivel mundial. Un evento teatral espectacular que no se había visto desde que fue producido por primera vez en 1963 por la Royal Shakespeare Company por Peter Hall y John Barton, The Wars of the Roses presenta uno de los períodos más tormentosos e intrigantes de la historia británica-el conflicto entre las Casas de York y Lancaster en el siglo XV por el trono de Inglaterra. Un cuento de familias feudales, reyes asesinos y reinas adúlteras, intrigas y traición, rebeliones y batallas, The Wars of the Roses relata la lucha final por el poder en la Inglaterra medieval. En 2011, Sheehan actuó en el West End Theatre de Londres en la producción de John Crowley de la comedia de J.M. Synge, The Playboy of the Western World, en The Old Vic.
Nativo del Condado de Laois, Irlanda, Sheehan tuvo su primer trabajo a nivel profesional en la película Song for a Raggy Boy, de Aisling Walsh, cuando tenía 14 años.
HUGO WEAVING (Thaddeus Valentine) ha disfrutado de una prodigiosa, variada y exitosa carrera en cine, teatro y televisión.
Weaving ha ganado numerosos premios, incluyendo tres Premios del Instituto de Cine Australiano al Mejor Actor por su participación en Proof, de Jocelyn Moorhouse; enThe Interview, por la que también ganó el Premio al Mejor Actor en el Festival Mundial de Cine de Montreal; y en Little Fish. En 2011 ganó un Premio de la Academia Australiana de las Artes de Cine y Televisión (AACTA) por su actuación en Oranges and Sunshine. En 2015, recibió su segundo AACTA por The Dressmaker. En 2016, ganó otra vez ese premio por su trabajo en Hacksaw Ridge, seguido de otro en 2017 por su participación en Seven Types of Ambiguity.
Weaving es también reconocido por sus papeles en The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert; por el del Agente Smith en la trilogía de The Matrix; por el de Elrond en las trilogías de The Lord of The Rings y de The Hobbit; y como V enV for Vendetta. Otras de sus participaciones en cine incluyen Last Ride,Captain America, Cloud Atlas,Mystery Road,The Mule y Strangerland. Recientemente se le vio en la serie australiana Seven Types of Ambiguity y en Patrick Melrose.
Sus varias presentaciones en teatro incluyen las producciones de la Compañía de Teatro de Sidney de Hedda Gabler y Uncle Vanya (ambas realizaron giras por los Estados Unidos en 2006 y 2011 respectivamente, y la última lo hizo acreedor a un Premio Helen Hayes); Macbeth; Endgame; y Waiting for Godot, que tuvo una temporada en Londres en 2015.
También ha prestado su voz para varios personajes en exitosos filmes, entre los que se encuentran Babe, Happy Feet y Transformers.
En 2013 fue el presidente del jurado del Festival de Cine de Sidney.
JIHAE (Anna Fang) actualmente actúa como las hermanas gemelas Hana y Joon Seung en la serie de televisión Mars, cuya segunda temporada estrenó el 12 de noviembre por National Geographic.
En el mundo de la música, en el último álbum de Jihae, "Illusion of You" se presenta como coautora junto con los legendarios Leonard Cohen y Dave Stewart, de la canción "It Just Feels."
Durante su floreciente carrera artística, Jihae (que significa sabiduría en coreano), ha estrenado cuatro álbumes; ha escrito y producido una ópera rock multimedia basada en su tercer álbum "Fire Burning Rain" con el dramaturgo ganador del Premio de la Academia® John Patrick Shanley, que fue interpretada en los Juegos Olímpicos de Londres, el Festival de Cine de Cannes y en las Naciones Unidas. Se ha involucrado en varias causas sin fines de lucro, habiendo trabajado en 2012 en la iniciativa global de Hillary Clinton Hours Against Hate; en el Willie Mae Rock Camp; y en Let's Come Together, una plataforma creativa que fundó para unir a la gente en pro de los derechos humanos. Jihae es además dueña de un sello de producción de música, Septem.
A RONAN RAFTERY (Bevis Pod) recientemente lo vimos en The Terror, una nueva antología del programa de televisión de la AMC. En 2016 participó en Fantastic Beasts and Where to Find Them, de Warner Bros., que produjo el equipo detrás de la serie de películas de Harry Potter; y en la película de Netflix The Siege of Jadotville, a lado de Jamie Dornan. Al inicio de su carrera, Ronan actuó en la serie de televisión ganadora de un Premio Primetime Emmy Moone Boy, así como en los éxitos de culto Fresh Meat y Death of a Superhero.
En teatro, Raftery actuó en Juno and the Paycock y en The Silver Tassie en el National Theatre en Londres; y recientemente en la producción de Broadway deThe Real Thing, al lado de Ewan McGregor y Maggie Gyllenhaal.
LEILA GEORGE (Katherine Valentine) nació en Sidney, Australia, donde vivió gran parte de su infancia. Siendo la hija de Vincent D'Onofrio y Greta Scacchi, las artes corren por las venas de la familia y han jugado un papel importante en su vida.
