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Situada en la actualidad, en la icónica costa del norte de California, Nosotros, de Monkeypaw Productions, es protagonizada por la actriz ganadora del Oscar® LUPITA NYONG'O, quien interpreta a Adelaide Wilson, una mujer que regresa a su casa de la infancia en la playa con su esposo Gabe (WINSTON DUKE de Black Panther), y sus dos hijos, Zora (SHAHADI WRIGHT JOSEPH) y Jason (EVAN ALEX), para pasar unas inolvidables vacaciones de verano.
Atormentada por un inexplicable trauma del pasado aún sin resolver y una serie de extrañas coincidencias, Adelaide siente que su nivel de paranoia se eleva a niveles de alerta máxima conforme crece la sensación de que algo terrible le sucederá a su familia.
Después de pasar un día tenso en la playa con sus amigos Kitty y Josh Tyler (la ganadora del Emmy ELISABETH MOSS y TIM HEIDECKER) y sus hijas, las gemelas Becca y Lindsey (CALI SHELDON, NOELLE SHELDON), Adelaide y su familia regresan a su hogar y descubren la silueta de cuatro humanos en la entrada de su casa. Nosotros retrata la historia de una familia estadounidense que se enfrenta al más extraño y terrible de sus oponentes: una réplica de ellos mismos.
Después de enviar ondas de choque de cultura contemporánea y de establecer un nuevo estándar para las películas de terror que son excitantes y que generan conciencia social con Get Out, la cinta que marcó su debut como director, JORDAN PEELE, el visionario guionista ganador del Premio de la Academia® está de vuelta con otra pesadilla original que nuevamente ha escrito, dirige y produce.
El director de fotografía de la cinta es MICHAEL GIOULAKIS (Glass); la diseñadora de producción, RUTH De JONG (Manchester By The Sea); y la diseñadora de vestuario es KYM BARRETT (The Matrix). La edición de Nosotros corrió a cargo de NICHOLAS MONSOUR (Keanu), y la música la compuso MICHAEL ABELS (Get Out).
La cinta es producida por PEELE, SEAN McKITTRICK (Get Out, BlacKkKlansman), JASON BLUM (Get Out, Halloween, la serie de The Purge) y por IAN COOPER, quien es el director creativo de Monkeypaw Productions, la compañía de la que Peele es propietario. Los productores ejecutivos son DANIEL LUPI (Lincoln, Ready Player One) y BEATRIZ SEQUEIRA (coproductora de Get Out y de Happy Death Day). Fue escrita y dirigida por Peele. Nosotros es la primera película que Monkeypaw Productions realiza en solitario.
Amenaza por partida doble Creando terror, multiplicado por dos
Antes de terminar la producción de Get Out, el blockbuster de 2017 que lo hizo acreedor al Premio Oscar® que ahondó profundamente en los temas de discriminación racial y privilegios en los Estados Unidos, el guionista, director y productor Jordan Peele ya se encontraba desarrollando la idea para una nueva película que prometía ser incluso más espeluznante, e igualmente incisiva a nivel cultural y psicológico como la que estaba realizando en ese momento. "La idea para esta nueva cinta provino de un miedo profundo a las réplicas de las personas," comenta Peele. "Me encantan las leyendas de las réplicas y las películas que tratan sobre ese tema, y quería hacer mi ofrenda en ese sepulcro de películas que tratan de dobles malvados. Me sentía atraído hacia la idea de que nosotros somos nuestros peores enemigos. Es algo que todos sabemos intrínsecamente, pero es una verdad que tendemos a ocultar. Culpamos a los extraños, 'al otro.' En esta película, el monstruo tiene nuestra misma cara."
Las réplicas, o los misteriosos dobles de la gente viva, son casi tan antiguos como las propias narraciones. Aparecen en casi todas las culturas, folclores y mitologías, y según los informes, se remontan al antiguo Egipto en la forma de "ka," una manifestación física de un doble espiritual que comparte las memorias, experiencias y sentimientos de su contraparte viva. Estos arquetipos de las primeras narrativas fueron los antecesores de los llamados "gemelos malvados" que han aparecido en la literatura a lo largo de la historia. Con algunas excepciones, cuando las réplicas aparecen en una historia, rara vez son una buena señal. "Las réplicas siempre han generado miedo," dice Peele. "Están conectados con nuestro sentido de mortalidad. No pueden coexistir, así que uno de ellos tiene que irse. A lo largo de la mitología, con frecuencia las réplicas representan malos augurios o son un presagio de nuestra muerte. Quería detallar, y después desarrollar la historia, a partir de ese miedo primitivo."
La búsqueda para identificar nuestros miedos más radicales, y lo que podrían representar, llevó a Peele a algunos lugares excitantes que no solo sondean en las profundidades de la psique humana, sino también en la identidad nacional de los Estados Unidos. "Tiendo a recibir inspiración de mis propios miedos," relata Peele. "En cierto punto me pregunté, 'A mí, ¿qué es lo que me da más miedo?' En este caso era la idea de verme a mí mismo; y entonces pensé de qué se trata eso en realidad: por qué vernos a nosotros mismos nos resulta tan aterrador. En realidad nadie quiere ver sus errores, sus culpas, sus demonios. Queremos mirar para otro lado." Esa propensión a proyectar nuestros propios miedos, ansiedades y peligro hacia afuera es también una constante en la cultura estadounidense. "Este país y cómo vemos al resto del mundo desde aquí; sentimos miedo de los que vienen de otro lado," reflexiona Peele. "Forma parte del miedo que le tenemos a todo, desde al terrorismo hasta la migración. Una de las grandes películas de terror que dejaron un poderoso mensaje social fue Night of the Living Dead, de George A. Romero. Esa cinta trata del racismo, aunque ni siquiera lo menciona. En esta película quería continuar con ese enfoque."
Al igual que Get Out, que confrontó verdades tácitas acerca del racismo en los Estados Unidos, Nosotros desafía a los Estados Unidos y al Sueño Americano en sí mismos. "Esta película opera en múltiples niveles," continúa el productor Ian Cooper, que conoce a Peele desde que eran adolescentes. "En la superficie es un thriller aterrador y puedes verlo así y disfrutarlo, pero debajo de eso, es acerca de cómo aquellas cosas que creemos que hemos dejado ir, regresan para perseguirnos. Y más allá de eso, se trata de cómo, en la cultura estadounidense, a menudo afirmamos que 'el otro,' o algún grupo al que no pertenecemos, son el problema. En este guión Jordan nos trae al 'otro', que es una fuerza aterradora que debemos tomar en consideración: nosotros mismos."
La trama de la película está centrada en los Wilson, una familia estadounidense que es atacada por sus propias réplicas, que en la película los llaman los Atados. Y si bien en Nosotros no se habla del racismo de manera abierta, invierte y subvierte las figuras históricas del género del terror y la típica descripción de la gente de piel negra. "La cinta trata de una familia estadounidense que está tratando de vivir el sueño americano perfecto y que se dan cuenta de que ese sueño es peligroso, inseguro e insostenible," dice el actor Winston Duke, quien interpreta a Gabe Wilson. "Yo observo al sueño americano como otro personaje de esta cinta, que sucumbe ante los peligros del género de thriller de terror y se convierte en una desafortunada víctima. Puesto que el público suele observar a los personajes de raza negra como las primeras víctimas de la trama, Jordan toma una posición revolucionaria al volver al Sueño Americano la víctima central de la película en lugar de a los protagonistas, cuya piel es negra."
Ese, comenta Cooper, es uno de los muchos elementos en la película que va a contravenir las expectativas de los espectadores. "Lo destacable es que el foco central de Nosotros es una familia afroamericana en pleno 2019, pero su raza no tiene nada que ver de manera explícita con la trama de la cinta," relata Cooper. "Obviamente, ese es un enorme cambio en comparación con Get Out; esta historia es en realidad acerca de la humanidad y sobre cómo es ser un estadounidense. La genialidad del guión de Jordan es que cuando el público vea en el tráiler de la película, a los Wilson, una familia negra: y a los Tyler, una familia blanca, su condicionamiento los hará imaginar lo que podría estar ocurriendo en esa historia, solo que eso no será lo que en realidad suceda. Los Wilson no son diferentes de la familia de Richard Dreyfuss en Close Encounters of the Third Kind. Son una familia estadounidense ordinaria con problemas y aspectos adorables en su dinámica, pero no están relegados a tener que ser portavoces debido al color de su piel."
Peele ancla la historia de Adelaide Wilson (Lupita Nyong'o) que en 1986, cuando era niña, se aleja de sus padres (YAHYA ABDUL-MATEEN II, ANNA DIOP) durante un paseo familiar en el muelle turístico de Santa Cruz y se encuentra en una especie de casa de la risa oscura y llena de espejos, conocida como Vision Quest. Mientras estaba sola ahí adentro, la pequeña Adelaide (MADISON CURRY) descubre, para su horror (y para el nuestro) que lo que al principio parecía ser su reflejo, en realidad es una hostil réplica de ella misma. Se escapa pero no encuentra las palabras para explicar lo que ha visto y nadie, evidentemente, podría entender o creerle de habérselo contado. Con el paso de los años, Adelaide trata de enterrar ese recuerdo, pero cuando regresa a Santa Cruz con su propia familia, se pone de manifiesto que su pasado no la dejará ir.
"Me encanta hacer películas que sean aterradoras y divertidas al mismo tiempo," explica Peele. "Adelaide es una mujer con un trauma de su pasado con el que ha tratado de lidiar a lo largo de su vida. Ahora que tiene hijos, un esposo y una especie de familia perfecta, ese trauma todavía persiste en su subconsciente. Cuando regresa con su familia a la casa donde creció, está volviendo al lugar donde se originó el trauma. Empieza a sentir que algo está mal. Esa pesadilla que tenía hace tantos años está de regreso, y también incluirá a su familia."
El guión de Peele inspiró e intrigó a su equipo de realizadores, y las ideas detrás de él probaron ser aún más expansivas que las de su primera película. "Escuché una versión temprana de esta historia de boca de Jordan mientras estábamos trabajando juntos en Get Out," relata el productor Sean McKittrick. "Para mi esta cinta es incluso más ambiciosa e intelectual de lo que fue Get Out. Es alucinante, estimulante y mucho más aterradora en el sentido tradicional del terror. Suelo describirla como una película de Amblin con clasificación restringida. Trata de una familia que enfrenta una versión oscura de ellos mismos y que tiene que luchar por su propia supervivencia. Los temas están más relacionados con aquello en lo que nos hemos convertido como país e involucra una especie de retribución kármica de cómo nos estamos tratando el uno con el otro. Es más esotérica, y es una inmersión más profunda a nivel intelectual que la obviedad del racismo que exploramos en Get Out."
Nosotros también le proporcionó a Peele y a su equipo un panel cinematográfico más amplio del que tuvieron para Get Out, cuyos sets estuvieron ubicados principalmente en una sola locación. "La idea era darle un giro a Get Out, elevando la escala y ampliando la cobertura de la narrativa," comenta Cooper. "Get Out fue una experiencia íntima para el público. Estaba enfocada en el personaje de Chris y en su experiencia en esa casa. Mientras que en Nosotros, Jordan tenía la idea de llevar la noción íntima de una duplicación del yo y extenderla a una familia. Trata de que reconozcamos cómo algo que para uno es problemático, podría irradiar hacia tu pareja, tus hijos, tus amigos, y posiblemente ir más allá."
Sin embargo, lo más notable es que la película se las arregla para ser vigorizante intelectualmente hablando, mientras sigue ofreciendo una experiencia cinematográfica emocionante y aterradora. "Es una especie de película de arte palomera," explica Cooper. "Es esotérica. Es complicada. Pero se siente tan urgente y experimental como cualquier otro gran thriller. La belleza de esta cinta es que Jordan le ofrece al público un potencial real de introspección sin que sienta que lo está haciendo. La magia de esta manera de realizar cine yace en que él básicamente hace una película de arte, que trae como resultado un blockbuster."
En muchos sentidos, Peele está creando un nuevo género por cuenta propia. "No hay razón por la que las películas que recaudan una cantidad de dinero aceptable en taquilla solo tengan que ser de súper héroes," indica Cooper. "Hay un potencial expansivo para el estilo de cine de Jordan que desenreda sutilmente lo fabuloso de nuestra cultura, mientras se deleita con ello. Él es capaz de hacer eso de una manera única y satisfactoria, en la que el público sienta que se subió a una montaña rusa. Mi esperanza con Nosotros es que cuando la gente salga del cine, al igual que sucedió con Get Out, tenga los ojos muy abiertos, se ría nerviosamente, se muestre incrédula, atemorizada y se quede pensando cuál es el significado de todo aquello - y muy importante, lo que podría significar para ellos mismos."
El productor Jason Blum, que ha construido un imperio de realización de cine sabiendo exactamente cómo asustar a la gente, relata que Nosotros confirma que Peele es una fuerza creativa que debe tomarse en cuenta. "Lo que me impactó del guión de Nosotros fue lo mismo que se destacó cuando leí Get Out: lo increíble, poderoso y original que era," señala Blum. "El guión era profunda, profundamente inquietante y diferente a cualquier otro que hubiera leído antes. No había película que se le comparara. Era extraordinariamente original. Primero que todo, Nosotros es una película de miedo increíblemente entretenida, pero también tiene una trama. Es provocativa e inquietante, y aborda la idea de que nuestro peor enemigo somos nosotros mismos. Es algo que no hemos visto antes. Es de mucho suspenso y te hace sentir sumamente incómodo."
Esto podría ser un eufemismo. "Esta no será la película más romántica del año," dice Tim Heidecker, quien interpreta a Josh Tyler. "Es una cinta que nos seguirá por un buen tiempo y probablemente nos haga pensar en quiénes somos como país y en qué tipo de personas somos."
Lo cierto es que el público no estará preparado para lo que va a presenciar. Nosotros es una película repleta de vueltas dramáticas y giros aterradores. Cualesquiera expectativas que tenga el público cuando lleguen al cine, habrán cambiado para cuando entren los créditos. "Esta es una cinta que se sigue revelando ante el público," comenta Cooper. "Seguimos pelando las capas, así que en realidad la audiencia nunca identificará qué es lo que viene, aunque piense que ya lo sabe."
Conseguir eso, comenta Peele, era exactamente su intención. "Siento curiosidad por saber lo que el público ve en la película," señala Peele. "Hay ideas específicas que estoy explorando y tratando de decir, todas relativas a nuestra dualidad como seres humanos, y de la culpa y los pecados que enterramos en lo profundo de nuestro ser. Estoy sumamente emocionado de ver la reacción que tendrá el público al final de esta película. Las cosas se vuelven muy locas al final."
Para decir lo menos posible: "El final de la cinta probablemente causará cierta...incomodidad," dice Cooper, riendo. "A Jordan le gusta hacer películas que te sientas obligado a verlas de nuevo de inmediato y creo que definitivamente este será el caso de Nosotros." Al menos un miembro del elenco tendrá que tomar su palabra. "No leí ni he leído el final todavía," comenta Heidecker. "Quiero verla en el cine como el resto del público. Todos queremos verla el día del estreno porque querremos comentarla al mismo tiempo que todos los demás. No quieres ser el tonto que se quede fuera de esa conversación."
El miedo y la comedia
Encontrando el humor en medio del terror
La mayoría de las películas de terror tienen mucha sangre y sacan pocas sonrisas, pero Peele, quien inició su carrera en la comedia, encuentra una conexión orgánica entre ambos géneros. "El terror y la comedia son grandes maneras de exponer cómo nos sentimos acerca de lo que nos sucede," indica Peele. "Para mi eso es hacer catarsis, cuando tienes una reacción emocional mientras estás mirando una película y entonces te preguntas, ¿De qué se trata? ¿Por qué reaccioné así? ¿Por qué me reí? ¿Por qué grité? ¿Por qué festejé? Una de las razones por las que me encantan las películas de género es porque fomentan estas reacciones viscerales e involuntarias que finalmente pueden enseñarte algo de ti mismo, si es que quieres mirarlo."
Entretejido en la aterradora estructura de Nosotros hay un humor orgánico que proviene de las dinámicas naturales de una familia, los amigos y de la insensatez de nuestras siempre enchufadas vidas modernas. Eso, comenta Peele, es un ingrediente esencial para que el público tenga una experiencia ideal. "La comedia que emerge de un momento de tensión o de una escena en una película de terror es necesaria para limpiar el paladar emocional, para liberar la tensión," relata Peele. "Le brinda a la audiencia una oportunidad para ponerse al día a nivel emocional y prepararse para la siguiente ronda de terror. Con el terror no necesitas ir mucho más allá de la verdad para reírte. No me gusta contar chistes o escribir algo con el propósito de ser gracioso. Me gusta escribir algo que se sienta fiel a un personaje y fiel a la realidad de la situación. De esa forma, la audiencia nunca se sale del momento, o se siente fuera del género."
Esa mezcla de humor y horror es una parte esencial de la magia que tiene Peele para la realización de cine. "Jordan ha creado esta manera única de hacer cine que nadie había conseguido desde The Twilight Zone," dice Elisabeth Moss, quien interpreta a Kitty Tyler. "Es increíblemente entretenido y brutalmente aterrador, pero tiene este pequeño twist de humor. Te hace ver las cosas como no las habías visto antes, o hace que las veas de una manera diferente."
Los géneros de terror y de la comedia tienen la habilidad de desafiar cómo pensamos y vemos al mundo de formas que el drama tradicional no consigue. Por esa razón, son formatos ideales para relatos socialmente concientes. "El verdadero terror a menudo se basa en la realidad, que es también la forma en que me encanta hacer comedia," agrega Peele. "Permite que ocurra algo loco, pero todo está en armonía, de la mejor manera posible, con la realidad. Por el momento no me veo separándome del terror."
Eso es música para los oídos del productor Jason Blum. "Para mi, una de las cosas más emocionantes fue que Jordan quisiera hacer otra película de género después de Get Out," dice Blum. "Muchos directores que han tenido éxito con una película de miedo y que además es su ópera prima, quieren hacer algo diferente en su segundo proyecto, así que me encantó que Jordan quisiera mantenerse en este género, pero con un panel mucho más amplio."
De hecho, el terror es un género con un potencial aparentemente interminable, y Peele ha incluido en Nosotros referencias escondidas de escenas de algunas de sus películas favoritas. "Cuando empezamos a trabajar le pregunté a Jordan qué películas habían influenciado esta historia o habían inspirado su imaginación," comenta Lupita Nyong'o, quien interpreta a Adelaide Wilson. "Me dio una lista de películas que iban desde Dead Again hasta A Tale of Two Sisters, The Shining, Alien y The Birds. Esa información me fue muy útil no solo para conocer cómo estaba enmarcando este mundo, sino también para ciertos momentos específicos que suceden en esas cintas a las que les rinde homenaje en Nosotros."
Peele también mencionó a Rosemary's Baby de Roman Polanski, A Nightmare on Elm Street y a la película japonesa The Suicide Club como algunas de sus favoritas, pero es Alien de Ridley Scott la que ocupa un lugar especial en su corazón. "Alien fue la película con el diseño más ingenioso que jamás haya visto," dice Peele. "No solo se mantiene vigente al día de hoy, sino que rompió barrerras con la creación de un monstruo singular y elegante, un nuevo entorno, fue sencillamente...es solo esa magia que puedes encontrar en las películas."
Ahora es él quien ha creado su propio monstruo elegante y singular. 
LOS PERSONAJES
Familia americana, pesadilla americana
Los Wilson y los Atados
Cuando conocemos a los Wilson - Adelaide (Lupita Nyong'o), Gabe (Winston Duke), Zora (Shahadi Wright Joseph) y Jason (Evan Alex) - son la típica familia estadounidense que van camino a unas vacaciones de verano en la casa de la infancia de Adelaide en Santa Cruz. Al igual que la mayoría de las familias son cercanos y cariñosos, pero tienen algunos problemas. "Lo que me gusta de los Wilson es que son funcionales y disfuncionales al mismo tiempo," explica Lupita Nyong'o. "Tanto Gabe como Adelaide son padres que han invertido tiempo en su familia y en hacer que funcione."
Desde las primeras escenas, Peele y sus actores rápidamente establecen la energía del grupo de los Wilson y las dinámicas intrafamiliares. "La primera vez que los vemos juntos es desayunando, hay bromas y se lanzan indirectas, todas esas cosas que hacen que una familia sea una familia," dice Nyong'o. "Los miembros de la familia toman bandos, y hacen grupos. Tienes la sensación de que Gabe y su hija Zora, están alineados; allí hay una afinidad, una unión especial. Lo mismo sucede con Adelaide y su hijo Jason. Cuando ves las dinámicas naturales de una familia, fue realmente reconfortante, como actriz, ser parte de ello: ver a Gabe y a Adelaide esforzándose para lograr la cohesión en todo momento."
La escena en la mesa del desayunador fue la primera que ensayaron los cuatro actores juntos y les ayudó a conformar la evolución de sus personajes y de la propia película. "Gran parte de cómo estos personajes se acoplaron sucedió cuando los escuchaba," relata Peele. "Cuando reunimos a los actores que interpretarían a la familia Wilson, fuimos a la casa donde íbamos a realizar el rodaje y les permitimos explorarla y sentirla; después nos sentamos y ensayamos la escena del desayuno. Esto sucedió momentos después de nuestra primera reunión de trabajo, aunque Winston y Lupita se conocían de años atrás. Pero cómo evolucionó su dinámica en ese par de horas fue muy revelador. De hecho, casi pude sacar más información de verlos interactuar fuera de personaje, cuando no estaban ensayando, que de cualquier otra cosa. Winston o Evan empezaron a contar chistes malos, y eso funcionó como un elemento de unión para la familia."
En efecto, los cuatro actores consideran esta escena una de sus favoritas, donde está presente toda la familia. "Realmente disfruté de las escenas que hacíamos en familia porque había una gran camaradería, un ritmo especial de la dinámica familiar," comenta Nyong'o. "Se sentía tan real. Jordan estaba creando este diálogo realista con la familia, así que a menudo teníamos la rienda suelta para improvisar y agregar elementos. Tenías que mantenerte alerta en esas escenas y era preciso escuchar con atención porque cualquiera de los actores podía decir algo y había que estar listo para reaccionar de manera apropiada. Me encantó la frescura y el peligro que había en ellas."
Esa primera escena fue particularmente importante para los actores que interpretan a los hijos de la familia Wilson: Wright Joseph y Alex. "Definitivamente fue mi favorita de todo el rodaje," indica Shahadi Wright Joseph. "Creemos que realmente establece el sello de la familia en ese momento. Adelaide y Gabe son algo así como los mejores padres del mundo. Jason y Adelaide se sienten un poco más conectados, y lo mismo pasa con Zora y Gabe. Siempre saben lo que la otra persona está pensando. Es por ello que Gabe invariablemente parece averiguar qué es lo que le está pasando a Zora. Es un gran papá."
La dinámica entre los jóvenes actores los ayudó a refnar no solo quienes eran sus personajes, sino además quienes eran en relación con los otros miembros de la familia. "Los Wilson son una familia común a la que le termina sucediendo algo realmente muy loco," dice Evan Alex. "Juegan diferentes roles -- Adelaide es la líder, Zora es la guerrera, Jason es el mago y Gabe es una especie de tonto adorable - y no se conectan entre sí. Pero cuando aparecen sus réplicas se ven forzados a convertirse en un verdadero súper equipo."
Los adultos que trabajaron con Wright Joseph y Alex estaban profundamente impresionados por sus jóvenes coestrellas. "Nuestra brillante directora de casting, TERRI TAYLOR, tiene un gran tino para seleccionar niños," relata el productor McKittrick. "Shahadi y Evan son increíbles jóvenes talentos. Entendían todo lo que estaban haciendo, de qué se trataba la historia y lo que sus personajes necesitaban hacer. Además, todos los días llegaban con un entusiasmo impresionante al set," añade Nyong'o sobre el poder de esa pasión que mostraban a diario. "Trabajar con niños puede ser estresante porque son extremadamente honestos e impredecibles," comenta Nyong'o. "Pero Shahadi y Evan fueron los chicos más cálidos y entregados al trabajo."