Terminó sus estudios de preparatoria en Brighton, Inglaterra, antes de regresar a Sidney a las 18 años para asistir a la Escuela de Cine de Sidney. Después de graduarse en cine y medios, decidió dedicarse a la actuación y se mudó a Nueva York a los 20 años, donde estudió durante dos años y medio en The Lee Strasberg Theatre & Film Institute.
George se mudó a Los Ángeles en búsqueda de oportunidades de actuación y poco tiempo después consiguió la oportunidad de interpretar a Katherine Valentine en Máquinas Mortales.
PATRICK MALAHIDE(Magnus Crome) es un experimentado actor inglés con más de 100 créditos de actuación en cine en su haber.
Malahide hizo su debut en televisión en 1976 en un episodio de The Flight of the Heron, al que le siguieron un sinnúmero de papeles en la pantalla chica. Sin embargo, fue su rol del Detective Sargento Albert Chisholm en la comedia dramática Minder, que interpretó por cerca de una década -de 1979 a 1988-, el que volvió su nombre reconocido.
Después de Minder, Malahide interpretó una serie constante de papeles en televisión, casi siempre como villano. Sus créditos en televisión durante los ochenta y los noventa incluyen The Franchise Affair,The One Game, After the War,Inspector Morse, Middlemarch,Children of the North y The Singing Detective; por este último recibió una nominación al BAFTA en la categoría de Mejor Actor.
La colaboración de Malahide en cine inició a mediados de los ochenta en The Killing Fields, seguida por Comfort and Joy en 1984. Ha participado en una importante serie de películas a la fecha. Durante la década de 1990 actuó en 'Til There Was You,The Long Kiss Goodnight y en Heaven. En 1999 apareció en la película de James Bond The World Is Not Enough; y a partir del año 2000 actuó en cintas tales como Billy Elliot,Captain Corelli's Mandolin; y en 2008 interpretó a Mr. Ryder en Brideshead Revisited.
Recientemente capturó la atención del público a nivel internacional por su participación en la muy exitosa serie Game of Thrones, donde interpretó entre 2012 y 2016 el papel de Balon Greyjoy, el padre de Theon Greyjoy,.
STEPHEN LANG (Shrike) es un reconocido actor por sus participaciones en teatro, cine y televisión.
En cine, Lang es quizás mejor conocido por su papel del Coronel Miles Quaritch en la innovadora película de James Cameron, Avatar. Lang repite su papel en la secuela de dicha cinta, cuya filmación inició en 2017. En 2016, su interpretación de The Blind Man recibió aclamación de la crítica en el exitoso thriller del escritor-director Fede Alvarez, Don't Breathe.
Sus participaciones recientes incluyen Braven, al lado de Jason Momoa; y Hostiles, del director Scott Cooper, junto a Christian Bale. La larga lista de créditos de Lang en cine incluye Band of Robbers, Last Exit to Brooklyn, Tombstone, Gettysburg, Gods and Generals, Public Enemies, White Irish Drinkers, Christina, A Good Marriage, Manhunter, Band of the Hand y Conan the Barbarian.
Lang es además un dramaturgo ganador de premios. Recibió un Premio Especial del Jurado al Mejor Actor en el Festival de Cine de Phoenix de 2016 por su actuación en el documental Beyond Glory, que documenta la odisea de 10 años detrás de su aclamada pieza de actuación en solitario acerca de las personas que reciben la Medalla de Honor. El documental lo presentaron y lo produjeron ejecutivamente los directores de Lightstorm Entertainment James Cameron y Jon Landau, y fue adquirido para distribución por Gravitas Ventures. Beyond Glory recibió la condecoración que otorga la Presidencia de la NEA (National Endowment of the Arts), la Medal for Distinguished Service; y el Premio Bob Hope de la Congressional Medal of Honor Society, que honró la impecable interpretación que hizo Lang del soldado estadounidense.
En televisión, Lang interpretó a Waldo, un favorito de los seguidores en las primeras dos temporadas de la serie de artes marciales de AMC Into the Badlands. Entre otros de sus créditos en televisión se encuentran papeles regulares en Terra Nova de Steven Spielberg; y en el clásico de Michael Mann, Crime Story; así como la distinguida interpretación de Babe Ruth en el biopic de la NBC, Babe Ruth; y de Happy en Death of a Salesman, donde actuó con Dustin Hoffman.
Su amplio trabajo en los escenarios de Nueva York incluye A Few Good Men, The Speed of Darkness, Defiance, Death of a Salesman, The Guys, Hamlet y las 101 presentaciones en The Roundabout Theater de su monólogo Beyond Glory, que continúa de gira alrededor del país. Ha recibido nominaciones y ha ganado premios Tony, Drama Desk, Lucille Lortel, Joseph Jefferson, Helen Hayes y Premios del Círculo de Críticos de Teatro de Nueva York.