La vida de los Wilson cambiará irrevocablemente cuando, después de pasar el día en la playa, cuatro figuras sombrías que se parecen mucho a ellos aparecen en la puerta de su casa.
Estas réplicas, a los que los cineastas les pusieron el nombre de Los Atados, tienen la intención de matar a los Wilson. Esto requirió que los cuatro actores interpretaran dobles papeles: a los Wilson intentando salvar sus vidas, y a la gente que estaba tratando de exterminarlos. "Es bastante difícil que los actores interpreten a sus personajes de manera competitiva o confrontativa," señala el productor Cooper. "Jordan y sus actores discutieron a fondo el desarrollo de sus personajes primarios, y mientras lo hacían, empezaron a surgir pequeñas semillas de aspectos problemáticos de la naturaleza de esos personajes. Después usaron esas semillas para ayudar a desarrollar a las versiones réplicas de sus personajes."
Los Atados pueden anticipar los pensamientos, sentimientos y acciones de los Wilson, pero por razones que eventualmente se aclaran, no son réplicas exactas de los Wilson. Son personajes únicos, con sus propios pensamientos y emociones, y tienen una manera de comunicación particular. "Las réplicas no hablan," dice Cooper. "Pero los sonidos que emiten parece que están imitando los ritmos e inflexiones de sus 'otros.' Suenan como un ser que nunca ha usado las cuerdas vocales. Para los actores, todo eso fue realmente emocionante y liberador. Cada uno contribuyó para construir una especie de cultura colectiva de las réplicas."
Los Atados también se mueven diferente que los Wilson, de forma aterradora y casi inhumana. "Para las réplicas desarrollamos una lista de movimientos que flotaban en un espacio entre la criatura y el animal, el humano y la compasión, pero también eran absolutamente desconocidos, todo eso al mismo tiempo," señala la coreógrafa y asesora de movimientos MADELINE HOLLANDER. "Para cada uno de los personajes teníamos una especie de vocabulario que se alineaba conceptualmente con sus personajes. Hicimos una lista de referencias para las diferentes posiciones, movimientos y posturas, o de cómo saltarían de encima o sobre una mesa, o aterrizarían en pies y manos."
Desarrollar dos versiones de un solo personaje fue un enorme desafío artístico para el elenco. "Estos roles duales fueron muy atractivos para los actores, o eso creo," dice Peele. "Es decir, ¿cuándo consigues hacer esto?" Resultó ser un desafío logístico significativo para él y su equipo de realizadores.
"La parte más difícil del rodaje de esta película fue descifrar cómo hacer que el mismo actor interpretara a dos personajes en la misma escena," señala Peele. "Eso lleva muchísima planeación y programación. Tienes que pasar por un proceso completo de vestuario y maquillaje para que los personajes estén listos, lo que significa que generalmente tienes que hacer una parte de la escena un día, y al día siguiente la otra. Fue un enorme desafío, pero fue un rompecabezas divertido de descifrar."
Hay una escena que puede entreverse en el tráiler de la película, donde los ocho personajes están en la misma secuencia, en el mismo lugar - la sala de la casa donde brilla la chimenea - y al mismo tiempo. "La escena más desafiante fue 'la de la chimenea,' como la conocemos, donde se encuentran por primera vez las dos familias Wilson - los Atados y los Desatados," comenta Peele. "Su rodaje nos llevó varios días y con frecuencia, en cierto punto era una rara mezcla de cuál actor estaba interpretando qué papel." Sonríe. "Te podrás imaginar qué tan frustrado estaba mi asistente de dirección con mi proceso de programación."
En busca de organizar mejor las cosas y de formalizar las distintas personalidades de los Atados, Peele le dio a cada réplica un nombre propio -- Red (Nyong'o), Abraham (Duke), Umbrae (Wright Joseph) y Pluto (Alex) - aunque esos nombres jamás se mencionan enfrente de la cámara.
"Esta película representó un desafío enorme porque no conocía a mi compañera de escena," dice Nyong'o riendo. "Estaba realmente nerviosa y preocupada por cómo iba a funcionar, pero contar con un director como Jordan, que además es un gran actor, fue de gran ayuda."
El resultado final es absolutamente diferente de lo que se haya visto antes en una película. Es un examen profundo, hasta la médula, de la dualidad de las personas, y un testimonio del talento (y la resistencia) del elenco de Peele.
Adelaide Wilson y Red
Lupita Nyong'o
El personaje central de la película es Adelaide Wilson, una mujer que esconde un inexplicable trauma de la infancia, que descubre que sus intentos de borrar ese incidente ahora amenazan con destruirla no solo a ella, sino a su esposo y sus hijos. Red, su réplica, también es la líder de la familia de los Atados y es la fuerza motriz de ataque contra la familia de Adelaide, a la que Red se refiere como los Desatados. Para interpretar un rol dual tan complejo y expansivo, Peele y sus compañeros realizadores inmediatamente pensaron en Lupita Nyong'o.
"Hemos admirado a Lupita por mucho tiempo, y mientras pensábamos en el casting, nos quedamos impactados cuando nos dimos cuenta de que ella nunca ha sido la primera actriz de una película; en su lugar, ha interpretado maravillosos papeles de reparto," afirma el productor Cooper. "Así que estábamos emocionados ante la oportunidad de tenerla como ancla en el centro de la película. Lupita es una persona que la audiencia encuentra muy accesible, con quien se identifica; es alguien con quien quieres compartir tu tiempo, pero también es muy buena para desviar un poco la mirada y hacer que te sientas repentinamente alejada de ella. Esa dualidad en su interpretación era perfecta para este proyecto, en múltiples niveles."
Nyong'o tiene vívidos recuerdos de sus primeros encuentros con Peele para hablar de los roles. "Al principio, cada vez que hablaba con Jordan acerca de los roles sentía que necesitaba tomar cursos de filosofía, psicología o sociología en la universidad para poder interpretarlos," cuenta Nyong'o riendo. "Es tan detallista, y desde la primera vez que leí el guión, sabía que era más importante para él de lo que yo había considerado. No fue sino hasta que hablé con él que me di cuenta de lo mucho que estaba investigando y tratando de desempaquetar en esta historia del género de terror."
"Uno de los temas que Jordan mencionó que estaba interesado en explorar fue que una de las mayores debilidades de los estadounidenses es que somos incapaces de reconocer nuestros propios demonios," señala Nyong'o. "Conseguir eso es muy poderoso, porque implica una verdadera autoaceptación: la habilidad de reconocer tanto nuestro lado más noble como el más destructivo." La idea la intrigaba. "Juzgamos permanentemente a la gente," comenta Nyong'o. "Decidimos quién es bueno y quién es malo. Pero la verdad es que todos tenemos esa dualidad. Esta es una afirmación realmente poderosa que debemos hacer para que reconozcamos que el mal no es una fuerza externa, sino que es una parte muy importante de nuestra experiencia como seres humanos."
Peele también le hizo una advertencia antes de que ella estuviera de acuerdo en tomar estos dos roles. "Una de las primeras cosas que me dijo Jordan fue, 'Lupita, vas a sentirte muy cansada,'" nos cuenta riéndose. "¡Y vaya que cumplió la promesa! Sentí como si hubiera hecho cinco películas en lugar de una. Ser parte de este proyecto fue realmente intenso y me consumió por completo."
Mientras se puso trabajar en Adelaide, Nyong'o tuvo que crear de manera simultánea a su oponente Red. "Para crear a Adelaide y a Red, necesitaba honrar la especificidad con la que Jordan había escrito estos dos personajes," indica Nyong'o. "Nuestra historia comienza cuando Adelaide tiene nueve años, y es una niña bastante precoz. Su imperfección más profunda es que no puede enfrentar sus propios miedos. En su lugar, de manera obstinada, intenta ponerse por encima de ellos. Evidentemente, a los 9 años, su principal miedo es ver a Michael Jackson en Thriller, algo que ella no está dispuesta a admitir." Se ríe.
Red era otra historia. "Ella es una manifestación de los miedos de Adelaide," comenta Nyong'o. "Así que quería explorar estos dos personajes como entidades separadas, pero también como partes de un todo. En sus gestos, traté de asegurarme de que hubiera una línea de paso para las dos, pero con distinciones muy claras. Adelaide y Red en realidad son dos partes de una mismo, algo que esta película explora. Muchas veces sentimos que el monstruo está fuera de nosotros - afuera de nuestros límites, afuera de nuestros hogares. Pero en esta historia, el monstruo, aunque exteriorizado, está reamente dentro de nosotros. Se trata de acogerlo, o al menos de reconocerlo."
"Jordan fue muy específico acerca de quiénes pensaba que eran estas dos mujeres - Adelaide y Red - pero estaba muy abierto a una mayor exploración," continúa Nyong'o. "Vió en Adelaide a alguien muy cool. Realmente está buscando la normalidad, y con la máscara que usa, lo consigue. Esas fueron ideas realmente conmovedoras para mí."
Para desarrollar a Red, Nyong'o y Peele dedicaron mucho tiempo a discutir su psicología y cómo eso podía manifestarse en sus movimientos y comportamientos. "Jordan usaba con frecuencia la palabra 'reina' para describir a Red," dice Nyong'o. "Él dice que Red tiene una elegancia precisa, una suavidad y una paciencia infinitas. Esas palabras me guiaron en la forma en la que fui creando ese personaje. Para Adelaide, todo su ser, su conducta, todo su personaje está construido alrededor del realismo. Mientras que para su réplica, Red, usé una propuesta más estilizada para sus gestos y toda su ejecución física. Fue divertido tener esas motivaciones tan contrastantes, porque no es tarea fácil interpretar a dos personajes en la misma historia, especialmente dos personajes que están tan vinculados como estos dos."
"Una de las palabras que Jordan usaba para describir a Red y su movimiento era 'cucaracha'," continúa Nyong'o. "Eso me ayudó muchísimo para ubicar a Red en la energía que tiene una cucaracha. Las cucarachas se escabullen y es tan difícil atraparlas, y al mismo tiempo pueden quedarse tan quietas que pueden pasar inadvertidas. Además son muy resilientes."
Cambiar entre los dos roles en algunas de las escenas requirió de cierta planeación y de una sólida estrategia. "El desafío de las escenas entre Adelaide y Red era qué lado filmar primero," relata Nyong'o. "Al final descubrí que lo mejor era siempre rodar primero al personaje que era el dominante, porque entonces yo podía salir de él y reaccionar apropiadamente como el otro personaje." El propio Peele rodaría el rol que Nyong'o no estaba interpretando en ese momento, y luego jugaba fuera de cámara. A él realmente le gustó eso," comenta. "Y fue de gran ayuda porque hace un gran trabajo de imitación y yo no tenía que mirar el video. Solo tenía que enfocarme en el rol que estaba interpretando en ese momento."
"Fue un verdadero desafío," dice Nyong'o. "Pero también es extremadamente interesante preparar ambos lados de un conflicto en una escena, ser la heroína y la villana y perseguir los objetivos de las dos partes de la manera más veraz posible. Fue un regalo increíble poder experimentarlo. Como actriz, siempre estás respondiendo a estímulos externos, pero al interpretar a ambos personajes también tuve el beneficio de comprender la vida interna de cada uno y el desafío de descubrir qué se revela y qué no."
El contraste entre Adelaide y Red en las actuaciones finales que logró Nyong'o deslumbraron al director, los productores y a sus compañeros actores. "Adelaide es la protagonista y la matriarca de la película," anota Peele. "Ella centra a la audiencia y es nuestra conexión emocional a lo largo de la cinta. Pero cuando Lupita interpretaba a Red, sucedía algo completamente diferente. Ella entraba al cuarto y podías sentir que se congelaba. Lupita tiene esta sorprendente presencia anticipatoria con ese personaje. Momentos antes de entrar en el papel de Red, uno sabe que ella tiene todas las cartas en la mano." Tampoco hay duda de que Red es la mente maestra de lo que le está sucediendo a la familia Wilson. "El día de los Desatados es todo un evento," comenta Peele. "Se trata de cortar la conexión entre las dos entidades a través del asesinato. Es una idea que Red ha estado preparando por largo tiempo."
Cuando miras la película, las diferencias entre Adelaide y Red son tan precisas y detalladas que llegas a olvidar que es la misma actriz interpretando ambos roles. "Cuando es Red, su réplica, es una persona diferente de manera auténtica, incluso físicamente," señala el productor McKittrick. "A veces prácticamente no puedes distinguir si es la misma actriz porque la actuación de Lupita es tan poderosa. La película brinda a estos actores la asombrosa oportunidad de explorar el lado más oscuro de sus personajes, algo que la película también le presenta como desafío a los espectadores."
Para sus compañeros de reparto, trabajar con Nyong'o con frecuencia era como presenciar la mejor de las clases magistrales. "Adelaide y Red son pieles increíblemente incómodas de habitar, y Lupita las interpreta con mucha gracia, fortaleza y color," comenta Winston Duke, quien conoce a Nyong'o desde que estudiaron en la escuela de graduados de Yale. Además trabajaron juntos en Black Panther. "Ella toma decisiones arriesgadas. Siempre está muy preparada, y es una compañera de escena generosa. Nos divertimos mucho con solo saber que podíamos confiar el uno en el otro."
Los actores que interpretan a sus hijos aprendieron mucho con solo ver cómo Nyong'o trabajaba y colaboraba con el elenco y el equipo de producción, y la observaban mientras actuaba. "Lupita es tan profesional y tan amable con todos," dice Wright Joseph. "Trata a todos por igual, y me encanta eso de ella. Es como una mamá de verdad. Se dedica a lo que está haciendo y cuando es hora de trabajar, eso es lo que hace; y cuando estamos fuera del set, entonces podemos jugar." Se ríe. "Eso es realmente genial, y me gustó ver las dos caras de la moneda: la mamá que trabaja y la mamá divertida." Evan Alex agrega: "Estoy muy contento de que me haya tocado trabajar con Lupita," comenta. "Es tan amable y aprendí tanto de ella, que ha pasado por un riguroso y formal entrenamiento de actuación, que realmente me inspiró tanto que quiero ser un mejor actor, para ser como ella. Así que practiqué algunos ejercicios con ella, y fue sensacional. Realmente espero poder trabajar con ella de vuelta."
Para Peele, Nyong'o probó ser la compañera creativa ideal para traer a este nuevo mundo y a estos personajes a la pantalla. "Lupita logra una maravillosa dualidad con estos roles," comenta Peele. "Ella se arroja en la emoción de un personaje como ninguna otra persona con la que haya trabajado antes. Es tan comprometida y tan dedicada durante su preparación. Tiene lugares tan emocionales a los que tiene que ir con sus personajes, que tener que alternarlos de un día para otro era una tarea pesada. Se lo dije con anticipación, 'Mira, te voy a dar una paliza en esta película, tienes que estar preparada para ello.' Y ella fue una artista en todo el sentido de la palabra. Consiguió darlo todo."
Gabe Wilson y Abraham
Winston Duke
Gabe, el esposo de Adelaide, es el patriarca de la familia y al mismo tiempo es el padre 'divertido'. En cierto sentido, es lo opuesto a Adelaide. No es estricto en cuanto a la estructura y las reglas y con frecuencia es el antídoto de los miedos y ansiedades de Adelaide. "Gabe es un personaje simpático y carismático," comparte Peele. "Es una especie de padre bobo, pero tiene un entusiasmo y una espontaneidad que lo vuelve el espíritu de la familia. Generalmente no piensa antes de actuar, y eso genera un poco de tensión en su relación con Adelaide."
Para Winston, Duke era una gran oportunidad para interpretar a un hombre complejo y con muchas capas, incluso si, a primera vista, las esconde bajo su actitud relajada. "Me encanta el espectro en el que se mueve Gabe," comenta Winston Duke. "No es un héroe de acción; no es simplemente chistoso. Es un ser humano completo que tiene necesidades, deseos, flaquezas y fortalezas. Es un padre, un esposo, un hombre. Con este papel, sabía que tenía la oportunidad de sacar el drama, la comedia, la ansiedad. Todo ello lo volvió muy atractivo."
Cuando Duke fue seleccionado para el elenco, venía de actuar en el exitoso blockbuster Black Panther y su papel de M'Baku, se volvió un punto de referencia para una generación de cinéfilos. "Winston es tan divertido, un actor tan maravilloso," dice Cooper. "Jordan y yo conversamos mucho acerca de M'Baku en Black Panther y de cómo si bien su papel era de reparto y de bajo perfil, se volvió uno de los personajes favoritos del público. Cada vez que hablaba de esa película con mis amigos y colegas, salía el tema de lo mucho que nos había gustado, y de manera inevitable, alguien diría, 'Fíjate que mi personaje favorito es...' Y le decíamos, 'estás a punto de decir M'Baku.'" Sonríe. "Hay algo realmente divertido acerca de aprovechar el entusiasmo que todos sienten por este actor, y luego liberar por completo las expectativas que tiene el público de este papel." Duke no desilusionó a nadie. "La forma en que Winston llevó a la vida a Gabe fue tan divertida y por momentos vergonzosa, que se vuelve verdaderamente emocional y heroica," relata Cooper. "Gabe es inteligente, pero corto de vista. Ama a su familia, pero no entiende las señales inmediatas todo el tiempo. Con esta actuación, sin duda está inventando un nuevo arquetipo de personaje."
Para convertirse en Gabe, Duke trabajó con Peele para desarrollar una historia de fondo y el perfil del personaje. "Jordan y yo discutimos mucho acerca de qué tipo de hombre y qué clase de padre sería Gabe," señala Duke. "Yo quería un escenario montado que presentara al típico papá estadounidense donde, si ésta fuera una comedia de situaciones, la sintonizarías para verlo a él y a su familia todas las semanas. Y creo que lo logramos. Gabe me hace pensar en los padres que conozco. Solo tratan de hacer lo mejor que pueden. No saben qué es lo que está bien todo el tiempo, pero serán condenados si no intentan ponerse a la altura de todas las ocasiones que requieran de un gran padre, de un proveedor responsable, y de un interlocutor interesado. Sentí que el padre de Gabe no estaba presente en su vida y que había tenido que luchar con uñas y dientes para ser algo en la vida. Por eso cree en la narrativa del Sueño Americano, de que si trabajas lo suficientemente duro, puedes lograrlo. No proviene de una familia con dinero. Gabe ha trabajado para conseguir todo lo que tiene y por eso está tan interesado en compartir ese conocimiento con Zora: trabaja duro. No te rindas. No renuncies."
Cuando la familia llega a Santa Cruz al principio de la película, Adelaide no es el único personaje que se siente ansioso. Gabe no comparte su pasado, pero se siente genuinamente preocupado del suyo propio. "Gabe es el corazón y el alma de esta familia," agrega Duke. "Es alegre y espontáneo. Mantiene el buen estado de ánimo de la familia. Es un hombre que está intentando ser el padre que él nunca tuvo así que está demasiado presente, y este verano es muy importante." Como parte de ese esfuerzo, compra una lancha rápida que ha visto mejores días, con la esperanza de que salgan a dar paseos marítimos y mantener unida a la familia.
"Para Gabe, este verano significa tratar de volver a encaminar a la familia," continúa Duke. "Él no va a perderla aunque sus hijos estén creciendo y se estén acercando a la edad en la que ya no lo encuentren tan divertido. Están en la búsqueda de cubrir sus propias necesidades y deseos, y están distraídos por la vida misma. Él quiere salvar a esta familia. Para Gabe, comprar la lancha es un símbolo de ello. Eso demuestra que todavía es bueno, de que tiene todo bajo control, y que va a salvar la situación."
Gabe y Adelaide tienen un buen matrimonio, pero que no está libre de crisis y fricciones. "La relación que Gabe tiene con Adelaide es de pasión extrema," dice Duke. "Él ama a su esposa con pasión. Hay mucho amor entre ellos, pero por momentos parece que uno solo de ellos lo demostrara, y eso puede ser sofocante, y no está basado en escuchar al otro. No siempre consulta a Adelaide en la toma de ciertas decisiones. Si Gabe se hubiera dado el tiempo suficiente para escucharla, observar sus acciones, su lenguaje corporal y la forma en la que reacciona a los estímulos, conocería un poco más de su esposa."
Todo esto sale a la luz cuando Gabe y Adelaide con confrontados por los Atados. "La necesidad de Gabe de vivir en la fantasía de lo que significa un matrimonio estadounidense perfecto, y de tener una familia estadounidense es - su fuerza motivadora," relata Duke. "Y entonces todo cambia. Mi línea favorita en la película es, 'El mundo no se va a acabar. Solo va a ser diferente.' Es una metáfora de cómo será su estructura familiar a partir de ese momento, y de cómo se verá su familia a raíz de lo que está pasando."
Para Peele, Duke fue la elección perfecta para interpretar a Gabe. "Winston no lo sabe, pero él esencialmente es Gabe," comenta Peele. "Winston piensa que Gabe está basado en mí, pero cuando conocí a Winston, sentí que él era igualito. Es una divertida fusión de cómo originamente visualicé al personaje y todas las cualidades que él llevó al papel. No puedes separarlos."
Sin embargo, Abraham, la réplica de Gabe, es otra historia. "Abraham es una presencia aterradora," señala Peele. "Es grande, descomunal, resuelto y un psicópata; y es completamente leal a la causa de Red." La vista de Abraham es mala, y en su relación con Red destaca el contraste que hay entre la que tienen Gabe y Adelaide. "Abraham es realmente un compañero para Red," dice Duke. "Él está allí para asegurarse de que todo funcione, para garantizar que todo se logre. Y como no ve bien, tiene que escuchar. Tiene que estar presente, mucho más que Gabe. Fue muy divertido interrogar a los dos personajes y ver cómo se relacionan entre sí, y entonces explorar qué cosas hacían cada uno de ellos, 'de ellos.'"
La llegada de los Atados genera un cambio en Gabe y saca a la luz aspectos de su personalidad que no habían sido visibles hasta ahora. "Gabe es el papá divertido que está atrapado en un escenario violento en el que todo papá simpático, y me incluyo, nunca esperaría estar atrapado" dice McKittrick. "Es entonces cuando vemos al patriarca de esta familia darse cuenta de que es falible y que posiblemente no pueda proteger a su familia." Este cambio en Gabe es particularmente notorio para su hija Zora. "Cuando las réplicas invaden la casa, Zora ve un lado diferente de Gabe que la deja muy sorprendida," relata Wright Joseph. "Ella ve a su padre sentir miedo por primera vez, y no sabe qué hacer. Quiere que él vuelva a tomar el control para volver a sentirse segura."
Para sus coestrellas, Duke demostró ser un gran compañero de trabajo, encontraba el humor incluso en las situaciones más siniestras y manenía el ambiente del set relajado y animado. "Winston siempre estaba bromeando en el set," comenta Wright Joseph. "Excepto cuando estaba interpretando a Abraham...entonces permanecía en personaje y no hablaba en todo el día." Y Duke encontró a la audiencia ideal que festejaba su humor en el set, en Evan Alex. "Es tan divertido trabajar con Winston," dice Alex. "Nuestros personajes, Jason y Gabe, no vibran igual como padre e hijo, pero Winston y yo conversábamos mucho y nos hacíamos bromas. Él es realmente divertido." Sonríe. "Pero cuando eres un niño chico como yo, no debes bajar la guardia cuando estás con él o te levantará en el aire a más de 2 metros de altura."
También brindó alegría a sus coestrellas adultas. "Winston es genial," señala Elisabeth Moss, quien interpreta a Kitty Tyler. "Quieres pasar tiempo con él. No hicimos muchas escenas juntos, pero él, Lupita y los niños se ven tan bien juntos que parecen una familia de verdad: incluso cuando las cámaras no estaban rodando. Me encantó ver cómo interactuaban."
Para Nyong'o, la larga amistad que tiene con Duke se volvió un tema crítico para su matrimonio en la pantalla. "Winston y yo nos conocemos desde que estuvimos juntos en la escuela de graduados," señala. "Y además compartimos una corta temporada trabajando en la película Black Panther. Somos muy cercanos. Discutimos como hermanos; somos como una pareja de personas mayores. Así que me sentía cómoda de saber que él es alguien en quién puedo confiar, y a nivel artístico lo admiro y lo respeto."