Lang es un miembro activo de una organización fundada por su padre en 1963, la Fundación Eugene M. Lang. La mayor parte de las donaciones de la fundación son orientadas a programas, proyectos y organizaciones que honran los valores del fundador. De acuerdo con ello, la fundación prioriza los programas y organizaciones que han probado ser creativas en concepto y excelencia en sustento y que elevan el espíritu de la gente, las metas y capacidades por encima del nivel de las necesidades básicas, esencialmente a través de generar oportunidades para la educación significativa, participación en las artes y actividades cívicas, y mejoras en servicios de salud, educativos y sociales; y que promuevan la inventiva y el emprendimiento. El área de la subvención también está informada de las necesidades y la condiciones de las comunidades locales y globales y la eficiencia de las organizaciones y programas que eligen apoyar. Su respaldo en la actualidad incluye fondear un número de community colleges para sus estudiantes DACA (Programa de Acción Diferida para Llegados en la Infancia) para que tengan acceso a representación legal y una vinculación con el Programa para brindar Justicia a los Inmigrantes (IJC por sus siglas en inglés). IJC ha desarrollado un impresionante modelo que está listo para ser replicado a nivel nacional, como una manera de proveer a los inmigrantes de una representación del más alto nivel, en la que la organización prepara a nuevos abogados para que provean asistencia legal especializada de alta calidad, y los enlaza con las organizaciones relacionadas con las comunidades en (hasta el momento) la ciudad de Nueva York, Long Island, el Bajo Valle del Hudson, Nueva Jersey, Connecticut y Texas. Desde 2015, la IJC ha estado enviando abogados a la frontera de Texas para brindar asistencia a las madres centroamericanas y a sus hijos que han sido detenidos, y trabajan para mantener a las familias unidas.
Ha sido por años miembro del Actors Studio, y cuenta con Doctorados Honorarios del Swarthmore College y de la Universidad Jacksonville.
ACERCA DE LOS REALIZADORES
CHRISTIAN RIVERS (Director) ganó el Premio de la Academia® en la categoría de Mejores Efectos Visuales por el remake que hizo Peter Jackson de King Kong en 2006. Rivers también se llevó un BAFTA y un Premio Saturn por la misma película ese mismo año. Otros reconocimientos que ha recibido Rivers incluyen cuatro premios VES en categorías relacionadas con Efectos Visuales por su trabajo en The Lord of the Rings, The Hobbit: The Desolation of Smaug, The Hobbit: An Unexpected Journey, y por King Kong.
En 1992, Rivers tuvo su primer crédito en el cine como artista de storyboard en Dead Alive, el violento clásico de culto de Peter Jackson. Para conseguirlo, le envió una carta a Jackson donde incluyó sus dibujos, expresando su interés en trabajar en la película. Jackson inmediatamente vio su potencial y le ofreció un trabajo como artista de storyboard. Rivers ha seguido colaborando como artista de storyboard con Jackson durante los últimos 25 años, en todas sus películas. Mientras el proceso ha evolucionado más allá del lápiz tradicional y del tablero de papel, Rivers se ha hecho cargo del proceso de previsualización, en su cargo como supervisor.
Cuando hablamos de cine, Rivers es un todo terreno, y durante su carrera ha trabajado en Weta Workshop y en Weta Digital. Es un artista multidisciplinario y ha prestado su mano para dibujar, esculpir, generar efectos físicos y especiales, y como asistente de dirección de arte. En el campo de los efectos visuales, ha pulido sus habilidades como diseñador de conceptos, director de animación y supervisor de efectos especiales. En las películas de The Hobbit, trabajó como director de la segunda unidad en Smaug y en Journey, y continuó realizando esa tarea un par de años después en la cinta Pete's Dragon.
Además de trabajar en las películas de Jackson, Rivers cuenta entre sus créditos películas como Contact,The Water Horse yThe Warrior's Way.
Rivers colaboró con el escritor Guy McDouall en su debut como director con el cortometraje Feeder. Feeder fue exhibido en festivales de cine alrededor del mundo y recibió un Premio a la Dirección de Fotografía en el Festival de Cine Show Me Shorts de 2016.
FRAN WALSH (Guionista/Productor) comparte los créditos de la creación del guión, la producción y la composición musical en la película de Peter Jackson The Lord of the Rings: The Return of the King,por la que ganó tres Premios de la Academia®, dos Premios BAFTA y dos Globos de Oro®, incluyendo el de Mejor Película. Recibió además un Premio Grammy por la canción "Into the West," y ganó un Premio del Sindicato de Productores. Ya había sido reconocida con una serie de nominaciones a varios premios, incluyendo a tres Óscar® por su colaboración como guionista y productora en las dos primeras películas de la trilogía: The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring y The Lord of the Rings: The Two Towers.
En 1995 Walsh recibió su primera nominación al Premio de la Academia® al Mejor Guión Original por su trabajo en Heavenly Creatures, película que coescribió con Jackson. Colaboró también con Jackson como productora, y con Jackson y Philippa Boyens como guionista, en el remake de 2005 King Kong y enThe Lovely Bones, basada en la novela best-seller.
El siguiente proyecto de Walsh fue como productora del documental aclamado por la crítica, West of Memphis. A continuación, Walsh coescribió los guiones de todas las películas de la trilogía de The Hobbit con Jackson y Boyens. Compartió créditos de productora en las tres cintas y recibió créditos por la banda sonora original de The Hobbit: An Unexpected Journey; y de The Hobbit: The Battle of the Five Armies. Sus primeros créditos de coescritora con Jackson incluyen The Frighteners, Dead Alive y Meet the Feebles.
Walsh inició su carrera en seguida después de que terminó sus estudios en la Universidad Victoria, donde se tituló en Literatura Inglesa. Cuenta además con experiencia en el mundo de la música.
PHILIPPA BOYENS (Guionista/Productora Ejecutiva) ganó un Premio de la Academia® y un BAFTA, que compartió con Peter Jackson y Fran Walsh al Mejor Guión Adaptado por The Lord of the Rings: Return of the King. Recibió también una nominación al Premio del Gremio de Escritores de los Estados Unidos (WGA por sus siglas en inglés). Ha sido acreedora a nominaciones al Oscar®, al BAFTA y al WGA por su trabajo en la primera película de la trilogía: The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring, que también marcó su debut como guionista. Asimismo, Boyens coescribió el guión de The Lord of the Rings: The Two Towers.
Posteriormente colaboró con Jackson y Walsh en los guiones para los remake que hizo el director de King Kong y de The Lovely Bones, basado en la novela best-seller, y fue coproductora de ambas películas. El mismo equipo de guionistas escribió la trilogía de The Hobbit, películas que Boyens también coprodujo.
Recientemente Boyens ha estado trabajando en la adaptación de los dos primeros libros de "The Merlin Saga," una serie de 12 novelas escritas por T. A. Barron, para Disney.
Antes de dedicarse a escribir guiones, Boyens trabajó en teatro como dramaturga, maestra, productora y editora. Empezó a dedicarse al cine después de colaborar como Directora del Gremio de Escritores de Nueva Zelanda. En el 2000 fue considerada por la revista Variety en la importante lista de las Ten Screenwriters to Watch.
El más grande logro cinematográfico de PETER JACKSON (Guionista/ Productor) son sus adaptaciones a la pantalla grande de la trilogía de The Lord of the Rings, de J.R.R. Tolkien. El proyecto arrancó en 1999, donde Jackson no solo dirigió las cintas, sino que también las coescribió y las produjo con sus colegas de siempre, Fran Walsh y Philippa Boyens.Las películas de The Lord of the Rings recibieron un total de 30 nominaciones al Premio de la Academia® y ganaron 17 de ellos, incluyendo el de Mejor Película que lo recibió la última cinta de la trilogía.
En 2010, Jackson se sumergió de nuevo en la Tierra Media y dirigió, coescribió y produjo una siguiente trilogía de películas basadas en la perpetua y popular novela, la obra maestra de The Hobbit,escrita por Tolkien. Cada película recaudó alrededor de mil millones de dólares en taquilla a nivel mundial y en total, la trilogía recibió siete nominaciones al Premio de la Academia.®
Entre ambas trilogías, Jackson cumplió un sueño de su infancia, al dirigir un remake de King Kong. La película ganó tres Premios de la Academia® y un BAFTA. Le siguió una adaptación del aclamado best-seller de Alice Sebold, "The Lovely Bones", que fue estrenada en 2010. Por su actuación en esta cinta, Stanley Tucci fue nominado en la categoría de Mejor Actor de Reparto al Premio de la Academia®, al Globo de Oro y al BAFTA.
Jackson produjo, junto con Steven Spielberg y Kathleen Kennedy The Adventures of Tintin, que también dirigió Spielberg. Entre las dos trilogías, Jackson produjo además el thriller de ciencia ficción District 9, y coprodujo el documental West of Memphis con Damien Echols, sobre uno de los adolescentes que fueron falsamente acusados del asesinato que se presenta en la película.
La pasión de Jackson por la realización de cine se presentó de manera temprana en su vida. Su primera película, Bad Taste, la hizo con sus amigos durante los fines de semana y le llevó casi cuatro años terminarla. Le siguió Meet the Feebles, que marcó el inicio de una larga colaboración con el gurú de efectos físicos, Richard Taylor.
Heavenly Creatures, que presentaba a una joven Kate Winslet, lanzó a Jackson al escenario internacional. Por esta película, Jackson y su socia de toda la vida Fran Walsh recibieron su primera nominación al Premio de la Academia® en la categoría de Mejor Guión Adaptado. Michael J. Fox protatonizó la siguiente cinta de Jackson: la comedia de fantasmas The Frighteners, cuyo productor ejecutivo fue Robert Zemeckis, el director de Forrest Gump.