"Winston es un personaje tan astuto," continúa. "Es tan cálido y no le tiene miedo al trabajo. Es un actor valiente y generoso, así que fue sensacional simplemente confiar en nuestra química y jugar con eso. Nuestro matrimonio en la pantalla se volvió profundo rápidamente."
Zora Wilson y Umbrae
Shahadi Wright Joseph
Para interpretar a Zora Wilson, la voluntariosa hija adolescente de Adelaide y Gabe, los realizadores necesitaban entontrar a una joven actriz con presencia, elegancia, inteligencia y con la habilidad de interpretar no solo a Zora, sino a Umbrae, su contraparte de los Atados. Finalmente la encontraron en Shahadi Wright Joseph, quien pasó por varias audiciones antes de conseguir el papel. "Para la audición me dieron algunas líneas que eran verdaderamente aterradoras," relata Shahadi Wright Joseph. "Zora es un personaje genial. Es fuerte e independiente. Nunca había actuado un personaje de terror y no estaba segura de poder hacerlo, pero mi padre me ayudó a darle forma a la escena y cuando llegó el día de la audición me sentía lista para interpretar a Zora."
Peele y sus productores sabían que tenían que seleccionar a Zora y a su hermano menor Jason (Evan Alex) en pareja para garantizar que la química entre los hermanos se sintiera orgánica. "La relación de Zora y Jason es igual a la que tenemos mi hermana y yo," comenta Wright Joseph. "Nos queremos mucho y discutimos, después nos amigamos, y nos volvemos a pelear." Se ríe. Los realizadores vieron esa conexión entre Wright Joseph y Alex desde el momento en que los pusieron juntos en el mismo espacio. "Nos sentimos encantados con Shahadi y Evan desde que audicionaron de manera individual," dice Cooper. "Pero en la tercera ronda los reunimos para una escena y en ese momento Jordan dijo: 'Esa es mi película.'"
Durante el curso de la producción, Wright Joseph y Alex crearon un vínculo único. "Shahadi y yo conectamos en la mayoría de las cosas porque trabajábamos juntos prácticamente en toda la película y compartíamos el tiempo durante los días de descanso," comenta Alex. "Era mi mejor amiga en el set, así que fue muy divertido cuando actuamos las escenas donde Jason y Zora se llevan mal."
Para la audiencia, especialmente para la que haya convivido con adolescentes, Zora les parecerá muy familiar. "Zora tiene 13 años y es muy fácil identificarse con ella," dice Peele. "Es un poquito sarcástica, inteligente y está llegando a un punto en su vida donde quiere ser tomada en serio, como una mujer joven, pero encuentra un poco de resistencia de parte de sus padres y trata de escaparse de esa caja."
Wright Joseph la entendió de inmediato. "Zora tiene trece años, así que igual que yo, siempre está en el teléfono," afirma sonriendo. "Cuando la conocemos es muy tranquila y relajada, pero se muestra un tanto aburrida y 'cansada' de sus padres; su actitud es como si dijera, 'ok, adiós, papá.'" Se ríe. "Entonces, la noche en que su familia es atacada por las réplicas ella quiere negar que todo eso está sucediendo. Los Wilson son una familia tan normal que ella no puede procesar la situación."
Sin embargo, cuando los Atados llegan a la casa de los Wilson, Zora se enfrenta a Umbrae, su réplica, que parece otra adolescente normal. "Para mi, Umbrae es, probablemente, la más aterradora del grupo," señala Peele. "Tiene esa sonrisa espeluznante, y está extrañamente obsesionada con Zora casi de manera respetuosa, aunque va a intentar matarla de todas maneras. Umbrae representa una amenaza mayor y podría convertirse en mi personaje favorito de toda la película."
Para llevar a Umbrae a la vida, Wright Joseph trabajó con Peele y la coreógrafa y asesora de movimientos Madeline Hollander para crear la personalidad y de Umbrae y sus movimientos físicos. "Jordan me dijo que quería que Umbrae se sintiera intrigada por Zora aunque, evidentemente, estuviera tratando de asesinarla," comenta riendo Wright Joseph. "El personaje de Umbrae es pulcro y poderoso, fuerte y espantoso, y hace cualquier cosa que le venga a la mente para cumplir con su tarea. Tengo algunos amigos que actúan así, entonces tomé algunos aspectos de sus personalidades y los agregué a mi actuación."
Para ayudar a distinguir a Zora de Umbrae, Wright Joseph modificó su postura y movimientos, dependiendo del rol que estuviera interpretando." "Jordan quería que Zora y Umbrae tuvieran una postura completamente diferente," dice Wright Joseph. "Así que hice que Zora se encorvara un poco cuando caminaba y que corriera un poco más lento que Umbrae. Hay muchas y pequeñas diferencias entre los dos personajes."
En una de las escenas más importantes, Umbrae persigue a Zora; Wright Joseph no solo tuvo que correr (muchísimo), sino que lo hizo de dos maneras diferentes. Wright Joseph estaba ansiosa por hacer ese trabajo por sí misma, y entrenó para lograrlo. "Como Zora es una corredora, la producción me pidió un video donde yo estuviera corriendo en caso de que necesitaran contratar a una doble para esas escenas, pero en realidad yo quería hacerlas," comenta Wright Joseph sonriendo. "Mi papá me ayudó a entrenar en una pista cerca de mi casa. Hacíamos estiramientos antes de correr y grabábamos cada sesión para darle seguimiento a los cambios de velocidad. Definitivamente generé mucha estamina, y durante la producción también corría en la banda de la caminadora, así que la preparación terminó siendo muy divertida."
Wright Joseph también trabajó en equipo con Hollander para modificar su zancada y otras diferencias físicas entre los dos personajes. "Trabajé con Shahadi en la escena donde ella está escapando de su réplica," relata Hollander. "Umbrae persigue a Zora; y Umbrae tiene un aspecto angulado, se ve larga y elegante. Es más rápida que Zora, entonces trabajamos en la manera en la que Umbrae hace sus estiramientos. Los hace de manera muy original y se toma el tiempo para hacerlos, porque está muy segura de que va a atrapar a Zora."
Las escenas donde corren tuvieron que ser rodadas a lo largo de varias noches, donde Wright Joseph actuaba en los dos lados de la persecusión. "En la primera noche interpreté a Zora, y tuve que canalizar toda la energía y el miedo de Zora pensando en que ella nunca más volverá a ver a sus padres y a su hermano," señala Wright Joseph. "Literalmente Zora está corriendo por su vida, y pensé mucho acerca de cómo me sentiría si estuviera en esa situación en la vida real - sin poder ver a mi familia de vuelta - y le puse toda esa emoción al personaje. En la segunda noche me tocó interpretar a Umbrae y para ella solo estaba pensando, 'Lo único que quiero es matar a Zora. Ese es mi objetivo.'" Sonríe. "Estoy corriendo alrededor del auto intentando atrapar a Zora, me río, trepo por encima del auto. Durante la escena, sale un vecino y Umbrae lo voltea a ver, y en el fondo escucho la risa de Jordan, y entonces pienso, 'Bueno. Si lo estoy haciendo bien."
Nyong'o, su madre en la pantalla, se sintió cautivada por ella. "Shahadi tiene cierta elegancia, y se mueve a paso firme," dice Nyong'o. "Verla transformarse de Zora en Umbrae fue simplemente genial. En su quietud, ella estaba aterrorizada."
En realidad, todos los que trabajaron con Wright Joseph se sintieron impresionados por su innegable talento y su ética en el trabajo. "Trabajar con Shahadi fue muy divertido porque, para ser una actriz tan joven, puede hacer todo lo que se le pida," comenta Peele. "Es una verdadera profesional, tiene un foco inquebrantable y pone toda su confianza en el director, algo que es un don." A Cooper le impactó su madurez y su adaptabilidad. "Shahadi es probablemente una de las actrices más profesionales de la película," relata Cooper sonriendo. "Es tan talentosa, consistente y conciente de sí misma. Observaba a Jordan trabajar con ella, cuando creó a Zora prácticamente en tiempo real. Soy conciente de su talento, especialmente considerando lo joven que es."
Jason Wilson y Pluto
Evan Alex
Jason, el miembro más joven de la familia Wilson, es también el más retraído y misterioso. Es tranquilo, inteligente y a menudo introvertido. No siempre está al tanto de lo que sucede a su alrededor. "Jason es un personaje único," dice Evan Alex. "Es un observador y tiende a distraerse y a alejarse. Está en su propio mundo. Le gustan mucho los trucos de magia, mientras que a los demás niños les gustan los deportes. Tiene un anillo mágico con el que juega todo el tiempo."
Mientras Zora es más cercana a su padre, Gabe, Jason conecta mejor con Adelaide, su madre. Y por razones que al principio no quedan claras, Adelaide está particularmente atenta y vigilante de Jason. "Jason y Adelaide tienen un vínculo especial, señala Nyong'o. "Evan y yo tuvimos la oportunidad de conocernos más a fondo y confiar el uno en el otro. Siempre es adorable cuando experimentas el proceso de cómo nace un niño que te acepta como su mamá en la pantalla." Alex añade: "Jason no se lleva muy bien con su hermana Zora," relata. "Con nadie más que no sea su mamá. Definitivamente es un niño de mamá."
Jason tiene ciertas conexiones misteriosas con Pluto, su réplica. A menudo Jason usa una máscara que se la pone sobre la cara cada vez que quiere retraerse, y Pluto cuando lo vemos por primera vez está usando una capucha completa que cubre su cara. De los personajes de los Atados, Pluto es el más inquietante porque parece ser el menos humano. "Pluto es un pirómano, un personaje muy aterrador," señala Peele. "Es alguien que se ve a sí mismo como una especie de pequeño animal astuto, por lo que se escabulle por los alrededores. La relación entre Jason y Pluto es…muy interesante." Sonríe. "Ya lo verán."
A Alex le encantó meterse debajo de la piel de Pluto. "Fue más divertido interpretar a Pluto," dice Alex. "Tiene muchas cosas en común con Jason. Ambos usan una máscara, y son muy diferentes del resto de sus familias. También son muy leales a sus madres, pero Pluto se comporta más como una mascota. Es como un animal salvaje. Es peligroso y cruel, y siempre está listo para atacar. A diferencia de Jason, Pluto en realidad no es muy brillante, y adora la belleza que hay en el fuego."
En el set, Alex era como una campanita llena de energía y risas, para el disfrute de su director y coestrellas. "Evan Alex es una bola de energía y trabajar con él es muy divertido," comenta Peele. "Es cómico, inteligente y extremadamente profesional. Era maravilloso verlo conectar las similitudes que él tenía con Jason. Es alguien que puede jugar de manera distraída, y que puede parecer despistado, pero cuando hablas con él te das cuenta de algo: 'Oh, este niño sabe escuchar. Él está prestando atención a todo y lo está aplicando para crear el personaje de una manera muy madura.'"
Nyong'o admiraba su habilidad para incorporar su propia personalidad dentro de un personaje de una manera que es extraña para la mayoría de los niños actores. "Evan es graciosísimo," señala Nyong'o. "Tiene tanta frescura. Verlo trabajar y transformarse en este niño un poco más distante y recluido y las formas en que inconcientemente haría cosas que fueron acertadas para su personaje fue inspirador."
Alex también demostró ser una interminable fuente de entretenimiento para su hermana en la pantalla. "Evan es muy cómico," dice Wright Joseph. "En el set, siempre era divertido, bobo y ¡tan adorable! ¡Ni siquiera se cómo lo conseguía!" Sonríe. "Cuando entra en el modo actuación, somos hermanos de verdad, y hay una enorme conexión entre nosotros. Incluso sentimos ese vínculo desde que hicimos nuestra primera lectura juntos. Cuando nos conocimos, yo pensé, 'Mmm, este chico es muy bueno.'"
Uno de los regalos sorpresa para Alex, comenta, fue poder trabajar de cerca con Peele, que se convirtió en su mentor. El trabajo que hicieron juntos en Nosotros ha inspirado a Alex para querer convertirse en director cuando crezca. "Conocer a Jordan es una de las mejores cosas que me han sucedido," relata Alex. "El consejo que me dio fue hacer que Jason se sintiera más como soy yo. Que si Jason estaba haciendo algo que a mí no me parecía adecuado para el personaje, podíamos cambiarlo. Siempre colaboró con nosotros y nos dejó hacer que nos sintiéramos bien en nuestros personajes. A veces, cuando no estaba en escena, Jordan me dejaba sentarme con el y sentía que estaba aprendiendo muchísimo. Verlo trabajar confirmó aún más mis ganas de querer convertirme en un cineasta."
La hora triste
Los Tyler: una familia desconectada
Aparentemente, los Tyler lo tienen todo. Son atractivos, sofisticados, citadinos, y tienen una buena posición económica. Kitty (Elisabeth Moss), Josh (Tim Heidecker), y sus hijas, las gemelas Becca (Cali Sheldon) y Lindsey (Noelle Sheldon), son lo que Gabe Wilson aspira en que su familia se convierta. "Gabe piensa que Josh es tan divertido," dice Duke. "Para él, Josh lo tiene todo: una lancha, por eso Gabe compra una. Un buen auto, así que Gabe buscará tener uno similar." Eso no encaja con Adelaide. "Los Tyler son amigos de Gabe, y el resto de la familia Wilson simplemente los tolera," añade Nyong'o. "Josh y Gabe son buenos amigos, y al mismo tiempo son una especie de rivales. Es una amistad funcional y disfuncional, porque Gabe siempre está tratando de impresionar y estar a la altura de Josh. Los Tyler están en mejores condiciones económicas que los Wilson, y eso enciende el espíritu competitivo que Gabe tiene con Josh, algo que irrita mucho a Adelaide."
Pero lo que muestran los Tyler hacia afuera no es la realidad, y su superficialidad y perfección oculta un hueco profundo lleno de rabia, desilusión y aislamiento. Y si bien Gabe es muy cercano con los Tyler, su esposa y los niños no comparten su afecto por ellos.
"Los Tyler son los mejores amigos de Gabe, pero no de su familia," comenta Duke sonriendo. "La amistad de Gabe con Josh Tyler es un reflejo de la profunda necesidad que tiene Gabe de generar un apego o estar próximo a aquello que él considera como una potencial perfección. Gabe piensa que la familia Tyler es perfecta. Son una familia de raza blanca, rica, de clase media alta, y Gabe quiere convivir con ellos porque encuentra que algo se les pegará a él y a su familia. Sin embargo, en esa relación los Tyler pueden ser un tanto condescendientes y eso podría no ser muy saludable para Gabe y su familia en el largo plazo."
De hecho, los Tyler están en el límite de volverse tóxicos en lo relativo a modelos a seguir. "Creo que los Tyler son alcohólicos, porque si bien se muestran como 'bebedores casuales,' siempre están buscando una excusa para tomar a lo largo del día," comenta Tim Heidecker, quien interpreta a Josh. "Ese no es un punto importante de la trama ni nada por el estilo, pero si establece cuál es la dinámica entre Josh y Kitty. Son dos personas que esconden un montón de cosas. Son parecidos a la pareja de Who's Afraid of Virginia Woolf? Mucha bebida, montones de diversión. Se comunican a través de insultos."
Kitty y Josh tampoco están en la contienda para recibir el galardón de los Padres del Año. "La relación entre Josh, Kitty y sus hijas no es buena," relata Heidecker. "Existe la sensación de que para Kitty son una carga, y las gemelas ya están en la preadolescencia. Los padres apenas se hacen cargo de ellas. La dinámica, si es que existe alguna, es que apenas se toleran entre ellos. Y la relación entre los niñas Tyler y los niños Wilson tampoco es muy buena. No tienen conexión alguna, no tienen las mismas edades; entonces la idea de pasar juntos las vacaciones simplemente es incómoda para todos. Para todos excepto para Josh, que está borracho todo el tiempo."
Cuando vemos a los Tyler por primera vez, Gabe Wilson ha engatusado a su familia para pasar el día con ellos en la playa. "Gabe aspira a tener la misma vida que los Tyler, con una casa y un bote más grandes, y todas esas cosas," señala Heidecker. "Addy parece tolerar a los Tyler pero probablemente no le encanta convivir con ellos."
Los Tyler no están exentos de matices y complejidades, y son extrañamente convincentes a pesar de sus cualidades menos atractivas. "Sería fácil convertir a los Tyler en una especie de broma sobre gente blanca harta y privilegiada," dice Cooper. "Pero Tim y Lizzie tienen esta conjugación inesperada que realmente fundamenta la dinámica entre los Tyler y los Wilson." Sus actuaciones elevan los roles de manera inesperada y fresca. "Elisabeth Moss le ofrece al papel de Kitty todo lo que nos encanta de ella," comenta McKittrick. "Es brillante, divertida, oscura, retorcida y cómica. Y Tim Heidecker le brinda un excelente sentido del humor al papel de Josh."
Por suerte, la dinámica entre los cuatro actores adultos fue por mucho más placentera que la que había entre sus personajes. "Tim y Elizabeth son maravillosos y generosos compañeros en escena," comenta Duke. "Siempre están dispuestos y confiados, y es genial poder trabajar en escenas como esas porque una vez que estás en ella, sabes que tienes que estar listo. Se los debes a ellos y a tí mismo."
Duke y Heidecker también son responsables de gran parte del humor en la película, tanto dentro como fuera de la pantalla. "Juntos, Tim y Winston estaban desenfrenados," nos cuenta Nyong'o. "Ambos tienen una gran facilidad para la comicidad. Jordan tiene esa forma de crear momentos terroríficos e infundirles este elemento cómico que hace que la experiencia sea más visceral. Los personajes de Gabe y Josh hacen eso en esta historia. Hacen que las circunstancias del otro mundo que encontramos en esta película sean mucho más fáciles de identificar debido a su contribución cómica."
Kitty Tyler
Elisabeth Moss
A nivel superficial, Kitty Tyler, el personaje que interpreta Elisabeth Moss, lo tiene todo - un marido exitoso, una casa elegante y dos hermosas hijas - pero ella está lidiando con profundas corrientes de inquietud y enojo. "Kitty es una mujer que todos conocemos o que hemos conocido en algún momento de nuestra existencia: alguien que tiene una vida realmente buena, pero que siente que nunca va a ser lo que aspiraba a ser," dice Elisabeth Moss. "Por sus hijos, o porque se casó, o por lo que sea a lo que ella le esté echando la culpa, nunca logró alcanzar sus metas personales, y se siente muy amargada por ello."
El sueño de Kitty era convertirse en actriz, pero la vida y la suerte se interpusieron y ahora, mientras sus hijas Becca y Lindsey están en la preadolescencia, ella se enfrenta a la fauces de la ambición frustrada, al arrepentimiento y a una letanía de cosas que hubieran pasado si todo fuera diferente. "Hay una escena en la película donde Kitty se está mirando al espejo, que Jordan la describe como una especie de 'entrando en trance con Marilyn Monroe'," comenta Moss. "Kitty se ve fatal, y está viendo la peor versión de sí misma en el reflejo. Es su peor pesadilla, pero también es una representación de quién es ella por dentro. Jordan y yo inventamos esta historia para esa escena, donde Kitty está imaginando que es la mejor y más famosa actriz del mundo. Está a punto de entrar al escenario, a una premier o a una presentación especial, y se siente la más glamorosa. Y mientras se mira en el espejo, lentamente se desmorona. Ese es el otro lado del papel que interpreta esta glamorosa estrella de cine."
La ira contenida de Kitty hacia su vida se refleja en su matrimonio y en la relación que tiene con sus hijas. "Kitty y Josh son una especie muestra de nuestra peor pesadilla," relata Moss. "Son una representación de lo que una relación/vida conyugal/matrimonio nunca debería ser. Hay química, pero no es buena. Se odian. Son infelices. Sin embargo, dependen y se alimentan el uno del otro. Se nutren de esta ira y del odio. A veces puedes verlo, que son (o fueron) una buena pareja. Kitty, por encima de todo, odia a sus hijas. Las culpa del hecho de no haber podido convertirse en una estrella de cine."
Su vanidad, su enojo y su abundante consumo de alcohol la vuelven una compañía desagradable, particularmente para Adelaide. "Kitty realmente quiere ser una buena amiga para Addy, pero este no es el caso," señala Moss. "Los Tyler y los Wilson son esa clase de amigos que haces porque quizás los hijos de ambos estuvieron juntos en algo, o fueron vecinos en algún momento de sus vidas, solo por eso se hicieron amigos. Pero es una amistad por conveniencia. En privado, podría decirse que Addy y Gabe prácticamente odian a Kitty y a Josh, pero a ellos si les caen bien los Wilson, de forma genuina. Addy y Gabe se sienten muy frustrados cuando están con ellos: ellos representan la otra cara de las cosas."
Encontrar una actriz que pudiera transmitir todo eso y lograr que Kitty fuera carismática inspiró a Peele, quien buscó a Moss en particular para el papel. "En una etapa temprana del proceso, mientras escribía el guión, cada vez que hablábamos de Josh y Kitty Tyler, pensábamos que ese era un buen momento para iniciar el casting de esos personajes," comenta Cooper. "Los Tyler juegan un pequeño pero realmente importante papel en esta película. Yo le había estado hablando a Jordan al oído acerca de la actuación de Elisabeth en Top of the Lake, que es una de mis series favoritas de todos los tiempos. Elisabeth creó ese personaje, Robin, tan complejo y tan real. En todos sus trabajos, desde Mad Men hasta The Handmaid's Tale, Elisabeth ofrece esta extraña mezcla de realismo absoluto pero con una especie de…discordancia. Aquello que esperábamos se hizo realidad con creces. Su actuación es impresionante, es una joya desconcertante situada en el centro de esta película."
Para Moss, el papel de Kitty fue una oportunidad excepcional de interpretar la clase de mujer que ella rara vez llega a explorar. "Generalmente soy la heroína, la más fuerte, o la persona amable," relata Moss. "No suelo hacer mucha comedia o interpretar momentos divertidos, así que poder interpretar a esta bruja absolutamente superficial fue realmente divertido." Se ríe. "Me gustaría volver a hacer algo así otra vez."
En realidad, dice que probablemente habría aceptado cualquier papel que Peele le hubiera ofrecido solo para tener la oportunidad de trabajar con él. De hecho, eso es lo que básicamente sucedió.
"Yo le dije que sí antes de leer nada," dice Moss. "Me reuní con él, y me dijo: 'Tengo este papel para ti y quiero que lo hagas.' Yo le contesté: 'No quiero sonar desesperada, pero acepto,'" Se ríe. "Él me respondió: 'Bueno, te enviaré el guión y me dices qué opinas.' Y le dije: 'Creo que no me estás entendiendo: lo digo en serio. Sea lo que sea, lo haré.'"
Ella no decepcionó, por decir lo menos. "Lizzie hace un trabajo increíble en esta película," dice Peele. "Lo más maravilloso de trabajar con ella es que puedes experimentar. Como actriz, tiene herramientas tan refinadas. Te ofrecerá una toma que es tan hermosa, matizada e intencionalmente fuera de balance; y cuando le pidas que intente hacerlo de otra manera, te dará una toma que es igual de maravillosa que la anterior, solo que será totalmente diferente. Ella le brindó una cuarta dimensión al personaje y cimentó quién era Kitty."
Para Nyong'o, actuar al lado de Moss fue todo lo que ella había esperado que fuera. "Elisabeth es una actriz a la que admiro mucho," comenta Nyong'o. "Es tan cautivadora y le brindó una gran profundidad a su interpretación. Kitty es un personaje que fácilmente podría parecer bidimiensional, y Elisabeth le entrega tanta bondad. Kitty cree que está más cerca de Adelaide de lo que Adelaide siente que está de Kitty, y eso puedes sentirlo en la actuación de Elisabeth. Elisabeth siempre está dispuesta, y en esta película fui muy afortunada de estar rodeada por actores que trabajaban en equipo y que se dedicaban a preparar sus papeles."
Esa complejidad en las capas de Kitty, comenta Moss, también representa algunos de los temas centrales de la película. "En un nivel más profundo, esta cinta nos hace reflexionar sobre cómo tendemos a juzgar a un grupo de personas con base en de dónde provienen o en lo que creen, o por quién votaron," añade Moss. "Ponemos a un grupo de personas dentro de una caja en nuestras mentes y decimos, 'son buenos', y ponemos a otro grupo en otra caja y decimos, 'son malos.' La verdad, evidentemente, no es tan simple."
Josh Tyler
Tim Heidecker
A Josh Tyler lo interpreta el actor Tim Heidecker, que es compañero de trabajo de Gabe Wilson y, al menos en términos de su imagen, para Gabe él es un modelo a seguir: él cree que quiere ser como Josh. "Josh es un tipo que piensa que es lo máximo, y sus tatuajes y su guardarropa reflejan todo eso; pero en realidad solo es un hombre que gana mucho dinero trabajando en publicidad," dice Tim Heidecker. "Es un pesado, una persona que ama el dinero y los objetos, pero que piensa que es un vanguardista. Está en todo, siempre bromeando y siendo sarcástico, generalmente en detrimento de los que están a su alrededor, y para disgusto de su esposa."
Y aunque Josh y Gabe son amigos, su relación está marcada por una cierta tensión, principalmente debido a la serie de derechos y privilegios que tiene Josh. "Gabe y Josh son compañeros de trabajo, pero no son iguales porque Josh tiene una posición superior a la de Gabe en la oficina," comenta Heidecker. "Josh va por la vida sin muchos obstáculos por delante y proviene de una familia con cierta posición económica, así que ve a Gabe por debajo de él. Siente que puede descargar toda su rabia en él sin consecuencia alguna."
Si bien Gabe admira a Josh, también puede ver que la relación que él tiene con su familia es mucho mejor que la de Josh. "El matrimonio de Josh Kitty es disfuncional, así que cuando Gabe los mira, piensa: 'Adelaide y yo estamos muy bien. Lo estamos haciendo muy bien,'" dice Duke.
Para Peele, Heidecker era el actor ideal para encarnar a Josh Tyler. "Tim es un cómico brillante y un actor excelente," señala Peele. "Tiene esa habilidad perfecta para ser al mismo tiempo amable y pesado - algo que muy pocas personas pueden lograr." Sonríe. "Y puede actuar de cualquier manera, más amable o más pesado, según como lo necesites en la escena. También fue divertido trabajar con alguien que tiene una sincronización cómica tan intrínseca, de tal forma que puede improvisar y enriquecer una escena."
Peele y sus productores ya habían pensado en Heidecker para el papel de Josh desde el principio del proceso. "Durante años me ha gustado la actuación de Tim, en su faceta de comediante y de actor serio," relata Cooper. "Al principio, Jordan comentó sobre elegir a alguien para el papel de Josh que fuera original y que llevara al personaje más allá de una caricatura. En 2012 Tim protagonizó la película The Comedy, donde hizo una de las interpretaciones más oscuras creadas con contenido que no es abiertamente oscuro. Es un personaje verdaderamente grotesco, pero Tim lo transforma en algo tan multidimensional que no puedes simplemente vilipendiarlo." Se ríe. "Jordan bromeaba diciendo que The Comedy fue en esencia la audición de Tim para el papel de Josh."
Al principio, Heidecker no podía decidir si tenía que sentirse contento de que Peele lo hubiera considerado para ser Josh. "Jordan me dijo que había pensado en mí para ese personaje mientras lo estaba escribiendo," relata Tim Heidecker. "Sin embargo, Josh puede ser un estúpido, así que no se cómo es que me veía Jordan." Se ríe. "Es algo que puedo activar con bastante facilidad, y Jordan me dijo que me daría espacio para que el personaje fuera un poco mío, así que no fue una decisión difícil en absoluto."
"Cuando recibo un guión, leo mis líneas y veo si hay algunas malas palabras con las que pueda tener problemas," bromea Heidecker. "También me fijo en si hay parráfos largos. Tiendo a evitarlos porque son difíciles de memorizar. Jordan me pidió que me reuniera con él al siguiente día de que recibí el guión, lo que significó tener que leer mucho material en un solo día. Recuerdo que pensé que era muy violenta y gráfica y que había muchas puñaladas." Se ríe. "Eso me dejó preocupado, tomando en cuenta que yo he sido apuñalado. Sabía que iba a ser una de esas películas que mi madre no podría ver. Pero tiene estas grandes reminiscencias de los thrillers clásicos. Se trata de una familia a la que la persiguen monstruos."
Heidecker también agradeció la oportunidad de trabajar con Winston, Moss, y Nyong'o. "Lupita y Winston son estos increíbles actores que estudiaron en Yale, Actores con A mayúscula," comenta Heidecker. "Y Lizzy, Elisabeth Moss, es maravillosa. Ha trabajado en famosos programas de televisión y en películas por años. Todos están por encima de mis habilidades. Pero todos son muy agradables y es muy fácil trabajar con ellos; todos tenemos fortalezas diferentes. Todo el mundo ha sido muy amable, incluyendo a Jordan, que está al mando de todo."
Es una pena que Moss no pueda devolverle el cumplido. "Tim no es una buena persona," bromea Moss. "Es sorprendente porque piensas que si es tan divertido y tan genial, debería ser un tipo realmente agradable. Pero no lo es. En realidad es algo detestable y egoísta." Se ríe. "No trabajes con él si puedes evitarlo. Es de lo peor." Dejando las bromas a un lado, le encantó trabajar con él. "Honestamente, Tim es encantador," afirma. "Este es un papel diferente para él y fue realmente emocionante verlo y ser parte de él. Una de las cosas más geniales de estar en el set fue ser testigo de cómo Jordan y Tim conversaban, hacían trucos, y se divertían juntos. Es como estar viendo a dos genios jugando tenis: estos dos grandes comediantes van y vienen, intentando hacerse reír. Eso bien vale el precio que pagaste por la entrada. Es increíble presenciar algo así."
Las niñas que interpretan a las hijas de Josh y Kitty tenían un asiento en la primera fila y disfrutaron de cada minuto. "Es genial que Elizabeth y Tim sean nuestros padres," dice Cali Sheldon, quien interpreta a Becca Tyler. "Los dos actores son realmente talentosos y muy divertidos. Estábamos haciendo una escena y Tim estaba improvisando, fue muy cómico. Es realmente genial poder verlos como personas reales, como ellos mismos, y luego haciendo sus personajes. Es un contraste maravilloso."
Becca y Lindsey Tyler
Cali y Noelle Sheldon
Para interpretar el papel de Becca y Lindsey, las hijas gemelas de los Tyler, Peele seleccionó a Cali y Noelle Sheldon, unas hermanas gemelas en la vida real, quienes iniciaron sus carreras en la actuación cuando eran pequeñas, compartiendo el rol de la bebé Emma en la serie de la NBC Friends. Las niñas Tyler no son precisamente amigables. Es evidente que provienen de un ambiente privilegiado y que su estatus es alto, y si bien no son 'malas', no les falta mucho para entrar en esa clasificación. "Los Tyler se sienten superiores a los Wilson, pero tratan de no demostrarlo," señala Cali Sheldon. "A Lindsey y a Becca no les caen bien Zora y Jason Wilson, así que les hacen bromas y se portan mal con Zora y Jason de manera sutil. Ellos tampoco nos quieren a nosotras."
Aunque Cali y Noelle son hermanas gemelas y eso es lo que interpretan en la película, Peele quiso asegurarse de que cada niña tuviera su propia personalidad. "Aunque somos gemelas, Jordan no quería encasillarnos," comenta Cali Sheldon. "Quería explorar nuestros personajes con personalidades individuales, y además sacar ventaja de esa relación única que tienen las gemelas. Entonces Becca, mi personaje, tiene la clásica actitud de una joven de las playas californianas y la actitud y personalidad de Noelle, es más de emo."
Los roles requerían que Cali y Noelle alcanzaran lugares extremos a nivel emocional, y lo lograron con creces. "Noelle y Cali Sheldon tienen una sorprendente dualidad como actrices," relata Peele. "Te sorprenden porque son tan dulces, pacientes y algo tímidas, pero cuando les pides que hagan algo alocado se dedicarán de lleno hasta cumplirlo. Hay un par de escenas donde realmente se roban el show."
Como Becca y Lindsey han crecido en un hogar disfuncional, han desarrollado un vínculo separado de sus padres. "La dinámica de la familia Tyler no es muy buena," dice Noelle Sheldon. "Kitty se arrepiente de haber sido madre, porque sus hijas arruinaron su carrera. Ella podría haber sido una gran actriz, pero en su lugar, solo es la mamá de dos adolescentes malcriadas. Y Josh se muestra indiferente hacia Becca y Lindsey. Pero ahí estamos, entonces tiene que lidiar con nosotras. En realidad, Becca y Lindsey solo se tienen la una a la otra."
Afortunadamente las personalidades de Cali y Noelle no se parecen en nada a la de sus personajes.
"Noelle y Cali son muy agradables y tan dulces," comenta Wright Joseph. "No se por qué, pero estoy fascinada con las gemelas." Se ríe. "Me gusta verlas interactuar. Siempre hacían bromas en torno a que una de ellas es dos minutos mayor que la otra, así que cuando había una discusión una de ellas decía: 'Bueno, como yo soy dos minutos mayor que tú, entonces...' Son muy tranquilas y relajadas. ¡Las mejores gemelas que he conocido!" Ellas disfrutaron mucho trabajando con Wright Joseph y con Alex. "Shahadi y Evan son muy agradables y tan talentosos," dice Noelle Sheldon. "Es asombroso, porque son tan jóvenes." Se ríe. "Quiero decir, nosotras también lo somos, obviamente, pero Evan y Shahadi ya tienen muchos logros y hacen un gran trabajo en la película."
El padre de Cali y Noelle en la pantalla grande también estaba impresionado con ellas. "Bueno, como tengo prohibido hablar con menores de edad enfrente de la cámara en el estado de California, solo trabajé con sus dobles de acción en todas nuestras escenas juntos," bromea Heidecker. Hablando en serio… "me encantó trabajar con Cali y Noelle," relata. "Nunca había actuado con gemelas, y ellas son muy agradables."
En una película cuya trama principal son las réplicas, no es coincidencia que las hijas de los Tyler fueran gemelas, algo que las hermanas Sheldon entendieron de manera intuitiva. "Fue muy divertido trabajar con Cali y Noelle Sheldon porque comprendieron con rapidez el concepto de cómo se suponía que serían sus roles, así como los temas relacionados con las réplicas en la película," comenta Cooper. "Un descubrimiento en la película es que Josh Tyler tiene los brazos tatuados, algo que salta a la vista cuando está en la playa con los Wilson," relata Cooper. "Decidimos que Josh era la clase de persona que se haría tatuajes de sus hijas gemelas en sus antebrazos, así que usamos una imagen de Cali y Noelle cuando eran bebés, de cuando compartían el papel de Emma en Friends como plantilla para ese tatuaje."
EL DIRECTOR
Una visión libre de ego
Inspirando creatividad y colaboración
Trabajar en una película de Jordan Peele fue una experiencia sin igual para la mayoría del elenco y el equipo de producción. Sin importar su procedencia o si tienen poca experiencia en la producción de cine, rápidamente se encuentran en un ambiente de trabajo diseñado para inspirar su imaginación, donde sus ideas son bienvenidas. "Jordan es el mejor director," afirma McKittrick. "Tiene un control absoluto de su historia y al mismo tiempo se muestra abierto y colaborativo con todos los artistas que están trabajando con él. Es muy tranquilo y sabe exactamente lo que quiere, pero permite que los demás aporten sus ideas."
Peele desarrolló esta filosofía para dirigir durante los años en los que trabajó como actor. "El ego se interpone en el camino de la gran creatividad, y las grandes cosas que los humanos han creado, las han hecho trabajando juntos," dice Peele. "Como director, siento que mi trabajo, primero y ante todo, es tener una visión, pero también mostrarme receptivo hacia la mejor idea que salga del lugar donde me encuentre. Si estás demasiado motivado por tu ego o te estás llevando todo el crédito, con frecuencia puedes dejar pasar una mejor alternativa para la historia que estás contando. La comedia de improvisación realmente te ayuda a desarrollar un gusto por el trabajo en colaboración, de tal manera que el ego queda fuera de la jugada."
Incluso para las personas que lo conocen en el ámbito social desde hace muchos años, verlo trabajar y el impacto que tiene su estilo de dirección era poderoso. "Yo, que lo quiero mucho y me preocupo por él, y que somos amigos desde hace tanto tiempo, me sigo impresionando al verlo trabajar con el elenco y su equipo," afirma Cooper. "Debido a su carrera de más de veinte años como actor, tiene una facilidad natural con los actores y una habilidad innata para ganarse la confianza de sus intérpretes. Es capaz de obtener actuaciones realmente convincentes de su elenco sin necesidad de imponerse."
Su habilidad para comunicar una visión sin cerrarse a recibir nuevas ideas lo convierte en una rareza. "Jordan es la verdadera definición de un cineasta de autor," señala Blum. "Es un escritor, director y productor, y su visión lo abarca todo. Puedes sentirla en cada decisión que toma. Eso es muy inusual. Creo que es uno de los cineastas más talentosos de la actualidad. Es muy colaborador, escucha a todos, pero también tiene un punto de vista muy específico y es capaz de equilibrar todo eso de una manera increíble."
"Lo que vuelve a Jordan diferente del resto de los directores es que él tiene un talento superior al de la mayoría de los directores de hoy en día," continúa Blum. "Él piensa de una manera increíblemente original. En la actualidad, muchos directores consideran al género como una especie de papel secundario y Jordan entiende que el género puede ser tan importante como el drama. De hecho, la Academia confirmó esto con el Oscar que le otorgó por Get Out."
Peele creó una atmósfera en el set donde había tranquilidad, orientación y control, algo que permitió a todos los que lo rodeaban sentirse seguros para explorar ideas y soluciones innovadoras. "Es un director que tiene una voz muy suave," señala Cooper. "Él no grita, ni levanta la voz. Es realmente bueno contratando personas con las que desarrolla una relación cercana con rapidez. Con cada uno de sus jefes de departamento, lo escucho emplear divertidos 'Jordanismos,' que se refieren específicamente a esa persona o departamento, donde solo la persona con la que está hablando sabe lo que quiere decir. Eso crea un cierto ritmo y un alto nivel de diversión para la comunicación en el set, y acelera la velocidad a la que podemos movernos."
La mayoría descubrió que Peele era un director excepcional en muchos frentes. "Fue increíble trabajar con Jordan," afirma Moss. "Me dejó probar cosas nuevas y explorar, y lo vi hacer eso también con otros actores. Todos los directores dicen que van a permitir eso, pero a veces no lo hacen. Jordan no puso un límite a lo raro, loco, aterrador, divertido o triste que podíamos ser. Eso es increíblemente liberador para un actor, porque sientes que nada de lo que hagas estará mal."
Nyong'o comparte ese sentimiento. "Jordan Peele es uno de los mejores comunicadores que he conocido," comenta Nyong'o. "¡También es compasivo y tan tranquilo! Tuve largas conversaciones con él antes de empezar el rodaje y siempre se mostró muy abierto y muy específico acerca de lo que estaba buscando. Aunque el trabajo era difícil y desafiante, Jordan me estaba proporcionando a mí, y a nosotros como elenco, un espacio seguro para hacer cosas peligrosas y salvajes. Estoy asombrada de su mente y cómo funciona, por su atención a los detalles y su conocimiento del género de terror y del cine en general."
"Jordan rinde homenaje a los cineastas y a las películas que él ama," continúa Nyong'o. "Puedes sentirlo en su trabajo. Él comunica todo eso y te lleva a bordo de esa misión. Cuando todos conocemos cuál es la visión es, por mucho, la mejor manera de crear. Y Jordan está haciendo su película favorita todo el tiempo. Esa pasión y ese entusiasmo, son contagiosos. Trabajaría con él una, y otra, y otra vez."
Esa energía y espíritu de Peele se filtra a cada departamento del equipo de filmación. "Cuando trabajas con él, estás al lado de una mente creativa y brillante que confía en ti para que lo ayudes a amplificar el mundo que él ha creado," señala Duke. "Es realmente maravilloso. Es un placer trabajar con Jordan y ayudarlo a ascender a las alturas de la leyenda del cine donde vivirá a perpetuidad entre otros prolíficos directores de la historia de la cinematografía."
Además, es simplemente divertido estar cerca de él. "Jordan es muy tranquilo pero asertivo," comenta Wright Joseph. "Él nunca grita. Nos dice, 'todo va a ser genial. Vamos a hacer esto, y después vamos a tratar de hacer aquello. ¿Les gustaría intentar hacerlo de otra forma?' Está tan abierto a las ideas de los demás. Es muy dulce. Cuando está muy emocionado por una escena, hace un pequeño baile." Sonríe. "Es sensacional."
El espíritu directivo de Peele permitió que los jefes de sus departamentos desarrollaran y evolucionaran las ideas con él a lo largo del tiempo, hasta que llegaban de manera colectiva a la idea o concepto correcto. "Colaborar con Jordan es realmente increíble," dice la diseñadora de producción RUTH De JONG. "Es muy abierto y accesible, y eso hace que la relación sea fluida y las conversaciones muy productivas. Su guión es su Biblia, y constantemente lo está reescribiendo y pensando en nuevas ideas. Tiene un diálogo permanente con el departamento de arte, con las personas de utilería, y con los decoradores de los sets. Es orgánico, fluido y maravilloso. Además es tan tranquilo y tan paciente. Creo que nunca lo escuché levantar la voz. Es una experiencia increíble trabajar con alguien que está tan enfocado y seguro de lo que quiere. No puedo decir suficientes cosas buenas de él."
SCOTT WHEELER, el jefe del departamento de maquillaje y efectos con maquillaje, experimentó lo mismo. "Trabajar con Jordan siempre es una aventura maravillosa," señala Wheeler. "Es muy considerado. Le gusta desarrollar las ideas y trabajar en ellas, repensarlas y volver a desarrollarlas hasta que se convierten en algo realmente sensacional. Verdaderamente disfruto ese proceso, y no siempre puedes hacer eso con otros directores."
Además tiene un profundo conocimiento del género de terror, que resultó ser invaluable para el elenco y el equipo de producción. "Jordan es un artista completo," dice GRADY COFER, el supervisor de efectos visuales. "Él toma estos temas importantes y dramáticos como el libre albedrío y la desigualdad social, y los pone a jugar en una película de terror. Le encanta el género; junto a Ian Cooper han estudiado mucho el género de terror en particular. Es muy emocionante trabajar con ellos."
La permanencia de Peele en la industria, trabajando tanto delante como detrás de la cámara le ha brindado experiencia en todos los aspectos del proceso cinematográfico. "Los escritores-directores son seres especiales porque están especialmente calificados para dar vida a su historia," comenta el compositor MICHAEL ABELS. "Debido a su historial en el negocio, ha visto películas desde más ángulos de lo que la mayoría de la gente lo hace, y se relaciona con las diferentes artes creativas de la cinematografía mejor que otra persona." Además, añade Abels, "Generalmente no solo es la persona más divertida del lugar, sino que además es la más inteligente. ¿Quién no querría trabajar con alguien como él? Yo sí quiero."
LA LOCACIÓN
Perturbando a Santa Cruz
El terror se va de vacaciones
Cuando llegó el momento de encontrar la locación perfecta para Nosotros, Peele quería evitar las imágenes comunes de la mayoría de las películas de terror. Nada de casas antiguas siniestras o sitios para acampar en el bosque. Quería sol, arena y una locación inesperada, y la encontró en las playas y el muelle turístico de Santa Cruz en California. "Santa Cruz tiene una energía muy divertida, con el parque de diversiones y el muelle turístico; y me encantó la idea de perturbar sitios que son comúnmente idílicos," relata Peele. "De ser posible, me encanta ofrecerle a la audiencia unas vacaciones en medio del terror. Alfred Hitchcock es uno de mis directores favoritos, y el ambiente de la playa West Coach de Santa Cruz me recordó a The Birds y a Vertigo. Esa locación también nos permitió acercarnos a The Lost Boys, la primera película que recuerdo que específicamente trastornó a Santa Cruz."
El profundo conocimiento que Peele y Cooper tienen del género les permitió eludir lo predecible y mantener al público fuera de balance. "Amo el terror como género, y estoy muy interesado en el efecto que tiene en nosotros como público, pero a menudo me siento decepcionado por la forma en que se utilizan las locaciones cuando se escriben guiones de terror," señala Cooper. "Hay un uso exagerado del mismo tipo de espacios como locaciones de terror, tales como cabañas aisladas o soporíferos barrios suburbanos. Esas elecciones son tan predecibles y carentes de matices, sin tener en cuenta el hecho de que la mayoría de las circunstancias aterradoras que experimentamos en la vida tienen lugar en pleno día y en lugares inesperados. El trabajo de David Lynch es un testimonio de ello. The Birds de Alfred Hitchcock y Jaws de Steven Spielberg son dos películas donde el uso de las playas como paisaje de terror es brillante. Al principio de nuestra película los Wilson llegan a la casa de la infancia de Adelaide, y en seguida se van a la playa pública-este gran espacio lleno de gente-lo opuesto al aislamiento. Nos gustó ese nivel de desestabilización. El fuerte contraste de ese paisaje, esa imagen, esos colores y texturas, era algo que realmente nos emocionaba."
El muelle turístico de Santa Cruz con su parque de diversiones le agregó una capa de terror que le llega a Adelaide y su familia. "La misma playa evoca este contraste de alta y baja tensión," dice Cooper. "Tienes el esplendor romántico del paisaje - la arena muriendo en el océano - y simultáneamente, la vibra sudorosa y sórdida de lo que sucede en un paseo marítimo situado a lo largo de la playa. La escena que marca el tono de la película tiene lugar en 1986 (en ese año Jordan y yo éramos niños), así que también hay algo sobre el acceso a esa dualidad entre la nostalgia y la tensión, que ciertamente era importante para nosotros."
Antes de confirmar que Santa Cruz fuera la locación oficial, los realizadores querían entender el contexto cultural e histórico del lugar, lo que ayudaría a definir el tono y la estética de la película. "Santa Cruz es una de las pocas ciudades que tienen un muelle turístico y un parque de diversiones que corre a lo largo de la playa," indica Cooper. "Investigué mucho sobre la historia de Santa Cruz y me reuní con gente que yo conocía del mundo del arte en Los Ángeles, que habían crecido aqui. Conversamos de temas socioeconómicos que se han suscitado en Santa Cruz a lo largo de los últimos cuarenta o cincuenta años. Jordan y yo sentimos que había algo incrustado en el ámbito cultural de Santa Cruz-una especie de ambiente atmosférico inestable y sutilmente variable-que lo volvía el escenario ideal para esta película."
Puesto que necesitábamos capturar imágenes de Santa Cruz en 1986 y en la actualidad, la diseñadora de producción Ruth De Jong necesitaba encontrar una manera de avejentar el paseo marítimo, que se viera como era hacia finales del siglo XX. "Hay una sección de la película que tiene lugar en el paseo marítimo en el año 1986," comenta De Jong. "Para ello creamos más de 200 carteles pintados a mano. Construimos nuestro propio juego de Whack-a-Mole, nuestra propia Vision Quest, la sala de los espejos, e hicimos un acuerdo con los operadores del muelle para asegurarnos de que todas las atracciones estuvieran en operación y los stands abiertos mientras estuviéramos en el proceso de filmación. Para las escenas del muelle turístico de hoy en día, en esencia lo filmamos tal y como está en la actualidad."
En la película, las casas de los Wilson y los Tyler están ubicadas en un barrio residencial con una laguna que da hacia el Océano Pacífico. En Santa Cruz hay una laguna como esa que se llama Schwan Lake, pero no era práctico usarla como locación para el rodaje.