En 2010, Jackson recibió el título de Caballero por sus servicios al cine.
PHILIP REEVE (Basada en un libro de su autoría) nació en Brighton en 1966. Estudió ilustración y trabajó durante muchos años suministrando dibujos animados e ilustraciones para los libros "Horrible Histories"y "Murderous Maths". Su primera novela, la épica "Mortal Engines," fue publicada en 2001, y ganó los Premios Smarties y Blue Peter.
A "Mortal Engines" le siguieron tres secuelas - "Predator's Gold," "Infernal Devices" y "A Darkling Plain" - y tres precuelas: "Fever Crumb," "A Web of Air" y "Scrivener's Moon." Una colección de historias cortas relacionadas, tituladas "Night Flights," con ilustraciones de Ian McQue acaban de ser publicadas junto con "The Illustrated World of Mortal Engines," coescrita por Jeremy Levett y que presenta piezas de una serie de ilustradores.
"Here Lies Arthur," el libro de Reeve sobre las leyendas Arturianas, ganó la Medalla Carnegie; es además el autor de "The Goblins Trilogy", historias cómicas de fantasía; y de la fantasía del espacio "Larklight" (ilustrada por David Wyatt).
En 2013 unió fuerzas con la ilustradora Sarah McIntyre para crear "Oliver and the Seawigs," la primera de una serie de divertidas y extraordinariamente ilustradas historias de aventuras seguidas por "Cakes in Space," "Pugs of the Frozen North," "Jinks," "O'Hare Funfair Repair" y el libro de actividades "Pug-A-Doodle-Do." Su último libro juntos lleva por título "Roly Poly Flying Pony: The Legend of Kevin."
Reeve regresó a la ficción antigua en 2015 con "Railhead," una aventura aclamada por la crítica situada en un futuro poblado por ladrones y androides, exiliados y emperadores, insectos y trenes inteligentes. La secuela, "Black Light Express," fue publicada en 2016, y la historia concluye con "Station Zero" (2018).
Philip vive en Dartmoor con su esposa y su hijo.
ZANE WEINER (Productor) colaboró con Peter Jackson por primera vez como gerente de la unidad de producción en la trilogía The Lord of the Rings. Las tres películas ganaron un total de 17 Premios de la Academia® y Weiner ganó un Premio DGA por la última entrega de la trilogía, The Return of the King.
Se reunió con Jackson para producir la trilogía de The Hobbit. La primera entrega se estrenó en 2012 y la última en 2014. El éxito de las cintas fue notorio, con una recaudación total de mil millones de dólares en taquilla a nivel mundial y siete nominaciones al Premio de la Academia®.
Después de fungir como el productor ejecutivo de The Big Bounce, Zane se convirtió en presidente de producción física de la compañía Shangri-La Entertainment (2003-2009). Produjo Shine a Light de Martin Scorsese y fue la compañía que realizó la producción ejecutiva de las películas dirigidas por Robert Zemeckis Beowulf y de The Polar Express; de For your Consideration, de Christopher Guest; y de Looking for Comedy in the Muslim World, de Albert Brooks.
Otros de sus créditos en cine incluyen la coproducción de American Pastoral; One for the Money; yThe Crew, que estelarizaron Richard Dreyfuss y Burt Reynolds; así como el gerente de la unidad de producción de Rapa Nui; de la aclamada cinta de Curtis Hanson 8 Mile; y de Wonder Boys, por nombrar solo algunas.
Antes de iniciar su carrera en la industria cinematográfica, Weiner trabajó como director de escena en más de 20 producciones y giras de teatro en Broadway, entre las que se encuentran A Chorus Line,Cats, Dreamgirls,Ballroom, The Pirates of Penzance, Chess y la producción de The Royal Shakespeare Company de Nicholas Nickleby.
Nativo de Massachusetts, Weiner vive ahora en el Oeste de Pensilvania con su esposa, la directora y coreógrafa Niki Harris.
AMANDA WALKER (Productora) fue productora asociada de la trilogía de acción y aventura The Hobbit. El proyecto, que fue filmado en Wellington, la ciudad natal de Walker, fue de larga duración ya que fue testigo del mismo desde su temprana preproducción, hasta su estreno en DVD. La trilogía fue clasificada como una de la serie de películas con mayores ingresos en taquilla de todos los tiempos y recibió una importante cantidad de reconocidos premios internacionales, incluyendo varios Premios de la Academia®.
Walker ha trabajado con Peter Jackson desde The Lovely Bones, que estrenó en 2009. La película la estelarizaron Susan Sarandon, Stanley Tucci y Saoirse Ronan. En su puesto de coordinadora de producción en Wingnut Films, Walker también colaboró en District 9 y en The Adventures of Tintin.