"No podíamos usar la laguna Schwan Lake en Santa Cruz, donde estábamos filmando, porque nuestras lanchas de gran tamaño y otros equipos podrían dañar el hábitat natural," declara De Jong. "Entonces pusimos sobre la mesa el norte de California y Lake Tahoe, pero finalmente nos decidimos por el Lago Gregory en el Bosque Natural de San Bernadino. Terminó siendo fantástico. Estaba cerca, había pinos, tenía la topografía adecuada y la mayor parte del tiempo rodábamos de noche. Nos ofreció todo aquello que necesitábamos. Construimos todos nuestros muelles: los dos para nuestros héroes y un par adicionales como telón de fondo. No sientes que estás en un lago, sino más bien en una entrada de agua desde la cual se puede llegar con facilidad al océano, y eso era exactamente lo que buscábamos."
LA CINEMATOGRAFÍA
Refinamiento silencioso
Abrazando lo inesperado
Para la fotografía de Nosotros, los realizadores estaban buscando una imagen sofisticada que elevaría el estilo de la película a un nivel por encima de lo que la audiencia esperaría de una película de terror, y en seguida pensaron en el director de fotografía Michael Gioulakis. "Jordan y yo vimos por primera vez el trabajo de nuestro director de fotografía en la película de David Robert Mitchell It Follows, que es sin lugar a dudas una obra maestra del terror moderno," relata Cooper. "Mikey tiene ese estilo mágico de hacer flotar la cámara frente a los sujetos y los espacios que fotografía, y ese instinto para saber cuándo presionar de manera silenciosa algo que está sucediendo en una escena, que son aspectos notables. Es refinado, sofisticado en su estilo de tiro, y es emocionante que podamos trabajar juntos en este momento tan particular de su carrera."
Gioulakis buscó oportunidades para colocar la cámara en posiciones sorprendentes y en lugares inesperados. Hay momentos y tomas en esta película en las que me siento medio mareado de pensar en lo que el público podrá ver," dice Cooper. "Una de mis tomas favoritas de toda la película es un acercamiento de Gabe metiendo el dedo a través de un pequeño agujero en una gran bolsa negra de basura, intentando abrirla. Ha estado inconciente, y ahora que está despierto, se da cuenta de que está metido dentro de una bolsa; que va en la lancha que compró esa mañana, que es conducida por Abraham, su réplica; y que está a punto de ser arrojado al agua. Es esta gran toma full-frame que hizo Mikey de un dedo asomándose a través de una bolsa de basura. Es surrealista y da mucho miedo."
En los últimos años, Gioulakis ha trabajado con algunos de los directores más reconocidos en la industria, y su estilo de trabajo se alineaba a la perfección con el de Peele en Nosotros. "Mike Gioulakis es un hombre tranquilo que aporta un comportamiento tranquilo al desgaste que se genera durante una producción cinematográfica," señala McKittrick. "Después de haber trabajado con el director David Robert Mitchell en It Follows; con M. Night Shyamalan en Split y en Glass; y ahora con Jordan, su prestigio como visionario está creciendo."
EL DISEÑO DE LA PRODUCCIÓN
De la costa de mediados de siglo a Corea del Norte
El diseño de la imagen de Nosotros
Nosotros es una película que sucede en dos reinos visuales dramáticamente diferentes: la estética de las vacaciones, bañada por el sol y las playas y el muelle turístico; y la siniestra y aterradora sensación de los Atados. Requería de un diseño que estuviera anclado en la realidad, pero que pudiera convertirse en una pesadilla alucinante. Y nadie estaba mejor preparada para conseguir ambos objetivos que la diseñadora de producción Ruth De Jong. "La forma en la que el equipo de Monkeypaw describió la apariencia del diseño de la producción que querían era el entorno natural y vívido de Manchester by the Sea, yuxtapuesto con el mundo surreal de Twin Peaks," comenta Ruth De Jong. "Yo había hecho esos dos proyectos, así que la conversación arrancó a partir de ese punto."
La experiencia y la habilidad de De Jong la volvieron la elección ideal. "Ruth De Jong es tan talentosa; es alguien cuyo trabajo he respetado mucho a lo largo de los años," señala Cooper. "Además de ser diseñadora de producción es una artista visual y diseñadora de mobiliario, y hay algo sobre su práctica híbrida que la vuelve realmente emocionante. Para nosotros lo primordial es que Ruth nunca había hecho una película de terror, y Jordan y yo queríamos a alguien que no nos diera respuestas preconcebidas de cómo y qué debía verse una película de este género. Ruth y su equipo-la decoradora de sets FLORENCIA MARTIN y la directora de arte CARA BROWER-estaban muy empeñadas en la especificidad. Hicieron una extensa investigación sobre cada pequeño detalle de la película. Jordan y yo somos unos histéricos de los detalles, así que su enfoque fue muy significativo para nosotros."
Desde la primera reunión que tuvo con Peele, De Jong y él empezaron la lluvia de ideas acerca del color, el estilo y el tono visual que tendrían los sets y los ambientes de la película. "Al principio, Jordan y yo apenas estábamos digiriendo el guión y compartíamos algunas ideas," relata De Jong. "El guión era muy específico en términos de la paleta de colores, pero terminamos yendo en una dirección muy diferente. Dejamos que nuestras ideas y nuestras conversaciones hirvieran a fuego lento y se marinaran con el tiempo, hasta que ambos tuvimos un gran momento de inspiración, y entonces tomamos una dirección sólida." El resultado es una película que se ve como ninguna otra. "Ruth trajo una perseverancia y una visión a esta cinta que ayudó a Jordan a encontrar el look and feel de este universo que él creó," señala McKittrick.
La casa de los Wilson y la de los Tyler
El primer paso era decidir en qué tipo de casa habría crecido Adelaide Wilson, y cómo dicha casa contrastaría con la de los Tyler. "Queríamos que todo fuera muy natural y honesto, que no fuera inventado, para poder consolidar a nuestras familias en Santa Cruz," dice De Jong. "Para los hogares de los Wilson y de los Tyler necesitábamos encontrar casas donde pudiéramos usar el exterior y el interior de las mismas, así que las dos tenían que estar frente a la playa. Para encontrar la de los Wilson, miré cerca de 200 casas. Fue bastante complicado porque estábamos filmando en Los Ángeles, no en el norte de California, el lugar donde está situada la película. Creo que rodamos por diecisiete días ininterrumpidos, y diez de ellos fueron durante la noche, y necesitábamos sacar permisos para hacer eso, así que eso restringía nuestras opciones. Pero nuestro fantástico gerente de locaciones JUSTIN DUNCAN y yo buscamos hasta en el fondo de las madrigueras de los conejos y encontramos el lugar. El hogar donde creció Adelaide fue seleccionado de acuerdo con las características del personaje, así que nos decidimos por una casa de mediados del siglo XX que parecía la más apropiada."
Esa decisión nació de la creación de una historia de fondo no solo para Adelaide, sino para sus padres y sus abuelos. "Para diseñar la casa de los Wilson, el hogar de la infancia de Adelaide, quisimos trazar la historia de la familia de Adelaide," añade la directora de arte, Cara Brower. "La pequeña Adelaide tomaba clases de ballet, así que arrancamos desde la idea de que su familia estaba muy interesada en las artes, el diseño y la arquitectura. Nos decidimos por una casa de mitad del siglo XX, y después tratamos de llevar la historia de esa familia a su interior. También quisimos crear un contraste entre el aspecto del hogar de los Wilson y el de los Tyler. Los Wilson son más realistas. Los Tyler son más llamativos, más contemporáneos, y eso se ve reflejado en la apariencia de sus casas."
De Jong encontró la casa de los Tyler en un barrio totalmente diferente al de los Wilson, aunque ante la cámara, ambas están ubicadas frente al mismo lugar en la playa.
"El hogar de los Tyler también requirió de mucha búsqueda," dice De Jong. "Queríamos que fuera muy contemporánea, y que estuviera cerca de la casa de los Wilson. Pero se nos presentaron los mismos desafíos que cuando buscamos la de los Wilson - conseguir permisos para rodar de noche, etc. - y terminamos encontrando un lugar fantástico en Calabasas. La topografía del jardín era perfecta. Era muy privado y daba la ilusión de que el muelle para la lancha estaba fuera de la vista natural."
Vision Quest: la sala de los espejos
En una escena esencial al principio de la película, estamos en 1986 y la joven Adelaide (Madison Curry) está paseando por el muelle con sus padres y se pierde en una sala llena de espejos donde se encuentra con su réplica, la joven Red, por primera vez. Filmar con y a través de espejos presenta un desafío técnico. De Jong y su equipo tuvieron que diseñar y construir un set desde desde cero para acomodar las cámaras y a los actores. "Queríamos que la joven Adelaide siguiera un camino muy específico cuando entrara hacia la sala de los espejos," dice la directora de arte Cara Brower. "Así que investigamos a fondo cómo están construidos estos espacios en la actualidad. Encontramos algunos planos muestra muy buenos de cómo están conformados y afortunadamente coincidían con la descripción que hacía Jordan en su guión. También queríamos que hubiera árboles y murales en la sala, así que fuimos a la Cafetería Clifton en el centro de Los Ángeles y encontramos al muralista que había pintado los famosos murales del lugar y le preguntamos qué estilo artístico usó cuando pintó esos muros. Ese set me encantó. No pudimos ver cómo estaba quedando sino hasta el día en que inició el rodaje, cuando estaba totalmente cubierto por los espejos, con el techo ennegrecido, la iluminación y los murales colocados. Quedó exactamente como lo queríamos."
Fue un enorme proeza técnica y la primera vez que todos los involucrados hacíamos algo así. "Se parecía a algo que habrías encontrado en Coney Island a principios de la década de los ochenta y se veía muy divertido y diferente a todo lo que habíamos hecho antes," relata De Jong. "Lo diseñamos con espejos de dos vías, lo que permitió al director de fotografía filmar desde atrás de los espejos. Fue muy emocionante."
El set secreto
Uno de los sets más elaborados y cuya concepción llevó mucho más tiempo que los demás, es además del que podemos hablar menos debido a su naturaleza ultra secreta en la película. De más está decir que tiene una conexión con los Atados, pero el cómo y el por qué no será revelado en este momento. El set puede entreverse en el tráiler de la película, e incluye conejos y largos pasillos que parecen ser eternos. Desde la primera reunión que tuvieron De Jong y Peele, el aspecto y la sensación que generaban este set fueron reimaginados por completo.
"Dedicamos un montón de investigación a la vida subterránea, a las comunidades que la experimentan y a los bunkers," dice De Jong. "Originalmente iba a ser de ladrillo rojo, pero cuando conversamos con la diseñadora de vestuario KYM BARRETT acerca de las paletas de colores, las texturas y las superficies, echamos un vistazo a la arquitectura de los centros comerciales de Corea del Norte en los años ochenta. Todo ello cumplió un papel para lograr el diseño final. Había algunas imágenes realmente hermosas de Corea del Norte que me inspiraron: los pisos de losa, las paredes cuadradas de concreto en tonos beige muy discretos. Jordan y yo nos orientamos hacia una gama de tonos relacionados con los cadáveres, que sencillamente se veían muy perturbadores." Se ríe. "Usamos muchos cuadrados, muchísimas líneas que se repiten en todas las habitaciones y en toda la arquitectura que terminó siendo un espacio sumamente incómodo."
El aspecto y la evocación de este set marcan un contraste marcado con el paseo marítimo y los tonos más naturales de la playa de Santa Cruz. "Jordan quería que la paleta de colores [de este set] fuera muy suave, con muchos tonos crema y marrones," relata Brower. "El paseo marítimo tiene colores pastel y otros más vibrantes." Un color que no verás en ninguna parte, dice Brower, es el rojo. "En general nos mantuvimos alejados del uso del rojo a lo largo de la película de tal forma que cuando ves el rojo en los trajes que usan las réplicas, saltan a la vista."
Diseñado por expertos, el set secreto era increíblemente dinámico y podía moverse y ajustarse para darle a Peele y a su equipo una variedad de opciones para poder filmar en él.
"Jordan, Ruth De Jong y su equipo diseñaron este largo pasillo con muchos cuartos," comenta Cofer, el supervisor de efectos visuales. "Es una especie de sombrío refugio antibombas de la Segunda Guerra Mundial. El largo pasillo fue diseñado de manera modular y algunas de las paredes tenían ruedas de tal manera que el equipo podía moverlas y configurar el espacio como ellos quisieran. Podían alinearlas para que el pasillo terminara en una green screen, y entonces se pudiera extender digitalmente. Eso nos permitió crear una especie de laberinto, un interminable y complicado enredo que podíamos ajustar sobre la marcha dependiendo de cómo queríamos que fuera el entorno."
Sangre y tijeras
Por lo general, las películas de terror necesitan mucha sangre. Pero en Nosotros, como algunos de los actores estaban interpretando a dos personajes a la vez, era necesario quitar la sangre puesto que cada escena era filmada muchas veces. Una solución creativa salió de ello. "Nunca había participado en una película con tanta cantidad de sangre," dice De Jong. "En estos set tienes que quitarla y luego la tienes que volver a poner. Nuestro equipo de efectos es sensacional, y crearon unos tapetes que son de hule pero se ven como si fuera sangre líquida. Así que los puedes poner, quitar y volverlos a poner. Realmente ingeniosos."
Las tijeras de latón son el arma que eligieron los Atados para intentar asesinar a los Wilson, y Peele quería encontrar un diseño para ellos que encajara con el estilo visual de la película, pero que también se destacaran de todo aquello que las rodeaba. "Las tijeras son una pieza clásica en las imágenes de terror que ya han sido utilizada en otras películas, y quería honrar esa arma de la mejor manera posible y convertirla en la imagen central de esta cinta," comenta Peele. "Las tijeras representan una dualidad, tanto literal como físicamente: son una sola pieza, formada por dos partes. Pero también yacen en ese territorio entre lo mundano y lo absolutamente aterrador."
EL DISEÑO DEL VESTUARIO
Una silueta para morirse
Vistiendo al nuevo monstruo
El vestuario para Nosotros fue igual de desafiante que el diseño de producción porque necesitaba fusionar dos estéticas aparentemente desconectadas: la vida natural y casual de los Wilson y los Tyler y las personalidades individuales de cada uno de esos personajes, con los icónicos trajes de los Atados. Requería de un diseñador de vestuario con una experiencia profunda y un diseño estético hábil y sutil. Los realizadores encontraron a la persona perfecta en Kym Barrett.
"Kym nos ofrece su gran experiencia para esta película," dice McKittrick. "Tuvo que crear un vestuario dual y también desarrollar un mundo aparte dentro del nuestro. Le entregamos un verdadera desafío, porque la imagen de ciertos personajes está basada en ideas que nadie había explorado antes."
Peele y Cooper han sido seguidores del trabajo de Barrett literalmente durante décadas. "Jordan y yo conocimos el trabajo de Kym Barrett por primera vez cuando estudiábamos en la preparatoria y nos pusimos a mirar un VHS de la película de Baz Luhrmann Romeo + Juliet, cuyo vestuario fue diseñado por ella," relata Cooper. "La candente especificidad de ese diseño de vestuario me persigue hasta el día de hoy." Sonríe. "En esa época yo no había estado en México, el lugar donde la filmaron, y ella descubrió como trasladar a Shakespeare a este vulnerable lugar situado en la playa. Definir el vestuario de la película Nosotros fue quizás la parte más difícil del proceso de filmación. Queríamos desarrollar un aspecto que fuera auténtico y meritorio para esta familia afroamericana del siglo XXI, y ese mismo departamento necesitaba crear el aspecto de las réplicas que esperábamos que se volvieran icónicas-en un disfraz clásico de Halloween de forma instantánea."
Los Wilson
Los Wilson llegan a Santa Cruz una soleada tarde de verano y la ropa de cada personaje en las escenas lo refleja. "Para la primera parte de la película, la paleta de colores en la que me enfoqué estaba relacionada con la playa de California y con la orilla del mar," comenta Barrett. "Salvia, arena, un poco de azul plateado: colores muy costaneros, lavados, que ayudaron a preparar el escenario para un cambio impactante de color."
La clave fue darle a cada miembro de la familia un aspecto diferente sin necesidad de usar la ropa ni distraer la atención del propio personaje, o usando un vestuario que llamara demasiado la atención. "Era importante recorrer un camino intermedio con el vestuario: no caer en la caricatura o que se disolviera en la nada," señala Barrett. "Me enfoqué en cómo la ropa se acomodaba a los personajes, cómo registraba la luz y la sombra, y en cómo se sentían los actores."
La ropa también necesitaba mostrar la transición del sol brillante a la noche oscura, y que funcionara para las escenas en exteriores y en interiores. "Jordan y yo conversamos mucho acerca del aspecto general de la película," nos cuenta Barrett. "Hablamos mucho de la luz y las sombras, y de cómo a veces los personajes podrían estar escondidos en la sombra y de repente aparecer a cuadro, desorientando al espectador. Decidí mantener los colores y las formas simples y gráficas, permitiendo que los personajes se disolvieran dentro y fuera de foco."
Para cada personaje, Barrett trabajó en línea con el elenco en la creación de su propio aspecto. "Prefiero trabajar en colaboración con los actores en su vestuario," continúa Barrett. "Esa es la mejor manera de encontrar el aspecto y la sensación auténtica de un personaje. Además, los actores siempre tienen ideas realmente buenas. Puedes divertirte un montón trabajando con ellos. Es una labor que se disfruta mucho."
Adelaide Wilson
Barrett se reunió con Nyong'o en Nueva York para iniciar el proceso de diseño para Adelaide. "Conversamos acerca del viaje psicológico y físico de Adelaide," dice Barrett. "Vimos que Adelaide es alguien que no quiere ser visible para el mundo o por la gente a su alrededor. Su ropa lo refleja. Tiene una paleta simple, es mujer y madre, una californiana común y corriente."
Para la escena del flashback a la infancia de Adelaide, Barrett necesitó diseñar un traje de ballet para una escena dramática que usarían la joven Adelaide (ASHLEY McCOY) y Red, su réplica de la misma edad. Terminó convirtiéndose en el traje favorito de Barrett de toda la película. "La pasamos muy bien vistiendo a Ashley McKoy, la actriz que interpreta ese papel, con una pieza que pudiera evolucionar entre las dos partes de la historia," dice Barrett. "Ashley estaba emocionada y disfrutó mucho usándolo. Como diseñadora, esas cosas siempre te hacen feliz: ver que una actriz adopta y disfruta lo que está usando."
Gabe Wilson
Para Gabe, Barrett quería algo relajado y casual. "Vestir a Gabe es divertido porque es un papá muy bromista," comenta Barrett. "Es una persona que piensa que nada malo puede sucederle, así que cuando las cosas pasan, su ferocidad y su instinto afloran. No quería que su ropa se notara más allá de su momento de toma de conciencia."
Los Tyler
Comparado con el de los Wilson, el vestuario de Kitty y Josh era ligeramente más pretencioso, de manera intencionada. Los Tyler son personas que se fijan mucho en las apariencias y en cómo se ven. "Kitty es, de cierta manera, una Marilyn Monroe de nuestros días que nunca tuvo la oportunidad de convertirse en una actriz," explica Barrett. "Ella vive dentro de su propia imaginación, haciendo lo que cree que una madre debería ser y lo que desearía haber podido hacer con su vida." El interés primordial de Josh es presentar una imagen de éxito aunque no sea feliz con su vida. "Josh, al igual que Kitty, es alguien que también aspiraba a tener una carrera diferente a la que terminó haciendo," relata Barrett. "El dinero es la panacea para Josh, y disfruta de poder tenerlo. En el fondo es una persona buena, pero no encuentra muchas oportunidades para poder expresarlo."
Los Atados
El diseño del vestuario de los Atados jugó un enorme papel en el aspecto general de la película y generó un efecto en todo, desde la iluminación hasta el diseño de la producción. "El aspecto de los Atados fue probablemente la elección de diseño más importante que hicimos para esta cinta, porque ése es nuestro monstruo," comenta Peele. "Pensé mucho antes de tomar esa decisión. Quería crear un aspecto icónico que utilizara elementos anclados a tierra. No quería nada demasiado fantástico o por encima de la media. Quería dejarlos que fueran personas."
Desde el momento en que se involucró en la película, Barrett empezó a explorar opciones e ideas con Peele acerca de cómo podría ser ese aspecto icónico. "Lo que me impactó del guión fue la claridad de la naturaleza gráfica del relato," señala Barrett. "Me hizo pensar en que el vestuario de esos personajes se viera como simples siluetas. Quería que brillaran desde adentro del marco sin que pareciera que había hecho demasiado esfuerzo para crear el vestuario."
Peele tenía un color en mente desde el primer momento. "Jordan quería usar el rojo para las réplicas y tuvimos que encontrar un vestuario que pudiera unificar a un grupo de personas, pero que también dejara lugar para mostrar su individualidad," continúa Barrett. "Así que nos decidimos por ropa de trabajo: unos mamelucos rojos." A Peele le encantó la idea, por múltiples razones. "Hay un elemento de culto en los Atados, y el mameluco rojo se sentía como una elección icónica," señala Peele. "Solo la idea de poder utilizar un destello rojo pasando por la oscuridad para dar a conocer al monstruo era emocionante, y conlleva la connotación de un prisionero o un paciente fugitivos. También hace alusión a personajes clásicos de terror como Michael Myers y Freddy Krueger."
También hay una razón importante por la que Red podría haber elegido un traje como este para su familia. "Por razones que no vamos a compartir en este momento, Red parece haberse quedado estancada en 1986," dice Cooper. "Por eso las referencias de su guardarropa son elementos como los que usaba Michael Jackson en Thriller, el mameluco de Michael Myers en Halloween o el guante con cuchillos afilados de Freddy Krueger."
A pesar de que comparten el uniforme, los Atados tienen una personalidad propia que los caracteriza, así que Barrett anduvo por caminos escalofriantes en cuanto a accesorios se refiere. "Cuando una réplica mata a alguien, se llevan algo de la persona muerta a manera de trofeo y se la ponen o la usan," comenta Barrett. "Visualmente, eso ayuda para que las réplicas mantengan su propia y aterradora individualidad."
EL MAQUILLAJE Y LOS PEINADOS
Los seres pálidos
La cara del miedo
Las caras de los monstruos en las películas generalmente están muy lejos de ser sutiles. Piensa en la máscara de látex de Mike Myers, la máscara para jugar hockey de Jason Voorhee o en las quemaduras en la cara de Freddy Kruger. Para el caso de los Atados, Peele necesitaba que se vieran como la contraparte de los Wilson, y que al mismo tiempo tuvieran un aspecto diferenciador que fuera inconfundible e inolvidable. Para conseguirlo, fueron con el maestro de maquillaje y efectos con maquillaje Scott Wheeler, que ya había trabajado con Peele cuando éste iniciaba su carrera profesional y lo convirtió en un Klingon para una parodia que hizo en MadTV. "Lo que me llamó la atención cuando leí el guión por primera vez fue cómo los giros en la narrativa estaban muy alejados de los arquetipos típicos de las películas de terror," comenta Scott Wheeler. "Cuando volví a leerlo y reflexioné sobre él, cuestioné a Jordan acerca de la mitología que él imaginaba detrás de esta historia, y entonces empezamos a trabajar en eso."
Para crear el aspecto de los Atados, Peele quería hacerlo contra todas las expectativas. "Es muy común que en una película donde hay réplicas haya una mordaza y pienses que es la réplica, pero es la persona real," dice Wheele. "Jordan no quería mostrar eso. Quería que la réplica se viera realmente diferente de su contraparte porque ellos han vivido existencias diferentes."
Aunque el origen de las réplicas y de dónde provienen es un secreto, el diseño de maquillaje para su aspecto está basado en su origen y en sus condiciones de vida.
"No tienen un verdadero control sobre sus acciones, así que nos preguntamos cómo se manifestaría eso en el físico de las réplicas," añade Wheeler. Por razones que no revelaremos, nos cuenta que "son un poquito pálidos, y están un poquito locos. Tratamos de representar ese trastorno mental con el maquillaje de los ojos, e hicimos que la piel de los actores se viera un poco más pálida y gris. A partir de allí, Jordan quería que las réplicas se vieran casi como vampiros sutiles, así que llevamos algunos de las aspectos un poco más lejos. El último elemento que aplicamos en las réplicas fue quitarles las cejas para conseguir el efecto de la mirada en blanco."
El efecto que lograron fue exactamente el que Peele estaba esperando. "Lo que Scott y su equipo lograron con el maquillaje de los Atados fue realmente especial," señala Peele. "Los volvimos más pálidos, les quitamos las cejas y hundimos sus ojos. Cuando los miras, te queda claro que estas personas no han estado expuestas a la luz del sol."
Wheeler también modificó el aspecto de la réplica de cada miembro de la familia Wilson de tal manera que ayudara a reflejar a su personaje. "El aspecto de las réplicas también mostraban un menor grado de cuidado personal," señala Wheeler. Por ejemplo: Gabe, el personaje que interpreta Winston Duke, tiene una barba bien arreglada. Su réplica solo tiene una barba bíblica que simplemente se la ha dejado crecer. La fabricamos con una barba colocada a mano, y realmente derribamos los límites de la sombra y la iluminación para cambiar la forma de su cara."
Pluto, la réplica de Jason Wilson, también esconde algo detrás de la máscara que le cubre toda la cara. "Para la cara de Pluto creamos una cicatriz prostética de una quemadura," agrega Wheeler. "Al principio Jordan quería que Pluto se viera como si hubiera sufrido pequeñas quemaduras a lo largo de su vida, pero después decidió que no, que la cicatriz iba a ser el resultado de una sola y gran quemadura."
Además de lo inquietante y perturbador que se veía el maquillaje de Wheeler en las réplicas, tenía el beneficio agregado de ser muy práctico. Como cada actor tenía que rotar entre los dos personajes, Wheeler y su equipo necesitaban ser rápidos y precisos.
"Había muchos tipos de maquillaje y muchos cambios por hacer," comenta Wheeler. "Nuestra mayor contribución fue asegurarnos de no hacer esperar a la cámara porque estábamos haciendo cambios en el maquillaje. El desafío fue diseñar maquillajes que pudieran aplicarse con rapidez, cambiarse aprisa y volver a ponerlos rápidamente, y que todavía transmitieran el mensaje de que todos son personajes diferentes."
Al maquillaje se le agregaron los peinados de los personajes, diseñados por CAMILLE FRIEND. "Gran parte de las razones por la que los Atados se llaman así, es justamente por su pelo," dice Peele. "Camille creó algunos looks inolvidables en ambos lados de la atadura." De hecho, uno de los peinados favoritos de Peele en la película es el que Friend y Nyong'o decidieron usar para Adelaide. "Decidirse por las trencitas para Adelaide fue particularmente sensacional," comenta Peele. "No recuerdo haber visto a ningún personaje central en una película usando trencitas, y solamente eso ya es una pieza importante de la historia de la película - ver los peinados reales de las mujeres de raza negra representados en el cine en una actriz que hace el papel protagónico."
Wheeler espera que el trabajo que él y su equipo han realizado contribuirá para crear una experiencia cinematográfica y cultural inolvidable. "Quiero que cuando el público salga del cine sienta que acaba de ver una de las más grandes películas de terror del siglo XXI," agrega Wheeler. "Y creo que la mayor parte de la gente lo sentirá así. Los aspectos sociales que se presentan en Nosotros son un poco más abstractos de lo que fueron en Get Out, pero Jordan ha subido la apuesta en el aspecto del terror. Él va a ser el mejor cineasta de terror de nuestro tiempo, y esta película va a ser un viaje salvaje."
LOS EFECTOS VISUALES
Viendo doble
El problema con los Atados
"El elemento más desafiante de esta película es el hecho de que hay dos de cada personaje," dice Cooper. "De hecho, hay más de dos, porque tenemos al mismo actor o actriz interpretando dos roles; además del actor o actriz que son los dobles de foto; aunado a cada uno de sus dobles de acción. En el rodaje de ciertas escenas, Lupita estaba interpretando a Adelaide, acompañada de su doble de foto, más su doble de acción; y la doble de Red, más la doble de foto de Red. De vez en cuando, si te dabas una vuelta por el set, podrías ver a seis Gabe incluyendo a Winston, todos ellos usando lentes y las mismas sudaderas de Howard University." Se ríe. "Te pones a pensar, '¿Qué clase de película estamos haciendo?'"
Grady Cofer, el supervisor de efectos visuales de Industrial Light & Magic ayudó a navegar a los realizadores a lo largo de todo ese proceso, guiándolos en cómo podrían lograr sus objetivos de manera práctica y en aquello que podía ser mejorado usando tecnología digital para crear una experiencia cinemática perfecta. "Desde el principio me di cuenta de que para ejecutar la visión de Jordan, los efectos visuales en esta película serían sutiles," comenta Grady Cofer. "No hay nada realmente vistoso sobre ellos; es más bien un juego de manos."
"El principal desafío en esta película fue la creación de las réplicas y permitir que ambos sets de personajes actuaran en la misma escena juntos," relata Cofer. "Para que esto funcionara, el público tiene que tener claro el hecho de que todos tienen su réplica. Jordan y yo pasamos por todos los métodos diferentes que hay para hacer eso. Hay un legado muy rico en el trabajo con este tipo de efectos visuales, regresando a, por ejemplo, Parent Trap, la película que protagonizara Haley Mills donde la misma actriz interpreta a unas gemelas. En esa película trabajaron a la antigüita, usando la técnica de la toma dividida por la mitad. Jordan bautizó a ese tipo de toma con el nombre 'Haley Mills.' Cada tanto decía, 'Creo que esta toma quizás sea una Haley Mills.'"
Pero la tecnología ciertamente ha avanzado desde esa película de Disney de 1961 y Cofer podía ofrecer a los cineastas una multitud de opciones para resolver cualquier clase de situación que pudiera presentarse. "Hay tantas cosas nuevas que podemos hacer ahora," señala Cofer. "Podemos reemplazar cabezas y caras, donde puedes tener a Lupita actuando frente a su doble de acción o a su doble de foto frente a la cámara, y después intercambian lugares. Entonces tenemos material de origen de ambos lados, tanto del personaje como de la réplica, y podemos tomar la cara de una toma e insertarla en la de la doble de foto. Es un proceso que tiene sus desafíos, pero bien ejecutado, puede ser muy convincente."
Mientras el rodaje avanzaba se dieron cuenta de que podían adaptarse rápidamente a cualquier obstáculo que se presentara. "Nos sentimos confiados con estos diferentes procesos donde podíamos improvisar sobre cuándo y dónde usar ciertas técnicas," dice Cofer. "Te da la libertad de inspirarte para la escena conforme ésta se va desarrollando."
Esta habilidad técnica permitió algunos efectos innovadores que son aún más impresionantes porque el público no notará absolutamente nada. Simplemente vuelven lo imposible, creíble. "Hay una gran escena donde la casa de los Wilson ha sido invadida por sus réplicas y Red, la réplica de Adelaide, la agarra de la cabeza y la aplasta contra el vidrio de la mesita de centro de la sala," relata Cofer. "Mientras Lupita estaba actuando en ambos lados de esa escena, Jordan notó que había un bonito reflejo de la cara de Red en la cubierta de cristal. Le pidió al director de fotografía que encuadrara ese espacio, y así pudimos componer el reflejo de Red justo al lado de la cara de Adelaide. Se consiguió una imagen espectral realmente interesante."
Era una especie de matrimonio perfecto, donde la línea entre lo real y lo digital era esencial para hacer que la película se sintiera completamente real y absolutamente aterradora, precisamente por esa misma razón. "Si hacemos bien nuestro trabajo, estos efectos serán invisibles y no serán un problema," comenta Cofer. "Me encantaría que el público sientiera que ha visto una especie de truco de magia. Quiero que se sumerjan en la película y acepten que es algo real mientras la están mirando, y solo en retrospectiva se den cuenta de que han formado parte de un elaborado juego de manos."
Un ejemplo particularmente espectacular de ello es la escena donde a Zora la persigue Umbrae, su réplica. "Jordan tuvo la gran idea de que Zora corriera hacia la cámara en primer plano, y que en el fondo pudieras ver una especie de silueta de Umbrae cruzando por su camino," relata Cofer. "Entonces la cámara panearía alrededor y verías a Umbrae encima del auto. En realidad tuvimos a tres Zoras para esa escena - una en el fondo; a Shahadi en el primer plano; y a su doble de acción junto al auto. Conforme la escena avanzaba, las dos Zoras empiezan a pasar al lado de las ventanas, y ahí puedes ver el reflejo de Zora y de Umbrae. Tuvimos que rodar la escena varias veces con y sin el auto para conseguir todas las actuaciones de Shahadi y todos los reflejos precisos. En realidad es como hacer una película dos veces."
En la mayoría de las películas, todos los efectos digitales se hacen durante la posproducción, después de que el rodaje ha concluído. Pero Cofer y su equipo estaban presentes en el set la mayor parte del tiempo para ofrecer soluciones y opciones en tiempo real. "Una de las cosas que quise hacer por Jordan fue ofrecerle una retroalimentación más rápida," dice Cofer. "Así que me llevé a algunos compañeros de ILM al set y con las laptops a la mano, pudimos empezar a sacar pietaje desde la cámara y hacer composiciones temporales para él, para que pudiera tener una mejor idea de cómo estaban funcionando las cosas." Eso resultó ser una bendición, relata Cooper. "Grady fue invaluable por una serie de razones, incluyendo que puede resolver problemas en tiempo real, y con frecuencia ofrece arreglos rápidos," comenta Cooper. "Podíamos estar rodando una escena y ver que se estaba presentando un problema; él tenía la capacidad de ayudarnos a corregirlo en ese momento, en el terreno de filmación, en lugar de solo cruzarse de brazos y decir, 'Lo arreglaré en la posprodución.'"
A pesar de las opciones técnicas que tenía a su disposición, algunas veces Peele prefería no usar efecto visual alguno. "Hicimos mucho trabajo real con las réplicas, y Grady bromeaba diciendo que algunas de esas tomas eran tan locas que la gente pensaría que había efectos visuales aunque no fuera así," señala Cooper. "Esperamos cambiar las expectativas de esa manera."
Por ejemplo, ¿por qué usaríamos conejitos digitales cuando puedes usar unos de verdad? "Jordan quería que la película estuviera bien fundada y que fuera lo más real posible," dice Cofer. "Hay una toma fantástica que empieza en el ojo de un conejo y cuando se va retirando, ves que ese es solo uno de los miles de conejos que están metidos en sus jaulas. Empezamos a discutir el tema de duplicar a los conejos de manera digital o de crear conejos con la técnica de generación por computadora (CG), y estábamos intercambiando ideas. Pero Jordan decidió conseguir cientos de conejos y rodar toda la escena con la cámara." Algo que generó mucha felicidad en los niños que actuaron en la película, vale la pena mencionarlo. "¡Los conejitos están por todas partes en la película!" relata Wright Joseph. "Zora usa una sudadera que tiene impresa la palabra 'conejo' escrita en vietnamita. Hay un conejito en la habitación de Zora y otro en la casa del lago. Hay uno en la habitación de las gemelas, en la casa de los Tyler. Jordan puso todas estas cosas escondidas por ahí. Es tan inteligente."
La guía y habilidad de Cofer fueron de gran ayuda para brindar un poco más de cordura y seguridad en algo que podría haberse convertido en una pesadilla logística. "Tuvimos muchísima suerte de poder trabajar con la compañía Industrial Light and Magic, y en particular con Grady Cofer, que es sensacional en lo que hace, y es una de las personas más divertidas y emocionantes con la que se pueda contar en un set," comenta Cooper. "Es la única persona, además de Jordan, que puede, de manera explícita y de acuerdo con el lenguaje corporal, definir qué toma es la que hay que realizar. Es notable."
La mayor parte del trabajo que realizaron Cofer y su equipo nunca lo notará el público, y por supuesto que el punto es mantenerlo invisible. "Han realizado extensiones digitales de sets y mejoraron nuestras escenas donde hay fuego, agua y sangre," comenta De Jong. "Todo lo hicieron a la perfección y eso vuelve a la película mucho más valiosa. No podrás dilucidar cuáles elementos se lograron con efectos visuales y cuales son reales, y eso es sumamente emocionante."
LA COREOGRAFÍA
El ballet y los movimientos en reversa
Lenguaje corporal multiplicado por dos
La coreografía no es la primera cosa que te viene a la mente cuando piensas en una película de terror, pero Nosotros contiene una escena imborrable que involucra a la joven Adelaide y a la joven Red, en una compleja e invertida ejecución del grand pas de deux del ballet El Cascanueces. La película necesitaba no solo una sólida coreógrafa, sino una innovadora asesora de movimientos que pudiera diseñar un estilo único de movimientos para los Atados y que se los enseñara a los miembros del elenco. Como la suerte lo acompañaba, el productor Ian Cooper conocía a la persona perfecta, que además podía hacer ambas cosas: la coreógrafa y asesora de movimientos Madeline Hollander. "Cuando era adolescente Adelaide fue una bailarina de ballet profesional que estaba en el camino de convertirse en Misty Copeland," relata Cooper. "Así que sabíamos que era preciso contratar a una coreógrafa para trabajar en esas escenas. Madeline, a quien conocí en Nueva York, vino a mi mente de inmediato."
"Madeline fue una bailarina profesional, y ha interpretado El Cascanueces una impresionante cantidad de veces," continúa Cooper. "También es una artista conceptual que pone en escena ejecuciones artísticas de gran escala y es una gran conocedora tanto de la danza contemporánea como de la cinematografía, puesto que ella filma gran parte de su propio trabajo. Así que en realidad se sintió como una elección natural."
El Cascanueces
En la secuencia misteriosa de El Cascanueces, un flashback de la película, la adolescente Adelaide (Ashley McCoy) está bailando una versión de ese ballet, mientras que en un reino separado que todavía no entendemos, la adolescente Red (la propia McCoy) está bailando esa misma versión, pero de una manera distorsionada y desarticulada. Esta escena en especial, y cómo podría lograrse, fue el tema principal de la primera reunión que Hollander tuvo con Peele. "Mi conversación con Jordan se enfocó en las dos escenas de baile de la película que están basadas en El Cascanueces, el icónico ballet de Tchaikovsky, y en particular, en la variación del grand pas de deux justo al final de El Cascanueces," relata Hollander. "Bailé esta obra durante muchos años, así que la conozco al derecho y al revés, al punto de que cuando escucho la música, mis músculos empiezan a moverse nerviosamente." Se ríe. "En El Cascanueces, el personaje de Clara se aventura en un mundo de caramelo y fantasía que en realidad es un reino de los sueños oscuros, así que eso coincidía con algunos de los temas de la película. Jordan quería que la adolescente Adelaide fuera una bailarina decidida a hacer el grand pas de deux, una pieza que ejecutan dos personas, pero como pieza solista. En esencia eso es imposible, y nos dice mucho acerca de su personalidad."
El primer paso que tomó Hollander fue averiguar cómo convertir una variación para dos bailarinas en una actuación en solitario. Es una tarea casi imposible. "Gran parte de esa variación depende del bailarín, el 'Caballero', que sostiene al Hada de Azúcar para que ella pueda hacer los equilibrios, levantamientos y giros muy lentos," señala Hollander. "Ella da unos enormes saltos en diagonal donde corre hacia una esquina del escenario y directamente hacia el Caballero, para luego saltar en el aire y ser atrapada por él. Obviamente, es imposible que una sola persona logre todo eso. Entonces empecé a buscar las maneras en las que podíamos invertir eso de tal forma que la bailarina pudiera ser el Caballero y el Hada de Azúcar y que pudiera representar la captura y la caída. Descubrí maneras de crear tipos diferentes de equilibrio que generan la ilusión de estar en pareja, o usando las paredes. Después de eso tuvimos que descubrir cómo invertir todo ese contenido para generar una escena paralela: una versión más oscura y retorcida de la misma coreografía."
Mientras la adolescente Adelaide realiza esta variación en solitario, la adolescente Red lo está realizando de manera simultánea en otro espacio indefinido. Y por razones que no quedan claras, parecería que Red está haciendo esta ejecución en contra de su voluntad. Para la actuación de Red, relata Hollander, "buscamos cómo deshacer las cosas, invirtiendo el cuerpo y los movimientos de las piernas a los brazos y viceversa, imaginando que la cabeza miraba hacia atrás. Tratamos de imaginarnos cómo se vería o se sentiría si los ojos de alguien en realidad estuvieran ubicados en la parte posterior de sus omóplatos o en sus rodillas, y cómo eso distorsionaría y redirigiría el movimiento."
Esta no fue una hazaña pequeña e involucró una considerable cantidad de investigación. "Comencé tomando videos del grand pas de deux y los invertía, solo para ver cómo se vería ese movimiento," comenta Hollander. "Eso vuelve a la coreografía en movimientos imposibles, por todo el equilibrio, el salto y la delicadeza que hay en ello. Invertir un salto nunca va a parecer un aterrizaje. Tomé referencias de otras películas y coreografías y generé un video de El Cascanueces donde compilé imágenes y movimientos que tenían de todo un poco, desde escenas de The Exorcist hasta Death Becomes Her de Jerome Robbins, y de Men in Black. Entonces "cosí" estas escenas juntas para crear un Frankenstein de la coreografía que se adaptaría con la música de ese grand pas de deux para mantener la sensación de elevación hacia el clímax y el tono dramático."
Para ayudar a articular la idea y poder explicársela a los demás, Hollander apareció con una vívida descripción de la dinámica entre las adolescentes Adelaide y Red. "Las visualicé como si estuvieran conectadas por imanes, y la adolescente Red estuviera precisamente debajo del escenario donde Adelaide está bailando," continúa Hollander. "En esa situación, la adolescente Red estaría siendo arrastrada alrededor, como una marioneta que es controlada por una fuerza superior a ella, aunque conservaría alguna influencia y poder de decisión. Tuvimos que averiguar cómo balancear estas fuerzas opuestas en la coreografía."
Tomando como base esa elaborada coreografía, Hollander trabajó con McCoy para agregarle algunos elementos en la ejecución para volver la escena incluso más perturbadora y emocional. "Trabajamos con Ashley para sacar a relucir este movimiento distorsionado, muy explosivo, extraño y que además se ejecuta al revés," comenta Hollander. "Improvisamos mucho. De vez en cuando, en el medio de la secuencia, le pedía que se detuviera; o que solo caminara; o que dirigiera su mirada hacia el público. Esto me lo pidió Jordan y su dirección jugó un importante papel en cómo se ve y se siente esa escena. Quería tener esos momentos donde la adolescente Red se detuviera y se preguntara dónde estaba. Interrumpiría la coreografía y solo miraría hacia afuera, aun cuando la música siguiera sonando. De repente volvería a la coreografía y sería arrojada de nuevo. El proceso fue increíble."
Los Atados
Por razones misteriosas, los Atados no se mueven exactamente igual que los miembros de la familia Wilson. Hollander necesitó crear un nuevo lenguaje corporal para ellos. "Para las réplicas desarrollamos una lista de movimientos que flotaban en un espacio entre la criatura y el animal, el humano y la compasión, pero también eran absolutamente desconocidos, todos al mismo tiempo," relata Hollander. "Para cada uno de los personajes teníamos un vocabulario de referencias que se alineaban conceptualmente con sus personajes."
Adelaide
La conexión de Adelaide con el baile no terminó en sus años de adolescencia, así que Hollander necesitaba incorporar esa historia en sus movimientos de adulta. "En la adolescencia, Adelaide fue bailarina de ballet y Jordan quería que en su etapa adulta conservara remanentes de ese entrenamiento, como los que tienen los bailarines reales," relata Nyong'o. "Así que empecé a tomar lecciones de baile porque es una forma de arte muy precisa. Si bien fue un desafío, se convirtió en algo invaluable. Las bailarinas de ballet experimentan el mundo de una manera muy aterrizada. Cuando piensas en el ballet, piensas que es elevado y casi etéreo, además de frágil. Pero la verdad es que para llegar a ese lugar donde todo parece que se hace sin esfuerzo, se requiere de una fuerte conexión a tierra."
Hollander trabajó con Nyong'o en la manera en que se movería y reaccionaría una persona que ha recibido ese entrenamiento; cómo se pondría de pie o se recostaría en la playa - incluso cómo se referiría al ballet cuando hablara de él en una conversación casual. "Trabajamos en su postura, en sus hombros y en la manera en que sostiene la cabeza," señala Hollander. "Las bailarinas de ballet tienen una forma de sostenerse que hace parecer que la espina dorsal es una línea recta que va desde lo más alto de la cabeza y a lo largo de toda la columna vertebral. Eso se puede desactivar en la vida diaria, pero se vuelve una postura predeterminada ante un estado de alarma o alerta máxima. Su cuerpo reaccionaría de manera diferente en una situación de esa naturaleza en comparación con el cuerpo de una persona que no baila. Los reflejos y estados de relajación de los bailarines de ballet son muy diferentes de los que no son bailarines."
El entrenamiento de ballet que recibió Adelaide, de hecho, terminó inspirando un momento crucial en una de las escenas más peligrosas de la película. Después de que los Atados llegan a la casa de los Wilson y toman a la familia como rehenes, Red esposa a Adelaide a una mesa de centro con una cubierta de vidrio. Adelaide no puede usar sus manos, pero puede ver un atizador de fuego que está fuera de su alcance junto a la chimenea, que podría usar para liberarse. "Las bailarinas son muy coordinadas con sus pies," comenta Hollander. "Entonces Adelaide lo alcanza con el pie y lo agarra con sus dedos. Eso es algo que una bailarina de ballet haría sin pensarlo dos veces."
A lo largo del proceso de la realización de Nosotros, Hollander fue cautivada por el compromiso de Peele de que cada detalle saliera perfecto. "Trabajar con Jordan ha sido una experiencia increíble," comenta Hollander. "Él es realmente accesible. Me sentía muy cómoda cuando le presentaba alguna idea; él la recibía y después me daba una respuesta honesta acerta de si debíamos movernos o no en cierta dirección. Había una comunicación perfecta y un diálogo contínuo. Realmente valoré que le importara la continuidad y la precisión de todo, desde el trabajo del ballet y el movimiento hacia el escenario, el vestuario, la sincronización y los personajes. Fue un muy riguroso proceso en tres dimensiones, y la apertura de Jordan hacia la colaboración fue inspiradora y poco común."
LA MÚSICA
Dualidad y Desacuerdos
Los secretos de la banda sonora deNosotros
Para crear una música inigualable, como ninguna otra que se haya creado antes para una película, Peele recurrió a Michael Abels, el compositor de Get Out. "Michael es absolutamente capaz de crear sonidos que realmente tienen la habilidad de asustar al público," comenta Peele. "Es capaz de tocar en lo familiar y en lo desconocido al mismo tiempo, lo que ayuda a darle a la película su propio carácter, pero su música no es tan loca y extraña como para sacar al público de la experiencia que está viviendo. Michael tiene un conjunto de habilidades increíbles y un dominio maravilloso de muchos géneros musicales diferentes. Así que pudimos encontrar un híbrido, que es un nuevo sonido. También contábamos con grandes grabaciones de Get Out. Además, es el hombre más amable del mundo y no conoce el ego, lo cual es una cualidad maravillosa para un colaborador."
Abels aceptó sin dudarlo. "Jordan me contó la idea para Nosotros incluso antes de que escribiera el guión, y fue uno de esos conceptos donde tu mente solo se llena de posibilidades," relata Abels. "Como artista, cada vez que escuchas una idea que te inspira, se convierte en algo en lo que quieres involucrarte."
Para iniciar el proceso de componer un sonido customizado para Nosotros, Peele le pidió a Abels que creara un himno para los Atados. "Le pedí que empezara con el himno, y entonces trabajaríamos a partir de eso como si fuera un sonido para el mundo," comenta Peele. "Le di una descripción bastante intrincada de cómo debería sonar el himno. Tenía que ser esperanzador pero 'desorientado,' que sonara familiar y desconocido al mismo tiempo. En última instancia, tenía que sonar como la parte oscura de los Estados Unidos, de nuestro himno nacional, y de nuestro orgullo nacionalista. Que representara el lado débil, los pecados de los estadounideses. Que fuera como la réplica de nuestra cultura."