Antes de trabajar con Jackson, Walker colaboró en la televisión en el Reino Unido durante ocho años en proyectos para la BBC que incluyen Trauma y Geldof in Africa, una serie de televisión de la BBC1 filmada a lo largo de 10 países africanos.
Walker tiene una licenciatura y estudios de maestría en cine de la Universidad de Tecnología de Sidney y de la Universidad Victoria de Wellington.
DEBORAH FORTE (Productora) es una productora de películas familiares y de programas de televisión ganadora de premios, mejor conocida por Goosebumps, The Golden Compass, Clifford the Big Red Dog y por The Magic School Bus. Con su compañía Silvertongue Films, sus recientes producciones incluyen Goosebumps 2: Haunted Halloween, y la adaptación para televisión de His Dark Materials para HBO y la BBC. Se encuentra desarrollando Spirit Animals y Mrs. Claus para Universal Pictures; y Clifford the Big Red Dog para Paramount Pictures.
Entre los créditos de Forte en cine se encuentran Goosebumps, que protagoniza Jack Black; The Golden Compass, estelarizada por Daniel Craig y Nicole Kidman, que ganó un Oscar® a los Mejores Efectos Visuales; Tuck Everlasting; The Babysitter's Club; y The Indian in the Cupboard.
En televisión, Forte ha producido más de 400 horas de programación, entre las que se encuentran Goosebumps, The Magic School Bus, Clifford the Big Red Dog, I Spy, Dear America, Animorphs, Maya & Miguel y WordGirl. Sus producciones han ganado seis Premios Daytime Emmy, y han sido reconocidas por sus contribuciones a la sociedad y a la educación -recibiendo los más altos honores del Annenberg Public Policy Center, la Environmental Protection Agency, la National Hispanic Federation, la National Wildlife Federation, recibiendo además el Premio Humanitas.
KEN KAMINS (Productor Ejecutivo) nació en Brooklyn, Nueva York, y se graduó en la Escuela de Comunicación de la Universidad Northwestern.
Empezó a trabajar en la industria del cine inmediatamente después de salir de la universidad, y consiguió empleo en MGM/UA como representante de ventas de su división de 16 mm. Posteriormente ocupó una serie de puestos en RCA/Columbia Pictures Home Video, hasta que fue nombrado vicepresidente mundial de adquisiciones.
En 1992, Kamins trabajó en la Agencia InterTalent, de la que Peter Jackson y Fran Walsh eran clientes, y fue ahí donde iniciaron su colaboración de 26 años. Posteriormente, Kamins trabajó como videpresidente ejecutivo de la agencia ICM, donde consiguió el financiamento para la realización de la trilogía ganadora de Premios de la Academia® The Lord of the Rings, así como para otras películas incluyendo Gosford Park, de Robert Altman; Gangs of New York, de Martin Scorsese; y The General, de John Boorman.
En 2004 Kamins fundó Key Creatives, su propia firma de gestión literaria, entre cuyos clientes se encontraban artistas ganadores del Premio de la Academia® tales como Jackson, Walsh, Philippa Boyens y Christopher McQuarrie, así como el equipo de filmación de Paul W.S. Anderson y de Jeremy Bolt.
Sus créditos como productor ejecutivo incluyen District 9, The Lovely Bones, Valkyrie,Jack Reacher, The Adventures of Tintin, The Hobbit: An Unexpected Journey, The Hobbit: The Desolation of Smaug, The Hobbit: The Battle of the Five Armies, West of Memphis y They Shall Not Grow Old.
DAN HENNAH (Diseñador de Producción)ha trabajado en la industria del cine desde 1981. Ha colaborado en una variedad de roles antes de instalarse en el departamento de arte. Ha sido director de arte desde 1982, colaborando en cine y televisión.
Recientemente Hennah fue diseñador de producción de Thor: Ragnarok, con Taika Waititi; y de Alice Through the Looking Glass, con James Bobin.
Máquinas Mortales marca la continuación de su trabajo en colaboración con Peter Jackson. Mientras trabajaba como director de arte de The Frighteners en 1995, Hennah aceptó el puesto de director de supervisión de arte de la trilogía de The Lord of the Rings y de King Kong. Fue ascendido a diseñador de producción para la trilogía de The Hobbit.
Estas películas han hecho a Dan acreedor a múltiples reconocimentos y premios, incluyendo un Premio de la Academia® por The Lord of the Rings: The Return of the King, así como nominaciones por The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring,The Lord of the Rings: The Two Towers,King Kong y por The Hobbit: An Unexpected Journey.
También ganó un Premio del Gremio de Directores de Arte por su trabajo en The Lord of the Rings: The Two Towers y The Lord of the Rings: The Return of the King. Recibió nominaciones por The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring, King Kong, The Hobbit: An Unexpected Journey y porThe Hobbit: The Desolation of Smaug.