También le dio a Abels un último mandato crítico. "Jordan me dijo que lo más importante era que tenía que dar más miedo que el diablo," agrega Abels, y se ríe. "En realidad, lo expresó con más fuerza que eso." Así que rápidamente se puso a trabajar. "En la música, lo que define al 'miedo' es lo desconocido," señala Abels. "son las cosas que no podemos poner en su lugar, las que no esperamos, aquellas que nos llevan a ese lugar de miedo."
Pero encontrar un nuevo sonido que pueda evocar un miedo real no es ninguna hazaña. "Realmente queríamos aterrorizar a la audiencia, así que teníamos que encontrar algo que fuera inesperado," dice Abels. "Estaba buscando un sonido que le llegara de manera equivocada." Se ríe. "Es un desafío encontrar algo que no se haya visto antes o no se haya hecho exactamente de esta manera."
Para el himno, a Abels se le ocurrió la idea de utilizar elementos corales. "A Jordan le encantan los sonidos de las voces, y la voz humana es un instrumento increíblemente expresivo con el que cualquiera puede relacionarse," comenta Abels. "Las voces también son capaces de crear sonidos realmente aterradores, así que las usamos a lo largo de la película. El himno suena un poco más como una marcha de personas preparándose para la batalla, tal vez para un levantamiento, pero los sonidos no están en un lenguaje reconocible. En otras partes de la película hay efectos vocales con hombres cantando 'grrrr' y mujeres dando suspiros de desesperación, una clase de sonidos muy extraños. Están diseñados para asustar a la gente." Se ríe. "Hay varias escenas en las que esas voces te llevan a otro lugar y te hacen sentir incómodo. Las voces son emocionalmente muy evocadoras, por lo que a veces un efecto de sonido vocal puede comunicar una emoción de una manera que ninguna palabra u otros instrumentos podrían hacerlo."
A Peele le encantó. "Michael hizo un viaje corto, y la primera pista que me mandó fue el himno," dice Peele. "La primera vez que lo escuchas, sientes algo así como, 'Oh, no ¿Qué? No, no puede hacer eso.' Entonces, conforme lo escuchas una y otra vez se vuelve más familiar y la reacción se normaliza. Esa es mi cualidad favorita para las bandas sonoras de las películas de terror: lo sientes en la canción de cuna de Rosemary's Baby, en Nightmare on Elm Street, en todas las bandas sonoras de Angelo Badalamenti. En este punto de partida, el sonido en la película se siente como si proviniera de una cultura diferente. Hay algo desconocido e 'incorrecto' al respecto, pero también es sumamente edificante. Hay positividad en ello. Esta película trata de la dualidad en todas sus diferentes formas, por lo que se trata de encontrar lo que da miedo incluso dentro de esta hermosa, positiva y esperanzadora paleta de posibilidades"
A partir de ese momento, Abels trabajó en la creación de toda la banda sonora, desde la perspectiva de una filosofía detallada sobre cómo la música debe y no debe usarse para ayudar a la audiencia a navegar en el terreno emocional de una película. "La música de las películas, puesto que se trata de emoción y acción, puede presagiar mejor que cualquier otro elemento," afirma Abels. "Para asustarse mucho, sin embargo, no debe haber ningún presagio, porque entonces arruinará la escena. Pero si no incluimos un presagio, es posible que el público no sienta la tensión de la situación."
Por ejemplo: "Al principio de la película hay escenas donde el personaje de Adelaide se siente inquieta, y no sabemos la razón," comenta Abels. "La música en una escena si anuncia un presagio, y eso nos ayuda a comprender que aunque ella está con su familia en lo que parecen ser unas vacaciones en la playa, algo no está del todo bien. Sin embargo, más adelante, cuando las cosas comienzan a tranquilizarse, hay algunos momentos realmente aterradores donde no quisimos advertir al público, entonces la música no puede anunciarlos. De hecho, hay varios casos específicos donde la música no ofrece presagios en absoluto, y eso fue deliberado. Jordan y yo conversamos mucho acerca de la sincronización, sobre cuándo sí y cuándo no mostrar nuestras cartas a la audiencia."
Peele añade: "algo único de esta banda sonora es que es sumamente dinámica y representa la dualidad en muchos aspectos. Explora lo atrevido, lo escandaloso y lo fuerte, y abraza los silencios por igual. Y las voces en ella conjuran algo tanto humano como sobrenatural."
La instrumentación
Al igual que lo hizo con la música de Get Out, Abels ancló la banda sonora de Nosotros en las cuerdas, pero con algunas diferencias significativas. "La base de esta música es una orquesta de cuerdas, pero a menudo no están tocando de la forma en que se esperaría," comenta Abels. "Están tocando muy cerca del puente, con la base del arco, así que lo que más escuchas es cómo raspa la cuerda en lugar del sonido de la nota. Hay momentos en que están tocando clusters. Los clusters son acordes musicales compuestos de semitonos consecutivos distintos, que están muy juntas en el pentagrama, pero que no es adecuado que estén juntas, y que se tocan al mismo tiempo para crear un sonido feo."
"Hay otras técnicas extendidas que usa la orquesta en las que quizás ni siquiera sepas que un instrumento de cuerda es el que está emitiendo el sonido," continúa Abels. "Utilizamos además un instrumento virtual que se llama tambor Propanium, que suena parecido a un barril de aceite, pero que está afinado. Genera este sonido metálico de baja calidad, pero también puedes reproducir melodías en él. El tambor Propanium tiene un sonido que es a la vez extraterrestre, pero no electrónico o científico. Es un sonido que no puedes modificar, así que funciona muy bien en esta película. Traté de elevar el nivel del miedo en Nosotros. Para mi, Get Out, es más que un thriller y cerca del final de la película es cuando las cosas se ponen realmente feas." Se ríe. "En Nosotros, las cosas empiezan a complicarse mucho más rápido."
La banda sonora cuenta con la reconocida violinista, la solista MELISSA WHITE, que interpreta los temas de Adelaide y Red. "He trabajado con Melissa de manera intermitente durante más de diez años," relata Abels. "Tiene un talento maravilloso y ha preparado un par de mis obras de concierto. También escribo música para orquesta y concierto, y ella ha sido parte de un par de presentaciones de estrenos que han sido esenciales para mi. Ella brinda una gran calidad artística y es un placer trabajar con ella. Además es una mujer afroamericana, y eso para mi es importante. Así como Jordan Peele está ayudando a Hollywood a descubrir cómo hacer que la diversidad deje dinero en la taquilla, y como la industria está tratando de ser más inclusica detrás de las cámaras, quiero que cuando los jóvenes escuchen la música de esta película y escuchen la interpretación de Melissa, sepan que estas carreras musicales también están disponibles para ellos."
Para White, la oportunidad de interpretar una banda sonora tan única, que además acompañará a Nyong'o en la pantalla, fue un escenario de ensueño. "Como parte del público, siempre he disfrutado viendo a Lupita en el cine, pero tocar frente a su actuación en la pantalla y sentir que estamos colaborando de una manera especial es muy intenso," comenta White. "Es inspirador ver a su personaje y sentir que lo estoy apoyando desde el punto de vista de la música. Era un personaje muy enojado, y disfruté la experiencia. Me gustó ir en contra de la 'pauta' que representa el violín, que suele representar lo tranquilo, bonito y romántico. Interpretar esta banda sonora me permitió sacar mucha potencia, energía y contraste en mis tiros de arco, que fue muy divertido."
Aunque la banda sonora está diseñada para aterrorizar, una de las secciones favoritas de Abels fue la de una escena con Elisabeth Moss, que interpreta a Kitty Tyler. "Al conjunto musical le encantó tocar las notas de una sección en particular de la partitura, donde Kitty está frente a un espejo. Para esa escena le pedí a las cuerdas que me brindaran su sonido más romántico y lujoso, con gotas de chocolate." Se ríe. "Por supuesto, ese hermoso sonido se usa de una manera que solo Jordan podría retorcerlo, así que después de una sesión de música disonante, fue un alivio para la sección de cuerdas cuando terminó el día de grabaciones."
Está emocionado porque el público finalmente la escuche. "Espero que estén bien asustados, pero también quiero que superen el sonido que hemos logrado con esta banda sonora," dice Abels. "Es muy íntima. La grabamos con mucha menos reverberación que la que normalmente habría en una partitura. A nivel de sonido, eso significa que en lugar de sonar como si estuviera a una distancia más lejana, suena mucho más cerca de ti. Es apropiado para esta película porque la acción y el terror están frente a tu cara. La intimidad del sonido realmente ayuda a retratar ese mundo de manera efectiva."
Peele espera que escuchen todo eso, y tal vez algo más. "Quiero que el público sienta que está presenciando algo de suma importancia, una especie de retroceso hacia el cine clásico," afirma Peele. "Pero también quiero que se sientan un poco desilusionados, y de cierta manera, empujados hacia un nuevo espacio auditivo. Esta pieza de Michael es absolutamente hermosa."
Universal Pictures Presenta, en asociación con Perfect World Pictures, una Producción de Monkeypaw de una película de Jordan Peele: Nosotros, estelarizada por Lupita Nyong'o, Winston Duke, Elisabeth Moss y Tim Heidecker. En la cinta también actúan Shahadi Wright Joseph, Evan Alex, Yahya Abdul-Mateen II, Anna Diop, Cali Sheldon y Noelle Sheldon, y presenta a Madison Curry. La selección del elenco corrió a cargo de Terri Taylor, CSA; la música la compuso Michael Abels, y el vestuario lo diseñó Kym Barrett. Nosotros la editó Nicholas Monsour. La diseñadora de producción fue Ruth De Jong y el director de fotografía es Michael Gioulakis. Los productores ejecutivos son Daniel Lupi y Beatriz Sequeira. La película es producida por Sean McKittrick, p.g.a, Jason Blum, e Ian Cooper, p.g.a. Nosotros fue escrita, dirigida y producida por Jordan Peele. Un estreno de Universal Pictures, ©2019 Universal Studios.
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ACERCA DEL REPARTO
LUPITA NYONG'O (Adelaide Wilson/Red) hizo su debut cinematográfico en 12 Years a Slave, la película de Steve McQueen que ganó el Premio de la Academia®donde actuó junto a Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender y Brad Pitt. Por su interpretación del papel de Patsey, Nyong'o ganó el Premio de la Academia® en la categoría de Mejor Actriz de Reparto, así como otros múltiples galardones entre los que se encuentran el Premio del Sindicato de Actores de los Estados Unidos, el Premio de la Crítica Cinematográfica de los Estados Unidos, el Premio Independent Spirit, el Premio NAACP (National Associaton for the Advancement of Colored People) y el Hollywood Film Award en la categoría de Actriz Revelación en 2013.
Recientemente Nyong'o interpretó el papel de Nakia en Black Panther, la película de Marvel nominada al Oscar® que ha roto numerosos records de taquilla desde su estreno en febrero de 2018. Ryan Coogler dirigió la cinta que fue coprotagonizada por Chadwick Boseman, Michael B. Jordan, Daniel Kaluuya, Letitia Wright y Danai Gurira. El elenco ganó el Premio SAG a la Mejor Actuación y la actuación de Nyong'o la hizo acreedora a una nominación al Premio NAACP a la Mejor Actriz de Reparto en una Película para Cine.
En el futuro cercano veremos a Nyong'o interpretar el papel de Miss Caroline en la comedia zombie australiana de terror Little Monsters, donde actuará al lado de Josh Gad y Alexander England. Abe Forsythe escribe y dirige la película, cuya premier se llevó a cabo en el Festival de Cine de Sundance en enero de 2019 y que se estrenará más adelante este mismo año en las plataformas Hulu y NEON.
Nyong'o participará en la cinta Born a Crime, el biopic basado en el best seller de Trevor Noah del New York Times del mismo nombre. Nyong'o interpretará a Patricia Noah, la madre de Trevor. La película será producida por Noah a través de su compañía Angel Ark Productions en sociedad con Norman Aladjem de Mainstay Entertainment, Derek Van Pelt, Sanaz Yamin y la propia Nyong'o.
Junto a Jessica Chastain, Marion Cotillard, Penélope Cruz y Fan Bingbing, Nyong'o va a actuar en el thriller de espías 355, una película protagonizada solo por mujeres y producida por Freckle Films, la compañía de producción propiedad de Chastain. La cinta es un drama de agentes secretos que promete una aventura trepidante, donde estas cinco mujeres son espías de diversas agencias internacionales que hacen equipo para combatir sospechas y conflictos mientras se enfrentan a una organización mundial que pretende volver al mundo un caos. Universal compró la cinta en el Festival de Cannes.
Nyong'o también actuará al lado de Viola Davis en la película de TriStar Pictures The Woman King, inspirada en los eventos reales que tuvieron lugar en el Reino de Dahomey, uno de los más poderosos estados africanos en los siglos XVIII y XIX; la cinta relata la historia de Nanisca (Davis), la generala de la unidad militar femenina conocida como las Amazonas y de su hija Nawi (Nyong'o), quienes juntas enfrentaron a los franceses y a las tribus colindantes que violaban su honor y esclavizaban a su pueblo.
Nyong'o ha acordado producir y estelarizar la adaptación a la pantalla de la novela best seller de Chimamanda Ngozi Adichie titulada Americanah, la profunda historia de amor que se extiende a tres continentes de Ifemelu y Obinze, una pareja de nigerianos que enfrentan las dificultades étnicas y de identidad que viven lejos de su hogar, y cuando están separados. Danai Gurira escribirá esta miniserie.
En 2016 Nyong'o actuó en Queen of Katwe de Mira Nair al lado de David Oyelowo y Madina Nalwanga. Basada en el libro best seller del mismo nombre, esta película de Disney es la conmovedora historia verdadera de Phiona Mutesi, quien supera la pobreza más infame para convertirse en una máster internacional del ajedrez. Su interpretación del papel de Harriet, la fuerte y al mismo tiempo amorosa madre de Phiona, la hizo acreedora a una nominación al Premio NAACP a la Mejor Actriz en una Película para Cine.
Ese mismo año Nyong'o prestó su voz al personaje de Raksha en la película de Jon Favreau The Jungle Book, donde colaboró junto a Scarlett Johansson, Idris Elba, Bill Murray, Sir Ben Kingsley y Christopher Walken.
Nyong'o recibió una nominación al Tony por su debut en Broadway en 2016 en la obra Eclipsed, de Danai Guriri, que relata la historia de cinco extraordinarias mujeres que se unen debido a la convulsión ocasionada por la guerra en su tierra natal, Liberia. Antes de presentarse en Broadway, la obra tuvo una corrida limitada en The Public Theater de Nueva York. Eclipsed fue nominada para otros cuatro Premios Tony incluyendo Mejor Obra de Teatro, y lo ganó en la categoría de Mejor Diseño de Vestuario.
En diciembre de 2015 Nyong'o actuó en Star Wars: The Force Awakens de J.J. Abrams al lado de Harrison Ford, Daisy Ridley, John Boyegay Oscar Isaac. Nyong'o trajo a la vida a Maz Kanata, un personaje creado con la técnica de captura de movimiento. La película la estrenó Disney en diciembre de 2015. Repitió dicho papel en Star Wars: The Last Jedi, escrita y dirigida por Rian Johnson, que Disney estrenó en diciembre de 2017.
Nyong'o fue la creadora, directora, editora y productora del documental In My Genes que ganó premios. Este documental relata la historia de ocho mujeres y hombres kenianos que tienen un factor en común: nacieron con albinismo, una condición genética que ocasiona la falta de pigmentación. En muchas zonas del mundo, Kenia incluída, ésta es una condición que marginaliza, estigmatiza e incluso pone en peligro a aquellas personas que la padecen. Puesto que es altamente visible en una sociedad que es predominantemente de raza negra, la realidad de vivir con albinismo se vuelve invisible para la mayoría de las personas. A través de sus retratos íntimos, Nyong'o le permite a los espectadores ser testigos de los desafíos de los protagonistas, de su humanidad y de sus triunfos cotidianos.
En 2019 Simon & Schuster Books publicará Sulwe, el primer libro escrito por Nyong'o. La discriminación, o el trato preferencial que reciben aquellas personas cuya piel tiene un color más claro, es un hecho evidente alrededor del mundo que impacta a los niños desde que son pequeños. La propia Nyong'o ha padecido los dañinos efectos de la discriminación y ha hablado acerca de cómo eso dañó su propia imagen cuando era niña. En Sulwe, un libro ilustrado para niños, ella comparte con franqueza las consecuencias de crecer en un mundo que favorece a aquellas personas con pieles de color clara, y nos ofrece una historia reconfortante que va a entretener a los niños de todas las culturas mientras les relata un cuento que los ayudará a encontrar la belleza en ellos mismos y en los demás.
Nyong'o se graduó del programa de actuación en la Escuela de Drama de Yale donde consiguió créditos adicionales actuando en teatro, interpretando el papel de Perdita en The Winter's Tale (en el Yale Repertory Theater); el papel de Sonya en Uncle Vanya; a Katherine en The Taming of the Shrew; y participó en la producción original que hizo Michael Mitnick de la obra Elijah.
Nyong'o vive en Nueva York.
WINSTON DUKE (Gabe Wilson/Abraham) hizo su debut en el cine en Black Panther, la película con mayor recaudación en taquilla de 2018 que la ubicaron en el tercer lugar de ingresos en taquilla de todos los tiempos en los Estados Unidos. Duke interpretó a uno de los personajes favoritos de los fans: M'Baku, el líder de la Tribu Jabari y finalmente, un valioso aliado del Rey T'Challau.
Duke repitió el papel de M'Baku en la película Avenger's: Infinity War. Los próximos proyectos de Duke incluyen un papel estelar en la película en cuestión, Nosotros, la muy esperada cinta de Jordan Peele que estrenará en marzo de 2019.
Entre otros de sus proyectos se encuentran el drama de crimen Wonderland de Netflix que coestelariza con el actor nominado al Premio de la Academia® Mark Wahlberg, y el thriller de acción Heroine de Paramount Pictures.
Duke ha recibido numerosos reconocimientos tales como el Premio Breakout en el Festival de Cine de la Savannah de 2018 y fue destacado como uno de los diez mejores actores en la edición "Next Generation" de The Hollywood Reporter.
Además de actuar, Duke es un defensor del movimiento HeForShe y recientemente emitió un llamado global a tomar acciones por la igualdad de género durante la Cumbre de la Iniciativa IMPACTO de HeForShe de las Naciones Unidas. Es además miembro de la Asociación para la Diabetes de los Estados Unidos, cuyo objetivo es iniciar un diálogo a nivel nacional acerca de la diabetes-una enfermedad que impacta a cerca de la mitad de la población adulta en ese país.
Duke nació en Trinidad y Tobago y se recibió de una licenciatura de letras en teatro en la Universidad de Búfalo y de una maestría en bellas artes en la Escuela de Drama de Yale.
ELISABETH MOSS (Kitty Tyler) se encuentra en etapa de producción de la tercera temporada de The Handmaid's Tale, la serie dramática de Hulu ganadora del Premio Emmy, basada en la aclamada novela de Margaret Atwood del mismo nombre, de la que también es productora ejecutiva. Entre los muchos honores y reconocimientos que ha recibido por sus actuaciones en este programa se encuentran un Premio Emmy y un Globo de Oro a la Mejor Actriz en una Serie Dramática.
En cine, además de actuar en Nosotros con Lupita Nyong'o y Winston Duke, la segunda película de Jordan Peele, es la protagonista y productora ejecutiva de la cinta Her Smell, donde trabajó en colaboración por tercera vez con el guionista y director Alex Ross Perry. Hacia finales de 2019 participará en The Kitchen, una adaptación de la serie de cómics de crimen de DC/Vertigo del mismo nombre, en la que actuará al lado de Melissa McCarthy y Tiffany Haddish, de la guionista y directora Andrea Berloff.
Hace poco tiempo concluyó la producción de Shirley, película que también produce, donde actúa con Michael Stuhlbarg. Dirigida por Josephine Decker, la cinta relata la historia de una joven pareja que se muda a vivir con la famosa novelista Shirley Jackson con la esperanza de iniciar una nueva vida, pero en su lugar se encuentran con elementos que incitan a un psicodrama que se vuelve la inspiración para la siguiente gran novela de Jackson. Próximamente estelarizará y producirá el filme Call Jane, una historia verdadera situada en Chicago en la década de 1960 acerca de una red clandestina de mujeres suburbanas que de manera secreta facilitaban la opción de tener abortos seguros antes de la decisión histórica de Roe vs. Wade, que despenalizara el aborto inducido en los Estados Unidos.
Entre otros de sus créditos en cine se encuentran The Old Man & the Gun con Robert Redford y Casey Affleck; The Seagull, basada en la obra clásica de Chéjov dirigida por Michael Mayer, que coestelariza con Annette Bening y Saoirse Ronan; The Square, la película nominada al Premio de la Academia® en la categoría de Mejor Película Extranjera del director danés Ruben Östlund, que también ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2017; Mad to Be Normal, en la que actuó con David Tennant; el cortometraje Tokyo Project, dirigido por Richard Shepard, donde actuó con Ebon Moss-Bachrach; Chuck, con Liev Schreiber; High-Rise, una cinta dirigida por Ben Wheatley, con sus coprotagonistas Tom Hiddleston, Sienna Miller y Jeremy Irons; Truth, con Cate Blanchett y Robert Redford; Queen of Earth, escrita y dirigida por Perry; The One I Love, que coestelarizó con Mark Duplass; Listen Up Philip, dirigida por Perry que coprotagonizó con Jason Schwartzman; On the Road, la adaptación de Walter Salles de la novela clásica de Jack Kerouac; Get Him to the Greek; The Missing; Girl, Interrupted; y Virgin, película por la que fue nominada a un Premio Independent Spirit en la categoría de Mejor Actriz.
En televisión, Moss se encuentra desarrollando la serie limitada Fever, que va a protagonizar y de la que será productora ejecutiva, basada en la novela de Mary Beth Keane y que relata la historia de la primera persona sana portadora de la fiebre tifoidea que fuera conocida como "Mary Tifoidea" mientras esparcía la enfermedad por la floreciente metrópoli a principios del siglo XX en Nueva York.
Otros créditos de Moss en televisión incluyen la muy aclamada miniserie de Jane Campion Top of the Lake, por la que recibió un Globo de Oro y un Premio de los Críticos de Televisión de los Estados Unidos a la Mejor Actriz en una Película o Miniserie, así como nominaciones al Premio Emmy y al SAG en la misma categoría. A esta colaboración le siguieron Top of the Lake: China Girl; la serie ganadora de premios Mad Men, donde interpretó el papel de Peggy Olson y recibió seis nominaciones al Premio Emmy, una nominación al Globo de Oro y ganó dos Premios del Sindicato de Actores de Televisión de los Estados Unidos; y The West Wing, el drama ganador de premios y aclamado por la crítica de Aaron Sorkin, donde tuvo el rol de Zoey Bartlet, la hija de Martin Sheen, que interpretaba al presidente de los Estados Unidos.
Moss actuó en teatro en The Heidi Chronicles, la nueva puesta en escena en Broadway que hizo Wendy Wasserstein de la obra ganadora de un Premio Pulitzer y de un Tony. La interpretación que hizo Moss de ese papel protagónico la hizo acreedora a una nominación al Tony, así como a nominaciones a un Premio Drama League y a un Premio del Círculo de Críticos Externos (fuera de Broadway). Otros de sus créditos en teatro incluyen The Children's Hour en el West End de Londres, donde actuó al lado de Keira Knightley; la nueva puesta en escena en Broadway de la obra de David Mamet Speed-the-Plow, que estelarizó con William H. Macy; y su debut en el Teatro New York con la compañía Atlantic Theater Company en la obra Franny's Way.
TIM HEIDECKER (Josh Tyler) nació y creció en Allentown, Pensilvania. Cuando estudiaba el primer año en la Universidad Temple conoció a Eric Wareheim, con quien empezó a trabajar en cortometrajes y extrañas piezas de comedia sin sentido. Una de sus primeras creaciones fueTom Goes to the Mayor, que participó en varios festivales de cine. Entusiasmados por el éxito de Tom, Heidecker y Wareheim empezaron a enviar grabaciones a sus comediantes favoritos en Hollywood, entre los que se encontraba Bob Odenkirk, a quien le encantó lo que vio y los ayudó a desarrollar sus ideas para convertirlas en programas de televisión.