Entre otros de sus créditos en el diseño de producción se encuentran Underworld: The Rise of the Lycans, The Warrior's Way yThe Rescue. En televisión colaboró en Ice Fantasy; A Twist in the Tale, de William Shatner; Swiss Family Robinson; The Legend of William Tell; y enAdrift. Fue diseñador asociado en la serie de televisión británica 99-1. Hennah nació en Hastings, Nueva Zelanda. Estudió arquitectura en la Escuela de Arquitectura de Wellington.
La pasión por la realización de cine de SIMON RABY (Director de Fotografía)
inició cuando a los 12 años aprendió a usar la cámara de cine de 8mm de su padre. Esa afición lo llevó a realizar un largometraje mientras estudiaba los dos últimos años en la preparatoria.
Raby, hijo de un instructor de paracaidismo de la Fuerza Aérea Real (RAF por sus siglas en inglés), nació en Chipre y posteriormente vivió en la base de la RAF en Inglaterra y Singapur antes de mudarse de manera definitiva a Nueva Zelanda en 1969.
Después de una breve incursión en la grabación musical, Raby entró como aprendiz en la compañía de producción Vidcom, donde fue subiendo de puesto perfeccionando sus hablidades en todos los aspectos de la realización del cine-desde aprender a hacer té y café, hasta ser director. Posteriormente viajó a la Unión Soviética para hacer una serie de documentales, antes de regresar a Nueva Zelanda y trabajar por su cuenta como registrador de sonido y camarógrafo.
Raby colaboró con una serie de directores locales en cortometrajes y dramas de televisión, y en 1996 fue Director de Fotografía de The Ugly, para Scott Reynolds. A ese proyecto le siguieron Heaven,también dirigido por Reynolds, y Nightmare Man para Jimmy Kaufman, de Telescene Canada.
Además de sus colaboraciones como director de fotografía, Raby también ha dirigido proyectos en televisión, como la serie Young Hercules y director de la segunda unidad en las películas District 9 y Elysium. En el año 2000, fue director de fotografía para el director Geoff Murphy en la segunda unidad de The Lord of the Rings.
Raby continúa trabajando en documentales, películas y comedias de adultos que se comportan como niños, y ofrece su apoyo y servicios a aspirantes a cineastas que presentan una variada gama de cortometrajes en Nueva Zelanda.
JONNO WOODFORD-ROBINSON (Editor) ha editado películas desde 1999. Recientemente editó Pork Pie, el reboot de la icónica road movie neozelandesa Goodbye Pork Pie de los años ochenta. En 2015 editó el drama Chloe & Theo, que estelarizaron Dakota Johnson y Mira Sorvino.
Woodford-Robinson colaboró con el neozelandés Michael Horton para editar Mahana, de Lee Tamahori, basada en la novela de Witi Ihimaera "Bulibasha, King of the Gypsies." Ganaron un Moa (el Premio de Cine neozelandés) en 2017 a la Mejor Edición por su trabajo en esta cinta. Editó también la exitosa película de Taika Waititi y Jemaine Clement, What We Do in the Shadows,así como la anterior cinta de Waititi, Eagle vs Shark, que estelarizó Clement. En el medio del éxito de The Lord of the Rings, Woodford-Robinson editó el documental Frodo Is Great…Who Is That?!! Los seguidores de este documental lo consideran como de culto, y lo protagonizaron Bret McKenzie, Clement y Waititi.
Otros de sus créditos incluyenHope and Wire, la serie dramática de televisión de Gaylene Preston acerca del terremoto en Christchurch; 3-Mile Limit, la historia de la Radio pirata Hauraki; Predicament,la adaptación de Jason Stutter de la novela de Ronald Hugh Morrieson; la comedia de Stutter Tongan Ninja, coescrita y también protagonizada por Jemaine Clement; Romeo and Juliet: a Love Song, el musical situado en un parque de remolques; y The Warrior's Way, el Western de acción y fantasía del director y escritor coreano Sngmoo Lee, estelarizado por Kate Bosworth, Geoffrey Rush, Danny Huston y Tony Cox.
BOB BUCK (Diseñador de Vestuario)ha trabajado en la industria del cine y la televisión de Nueva Zelanda durante los últimos 25 años.
Buck ha colaborado en proyectos nacionales e internacionales de diferentes escalas y géneros, que van del drama posapocalíptico independiente de los Estados Unidos Z for Zachariah, a la trilogía de Peter Jackson The Hobbit, que fue nominada en la categoría de Mejor Vestuario de Fantasía en los Premios del Gremio de Diseñadores de Vestuario.
Ha recibido nominaciones al Mejor Diseño de Vestuario de los Premios de Cine y Televisión de Nueva Zelanda por la cinta local independiente Tracker, y por el docudrama Rain of the Children, por su trabajo como codiseñador.
Krampus fue la primera incursión de Buck en el género de comedia negra y de terror.
TOM HOLKENBORG (Música) ha sido nominado al Premio Grammy y es un productor, músico y compositor ganador de varios discos platino cuya versatilidad lo lo pone a la vanguardia de la música contemporánea, y de los atractivos y nuevos compositores de cine. Sus créditos como compositor de bandas sonoras incluyen Mad Max: Fury Road, Deadpool,Black Mass, Divergent, Brimstone,Dark Tower y Tomb Raider.
Holkenborg es capaz de componer en su amplio conocimiento de formas y estructuras clásicas, manteniéndose firmemente instalado en la vibración de la música popular. Cuando este historial ecléctico se combina con su capacidad para tocar instrumentos (toca los teclados, la guitarra, la batería, el violín y el bajo, y se describe a sí mismo como un "compositor de full contact") y su dominio de la tecnología, emerge el perfil de un artista para el que todo es posible.
Las bases para la carrera de Holkenborg provienen de su nativa Holanda, donde creó bandas sonoras para varias películas y recibió tutorías de los reconocidos compositores Harry Gregson-Williams (en Domino y Kingdom of Heaven) y con Klaus Badelt (Catwoman). Pero las cosas realmente empezaron a tomar su lugar cuando Holkenborg inició su colaboración con el compositor ganador del Oscar®, Hans Zimmer. Su sociedad duró varios años, y su más reciente trabajo en conjunto fue para el blockbuster de 2016 Batman vs Superman, que representó la séptima banda sonora que compusieron Holkenborg y Zimmer. Holkenborg trabajó con Zimmer en The Amazing Spider-Man 2,Man of Steel,Dark Knight Rises,Madagascar 3,Megamind y en Inception.
La carrera musical de Holkenborg inició en 1993, cuando fundó Nerv, una banda de rock industrial y al mismo tiempo producía a bandas hardcore y metaleras como Sepultura y Fear Factory. Atraído por los breakbeat electrónicos, formó Junkie XL en 1997, que debutó con el álbum Saturday Teenage Kick. Holkenborg produjo más de cinco álbumes con esa banda, mientras se presentaba como titular en shows por todo el mundo. En 2002, el productor y remixer se colocó en el primer lugar de la lista de éxitos en 24 países por su retrabajo del tema "A Little Less Conversation." Después de este éxito, Holkenborg colaboró con reconocidos artistas como Dave Gahan, Robert Smith, Chuck D, y artistas de remix tales como Coldplay, Depeche Mode, Britney Spears, Justin Timberlake y muchos más. Asimismo, Holkenborg creó la música para videojuegos como Need For Speed, The Sims y SSX, y para comerciales de campañas globales para las marcas Nike, Heineken, Adidas, Cadillac y VISA.
A lo largo de su carrera, la educación y la tutoría han sido temas clave. Creó un programa de licenciatura en el reconocido Conservatorio ArtEZ ubicado en Enschede, su ciudad natal, para la composición musical del que se han graduado más de 200 estudiantes y continúa con su compromiso de educar en las plataformas digitales, produciendo la serie de tutoriales online titulada Studio Time.
A lo largo de su carrera,KEN McGAUGH (Supervisor de Efectos Especiales) se ha visto involucrado en el desarrollo de tecnologías revolucionarias.
Ha recibido dos Premios a los Logros Técnicos®; el primero por su trabajo en el desarrollo de una nueva metodología para renderizar la piel translúcida; y el segundo por la creación de nuevas técnicas mediante el uso de la oclusión ambiental en la renderización. Ganó además un premio VES en 2003 por el trabajo que hizo para el personaje de Gollum en The Lord of the Rings: The Two Towers.
McGaugh llegó a Weta Digital en 2002 para colaborar enThe Lord of the Rings: The Two Towers y The Lord of the Rings: The Return of the King. Se fue a Double Negative, donde trabajó durante 10 años en proyectos tales como Batman Begins, Avengers: The Age of Ultron y Godzilla, y regresó a Weta Digital en 2015 como Supervisor de Efectos Especiales, colaborando enAlvin and the Chipmunks: The Road Chip y en The BFG.
La colaboración de DENNIS YOO (Supervisor de Animación) como Supervisor de Animación en War for the Planet of the Apes (Matt Reeves, 2017) lo hizo acreedor a un Premio de la Sociedad de Efectos Visuales (Mejor Personaje Animado en una Película Fotoreal-César). Ganó el mismo Premio VES por su trabajo como Supervisor de Animación en Jungle Book (Jon Favreau, 2016), recibiendo además una nominación para un Premio Annie. Fue Supervisor de Previsualización en The Adventures of Tintin (Steven Spielberg), incluyendo la memorable secuencia de los créditos iniciales.
Yoo nació en Toronto, Canadá. Estudió animación clásica en el Sheridan College, y empezó a trabajar en Weta Digital en 2003. Desde ese entonces ha animado muchos proyectos, entre los que se encuentran The Lord of the Rings: The Return of the King; King Kong; Avatar; la trilogía de Planet of the Apes; The Avengers y muchos más. Tiene dos hijas con su esposa (que también trabaja en Weta); disfruta del boxeo y de practicar Jujitsu en su tiempo libre.
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