A través de una reunión casual lograron que sus materiales llegaran a las manos de Mike Lazzo, vicepresidente senior de Adult Swim, a quien le gustaron mucho e inmediatamente recibieron los fondos para desarrollarlos. Heidecker y Wareheim usaron parte del dinero para mudarse a Hollywood, donde trabajaron en el desarrollo de dos temporadas con un total de 30 episodios de Tom Goes to the Mayor.
Heidecker y Wareheim continuaron haciendo equipo-su siguiente programa fue Tim and Eric Awesome Show, Great Job!, que estuvo al aire durante cinco temporadas en Cartoon Network (en 2017 fue su décimo aniversario.) Además crearon un programa derivado del original que protagonizó John C. Reilly titulado Check It Out! with Dr. Steve Brule (estuvo cuatro temporadas al aire). En 2012 Heidecker y Wareheim coescribieron, dirigieron y protagonizaron su primera película para cine: Tim and Eric's Billion Dollar Movie, producida por Will Ferrell y Adam McKay.
En 2013 Heidecker y Wareheim crearon Tim and Eric's Bedtime Stories, una serie de antologías oscuras estilísticas que nacen de su comedia habitual. La temporada uno presentó estrellas invitadas, entre las que se encuentran Reilly, Odenkirk, Jason Schwartzman y Zach Galifianakis. Se transmitieron subsecuentes especiales en Cartoon Network en otoño de 2015 y la temporada dos, en 2017.
Junto con Eric y Dave Kneebone, Heidecker dirige la empresa Abso Lutely Productions; son el equipo de producción detrás de algunos de los programas más originales y emocionantes de la televisión tales como los ya mencionados Tim and Eric's Bedtime Stories y Check It Out! with Dr. Steve Brule; y W/ Bob & David, Comedy Bang! Bang!, Nathan For You, The Eric Andre Show, y Decker, entre otros. Abso Lutely también produce la serie en línea de crítica de cine, "On Cinema."
Junto con Gregg Turkington, Heidecker creó y protagonizó Decker y "On Cinema." La quinta temporada de Decker: Unclassified salió al aire en Cartoon Network en la primavera de 2017 con una transmisión en vivo de prueba (las tres primeras temporadas estuvieron disponibles exclusivamente en línea).
Heidecker y Wareheim han dirigido comerciales para clientes globales como Google, Old Spice, Jet.com, Milk, Wrigley's, Totino's, Red Stripe, GoDaddy (presentando a Jon Lovitz) y un comercial de Boost Mobile que se estrenó durante la transmisión del partido del Super Bowl XLIV. Su falso infomercial de los nuevos focos (lámparas, bulbos) inteligentes de LED de GE presentado por Jeff Goldblum los hizo acreedores a un premio One Screen por el Mejor Contenido de una Marca, además de un Lápiz de Oro en la categoría de Televisión de Productos de Consumo y un Lápiz de Plata en la categoría de Realización de Video y Escritura de Guiones en la Entrega de Premios de la Asociación Global de Publicidad Creativa y Diseño de 2015. Regresaron a la transmisión del partido del Super Bowl en 2015 con un muy elogiado spot de televisión del súper pegamento de la marca Loctite. Su comercial de televisión HomeAway ganó Bronce en los Premios CLIO a la excelencia en logros publicitarios en 2016.
Heidecker ha actuado en Eastbound & Down, The Comedy, Bridesmaids, Portlandia y en otras películas en cine y programas de televisión. Un papel en Moonbase 8, producida por Abso Lutely en la que actuará con Fred Armisen y Reilly, está entre sus futuros proyectos.
Aunado a lo anterior, Heidecker es músico. Estrenó su primer álbum como solista titulado In Glendale en mayo de 2016 bajo el sello Jagjaguwar de Rado Records, y una compilación de música relativa al panorama político actual titulado Too Dumb for Suicide: Tim Heidecker's Trump Songs en 2017. Antes de estos álbumes como solista, había estrenado tres discos con el nombre de Heidecker &Wood con Davin Wood, quien es el compositor de todos los contenidos que han creado Heidecker y Wareheim.Después de la Convención Nacional de Demócratas y de la Convención Nacional de Republicanos de 2016, Heidecker y Vic Berger estrenaron programas especiales de dichas convenciones a través de la cadena de video en línea Super Deluxe.
SHAHADI WRIGHT JOSEPH (Zora Wilson/Umbrae) es la cantante, actriz y bailarina que hizo historia cuando a los nueve años se convirtió en la actriz más joven en interpretar el papel de Nala Joven en el musical de Disney The Lion King en Broadway y recientemente anunció que repetirá dicho rol junto a Beyoncé y a Donald Glover en el muy esperado remake de la película The Lion King, ahora en acción en vivo, que estrenará en cines en el verano de 2019. Está participando en los podcast de la serie Six Minutes, de Gen-Z Media.
Joseph inició su carrera como modelo en la publicidad impresa de Fisher-Price y empezó a aprender danza en el estudio Purelements: An Evolution in Dance cuando tenía dos años. En otoño de 2015, Joseph fue parte del reparto original en Broadway deSchool of Rock: The Musical de Andrew Lloyd Webber, donde interpretó el papel de Madison y también realizó de manera semipermanente el rol de Tomika. Sus actuaciones fueron reconocidas por el Comité de Teatro AUDELCO, y le otorgaron el Premio AUDELCO en la categoría de Joven Estrella en Ascenso en 2016.
El orgullo que sentía Joseph por formar parte de un musical nominado a un Tony y a un Premio Fred y Adele Astaire, trabajando con el legendario compositor Sir Andrew Lloyd Webber, solo se vio superado cuando se unió al elenco repleto de estrellas de la producción de la NBC tres veces ganadora del Emmy de Hairspray Live! (2016), donde actuó al lado de Jennifer Hudson, Harvey Fierstein y Ariana Grande, y por cuya actuación fue nominada a un Premio Young Artist Award.
Como vocalista ha prestado su voz para eventos artísticos y de recaudación de fondos para Radio Disney, The Broadway Star Project, el City Harvest, el United Negro College Fund, los Premios Young Entertainer, el White Plains Youth Bureau y la Escuela de Artes de Harlem. Mientras trabajaba en Los Ángeles, Joseph grabó su primer reproducción extendida (EP) de la temporada navideña titulada Love for the Holidays, y a partir de entonces estrenó el álbum The Remixes, que ahora está disponible en iTunes y en todos los grandes canales de distribución.
Joseph apoya mucho el empoderamiento de los jóvenes y en su comunidad se ha vuelto una mentora para los jóvenes aspirantes a actores e imparte clases en talleres de teatro musical programados cada bimestre en el estudio de actuación A Class Act NY. Usa su plataforma para motivar a las jóvenes para que tomen en consideración dedicarse a una carrera en el mundo del entretenimiento y que crean en sus sueños, afinen sus habilidades y dejen que sus talentos brillen con valentía. En destacadas coberturas mediáticas en las revistas Dance Spirit, In Style Houston y enEURweb, Joseph ha tenido la oportunidad de compartir sus aventuras, sus sueños y esperanzas; y de inspirar a las niñas para que corran riesgos, acepten su grandeza, crean en sus sueños y que permitan que sus talentos afloren con valor.
Brillante e ingenioso, EVAN ALEX (Jason Wilson/Pluto) es una estrella en ascenso de tan solo 10 años de edad. Nativo de Baltimore, Maryland, Alex se mudó a Tennessee con su madre, su hermana mayor Raigan y su hermano mayor Grant cuando solo tenía dos meses de nacido. Se enamoró de la actuación a los 6 años cuando su madre, que estaba buscando un espacio creativo para que él se desarrollara, lo inscribió en un campamento de teatro musical.
Tenía 7 años cuando su familia se mudó a California y a partir de ese momento decidió dedicarse a la actuación. Rápidamente fue seleccionado para ser el protagonista de una serie de cortometrajes que se exhibieron en numerosos festivales de cine. Muy pronto Alex hizo su debut en televisión en un episodio de Sesame Street y cuando tenía nueve años se graduó del campamento de comedia de The Laugh Factory. A partir de entonces ha sido seleccionado para participar en una variedad de videos musicales y en anuncios comerciales que se han transmitido a nivel nacional en los Estados Unidos y en series que se transmiten online, incluyendo dos temporadas en la serie de la cadena Brat titulada Mani, en Jimmy Kimmel Live! y en Kidding.
Hace poco Evan concluyó la filmación del cortometraje titulado Eight, en la que tuvo el primer papel, Tevin, un niño que está esperando reconectarse con su distanciado padre el día que él cumple ocho años. Eight es la primera producción de Ei8hth Wonder, la compañía que Alex inició con su madre y sus hermanos para escribir y producir contenido original.
Cuando no está trabajando, Alex disfruta jugando básquetbol con su hermano, de leer cómics DC & Marvel, de armar LEGOs, y de viajar con su familia. Tiene un don para la creación de historias originales y aspira a convertirse en un realizador de cine.
CALI SHELDON (Becca Tyler) es una joven de 16 años que estudia el primer año de preparatoria y es una gemela idéntica que siempre ha vivido en Los Ángeles. Tiene un hermano, dos perros y un gato. "Actuó" desde que era una bebé, apareciendo (al lado de su hermana gemela, Noelle) como Emma, la bebé de Ross y Rachel en Friends durante la última temporada y media del programa. Después de que terminó Friends, Cali siguió actuando en varios programas de televisión y cortometrajes; incluso compartió el papel principal con su hermana Noelle en la película Rougarou en 2016. Cali se siente emocionada de tener la maravillosa oportunidad de trabajar en Nosotros, y está muy ilusionada de poder continuar con su carrera en la actuación. Además de actuar, sus otras pasiones son la lucha (forma parte del equipo femenino en su preparatoria), ser parte de la organización Model United Nations, y vender pasteles para recaudar fondos. Este verano planea viajar a Haití para ayudar a construir una escuela con el dinero que ella y sus amigos han reunido de la venta de los pasteles. Cali es además la copropietaria de un negocio que inició hace dos años en la Young Entrepreneurs Academy que se llama Guilty Games, donde escribe fiestas de misterio de acción en vivo y los vende en línea.
NOELLE SHELDON (Lindsey Tyler) nació hace 16 años y ha crecido en Los Ángeles. Estudia el primer año de preparatoria y es una gemela idéntica. Vive con sus padres, su hermana gemela, su hermano, dos perros y un gato. Noelle siempre ha considerado a la actuación como parte de su vida, e inició cuando era una bebé, apareciendo (junto a su hermana gemela Cali) en Friends, haciendo el papel de Emma, la bebé de Ross y Rachel en la última temporada y media de la serie. Noelle continuó actuando después de Friends en otros roles en programas de televisión y en primeros papeles en numerosos cortometrajes entre los que se encuentran Maxwell, Cookie Jar, From Now On y Rougarou; en este último, Noelle compartió el estelar con su hermana Cali. Noelle está emocionada ante la oportunidad de continuar con su carrera de actuación y está feliz de que le hayan dado la oportunidad de trabajar en la película Nosotros. Además del amor que siente por la actuación, le encanta mirar Netflix y salir con sus amigos. Noelle también es muy buena horneando pasteles, y lo hace por diversión y para efectos de recaudar fondos. De hecho, tiene planes de viajar a Haití el próximo verano para ayudar a construir una escuela con el dinero que ella y sus amigos han reunido de la venta de pasteles durante los últimos años. A Noelle le encanta la escuela y es parte del equipo de la Olimpiada de Ciencias de la preparatoria. Asimismo, en los últimos dos años, Noelle es copropietaria con su hermana de un negocio llamado Guilty Games, donde escribe fiestas de misterio de acción en vivo y los vende en línea.
ACERCA DE LOS REALIZADORES
JORDAN PEELE (Guionista, Productor y Director) ganador de un Oscar® y un Emmy, escribió, produjo y dirigió Get Out, el blockbuster aclamado por la crítica que fuera reconocido con cuatro nominaciones al Premio de la Academia® en las categorías de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor e hizo acreedor a Peele al Oscar® al Mejor Guión Original. Peele se convirtió en la quinta persona afroamericana en recibir una nominación al Mejor Director y en el primero en ganar el Oscar® al Mejor Guión Original. A pesar de contar con un presupuesto limitado de $4.5 millones de dólares, la cinta recaudó más de $250 millones de dólares a nivel mundial.
Antes de Get Out, Peele fue el coprotagonista y cocreador del programa Key and Peele para Comedy Central. El programa de comedia-que desaprueba la cultura pop y los problemas sociales en los Estados Unidos, en particular aquellos relacionados con los temas raciales-recibió reconocimiento de la crítica y con el tiempo obtendría más de mil millones de visitas en línea. Ganó un Premio Peabody, un Premio American Comedy y recibió 12 nominaciones al Premio Emmy; Peele ganó un Emmy en la categoría de Mejor Serie de Comedia, Variedades o Musical.
En 2016 Peele y su coestrella Keegan Michael-Key trabajaron en colaboración en la película Keanu, una comedia de acción cuyo personaje central es un adorable gatito, que también fue coescrita por Peele. Entre 2003 y 2008, Peele fue parte del reparto durante cinco temporadas de Madtv de Fox, y recibió una nominación al Emmy por escribir las letras del video de parodia musical, "Sad Fitty Cent."
Peele fundó su propia compañía, Monkeypaw Productions, para defender perspectivas únicas y colaboraciones artísticas con voces tradicionalmente subrepresentadas, y al mismo tiempo sobrepasar los límites de la narrativa convencional a través del género. En la actualidad Monkeypaw se encuentra desarrollando numerosos programas y películas para televisión. Bajo la bandera de Monkeypaw, en 2018 Peele produjo BlacKkKlansman, la cinta de Spike Lee que recibió aclamación de la crítica y obtuvo una nominacion al Globo de Oro a la Mejor Película-Drama.
Ese mismo año Monkeypaw produjo la serie de Tracy Morgan The Last O.G., en TBS. El programa acaba de confirmar su segunda temporada. Monkeypaw desarrolló y está produciendo Lovecraft Country para HBO en sociedad con Bad Robot y Misha Green. Situada en el sur del país, en la época de las leyes Jim Crow, esta serie es un thriller antológico de ciencia ficción, que recupera la narración de historias de género desde la perspectiva afroamericana. Monkeypaw también está produciendo nuevos y originales episodios del memorable clásico de culto The Twilight Zone para CBS All-Access, en la que Peele tiene el rol de narrador, que originalmente corría a cargo de su creador, Rod Serling. En febrero de 2019 Monkeypaw produjo la docuserie Lorena, que presenta la historia real detrás de escandaloso caso de violencia doméstica de Lorena y John Wayne Bobbitt, que fue estrenado en Amazon.
Peele nació el 21 de febrero de 1979 en la ciudad de Nueva York y creció en el Lado Oeste Alto de Manhattan. Asistió al Sarah Lawrence College en Bronxville, Nueva York y se graduó en 2001, antes de mudarse a Chicago para dedicarse a la comedia. En esa ciudad estudió improvisación y se presentó en el Teatro ImprovOlympic y en The Second City, entre otros. Posteriormente se fue a vivir a Holanda para trabajar en el teatro de artes escénicas Boom Chicago de Amsterdam.
Peele vive en Los Angeles con su esposa, la comediante Chelsea Peretti. La pareja tiene un hijo.
SEAN MCKITTRICK, p.g.a. (Productor) es un experimentado productor y socio fundador de QC Entertainment. Por cerca de dos décadas, McKittrick ha apostado por las historias audaces y sus narradores en cada faceta de la producción cinematográfica, así como en los ámbitos del financiamiento de la producción y la distribución.
Desde su fundación en 2016, QC-las siglas en inglés de Quality Control-rápidamente se ha convertido en una compañía que se caracteriza por financiar y producir películas diferentes, inspiradas en los personajes e impulsadas por los directores. En el último año, QC ha estado detrás de dos de las películas más emblemáticas, socialmente relevantes y que han dado más de que hablar-Get Out y BlacKkKlansman-y cada una obtuvo múltiples reconocimientos; y McKitrick recibió nominaciones consecutivas a los Premios de la Academia® a la Mejor Película, habiendo sido el productor de ambas.
Entre otros proyectos recientes de QC que ha producido McKittrick se encuentran The Oath, la película que marca el debut como director de cine de Ike Barniholtz, basada en su guión original y protagonizada por él. La cinta es una ingeniosa reinvención de la comedia tradicional de vacaciones para nuestros actuales tiempos políticos divididos. Time Freak, una comedia de un viaje en el tiempo protagonizada por Asa Butterfield, Sophie Turner y Skyler Gisondo, basada en el cortometraje nominado al Premio de la Academia® del mismo nombre.
Otros de sus créditos recientes incluyen: el debut como director de Zoe Lister-Jones, Band Aid, que protagonizaron Lister-Jones, Adam Pally y Fred Armisen. QC financió, produjo y manejó las ventas y los acuerdos de distribución de la película con IFC Films para América del Norte y Sony Pictures Worldwide Acquisitions después de su premier mundial en el Festival de Cine de Sundance de 2017, donde participó en la sección de Competencia de Dramas Estadounidenses; y Pride and Prejudice and Zombies,escrita y dirigida por Burr Steers, un giro refrescante del clásico de Jane Austen que fue estrenado por Screen Gems.
QC va a producir y financiar un proyecto en asociación con el reconocido actor Sharlto Copley, es la película Sapien Safari, que marca el debut de Copley como director de cine. La comedia social está basada en un guión original de Copley, quien también coprotagoniza la cinta.
Antes de fundar QC, McKittrick y su socio, Edward H. Hamm Jr., crearon Darko Entertainment para producir y financiar a realizadores de cine con expresiones únicas, para apoyarlos de tal manera que sus películas extendieran el alcance de su audiencia. Entre la diversa gama de películas de Darko que McKittrick desarrolló, financió y produjo se encuentran: Bad Words, el debut como director de cine de Jason Bateman; The Box, protagonizada por Cameron Diaz, Frank Langella y James Marsden; Hell Baby, el debut como codirectores de los actores y guionistas Thomas Lennon y Robert Ben Garant, cuya premier mundial fue en el Festival de Cine de Sundance en 2013; la película aclamada por la crítica del escritor y director Goldthwait, God Bless America, protagonizada por Joel Murray; Jimi: All Is by My Side, escrita y dirigida por el ganador del Premio de la Academia® John Ridley; y World's Greatest Dad, con Robin Williams, ganador del Premio de la Academia® que se presentó en el Festival de Cine de Sundance.
McKittrick se graduó en UCLA y de inmediato desarrolló y produjo su primera película, Donnie Darko, cuando tenía 24 años. La cinta fue recomendada por el Festival de Cine de Sundance en 2001 y se ha convertido en una de las más exitosas películas de culto de la historia.
JASON BLUM, p.g.a. (Productor), fundador de Blumhouse Productions, ha sido dos veces nominado al Premio de la Academia® y es dos veces ganador del Primetime Emmy Award y del Premio Peabody en la categoría de productor. Su compañía multimedia es reconocida por ser la pionera de un nuevo modelo para un estudio de filmación: producir películas de alta calidad con presupuestos muy limitados.
Blumhouse es ampliamente reconocido como una fuerza impulsora en el renacimiento del terror contemporáneo. Sus blockbusters de 2017: Split de M. Night Shyamalan y GetOut de Jordan Peele, cuyos presupuestos combinados eran inferiores a los $15 millones de dólares, acumularon más de $500 millones de dólares en taquilla a nivel global. Además, Get Out fue nominada para cuatro Premios de la Academia® en 2018 incluyendo Mejor Película, y ganó el Oscar® al Mejor Guión Original. En octubre de 2018, la película Halloween se ubicó en el segundo lugar en ingresos para una película de terror en el primer fin de semana de estreno en los Estados Unidos ($76 millones de dólares), colocándose detrás de la cinta IT. Glass estrenó en primer lugar de taquilla en Estados Unidos en enero de 2019 recaudando un total de $46.5 millones en los cuatro días del fin de semana largo el feriado del día de Martin Luther King, Jr., siendo la película número 11 de Blumhouse que estrena en primer lugar el fin de semana de estreno.
Blumhouse también produjo las muy rentables franquicias The Purge, Insidious, Sinister y Paranormal Activity, que juntas han recaudado más de $1.1 miles de millones de dólares en taquilla a nivel global. Paranormal Activity, cuya producción costó $15,000 dólares y recaudó cerca de $200 millones de dólares a nivel mundial, fue la pionera que lanzó el modelo de Blumhouse y se convirtió en la película más rentable de todos los tiempos. Entre otros títulos de la compañía se encuentran The Gift, Unfriended y The Visit. Blum, quien ha sido nominado para el Premio de la Academia® por la producción de Whiplash, y tiene un lugar en la "New Establishment List" de Vanity Fair todos los años desde el 2015, recibió el Premio al Productor del Año en 2016 en la CinemaCon de Las Vegas y forma parte de la lista TIME 100, donde es considerado como una de las personas más influyentes en 2017.
En televisión, Blum ganó Premios Primetime Emmy por la producción para HBO de TheNormal Heart y The Jinx: The Life and Deaths of Robert Durst y dos Premios Peabody -por The Jinx y el documental How to Dance in Ohio. En 2017, Blum lanzó un estudio de televisión independiente con la inversión de ITV Studios. Sus actuales proyectos en televisión incluyen Sharp Objects, una miniserie para HBO protagonizada por Amy Adams basada en la novela Best-Seller de Gillian Flynn del mismo nombre, y una miniserie para Showtime basada en los reportajes del periodista Gabriel Sherman para el anterior Jefe de Fox News, Roger Ailes. Blumhouse también está llevando a la televisión la franquicia The Purge, coproduciendo una serie con Universal Cable Productions para la Cadena USA.
Los servicios multiplataforma que Blumhouse ofrece incluyen BH Tilt, una compañía distribuidora que capitaliza nuevas estrategias de marketing; Blumhouse Books, una editorial que imprime con Doubleday; la cadena digital de género CryptTV; y Blumhouse Live, que produce eventos de terror en vivo para compañías tales como AB InBev.
Blum es miembro del Sundance Institute's Director's Advisory Group. También forma parte de la Junta de Consejo del Public Theater en Nueva York y del Board of Trustees del Vassar College. Antes de fundar Blumhouse, Blum codirigió el departamento de Adquisiciones y Coproducciones en Miramax Films en Nueva York. Su carrera como director de producción inició en la compañía de teatro Malaparte, fundada por Ethan Hawke.
Está casado con la periodista y guionista Lauren Blum y tienen dos hijos: una niña, Roxy, y un niño, Booker.
IAN COOPER, p.g.a. (Productor) es el socio de Jordan Peele y el director creativo de la compañía Monkeypaw Productions, donde supervisa el desarrollo y producción de todos los proyectos para cine y televisión. Además de ser el productor de Nosotros, se encuentra produciendo el próximo proyecto de Nia DaCosta, Candyman (estrena en 2020); y Wendell and Wild (estrena en 2021) de Henry Selick.
Cooper es también un dedicado artista visual con un enfoque en escultura de técnica mixta. Su trabajo forma parte de la colección permanente del Museo Whitney de Arte Americano y del Museo de Arte Pérez de Miami, y ha recibido reseñas en The New York Times, Artforum, Art in America, Time Out New York y otras publicaciones. Antes de colaborar en Monkeypaw, Cooper fue profesor de escultura en la Universidad de Nueva York y fue el jefe de tesis de pregrado para el programa de arte de estudio. Cooper vive y trabaja en Los Ángeles.
DANIEL LUPI (Productor Ejecutivo) es un productor dos veces nominado al Premio de la Academia® en la categoría de Mejor Película. Su última nominación al Oscar® la recibió por la película de Paul Thomas Anderson Phantom Thread, que protagonizó Daniel Day-Lewis. Anteriormente, Lupi fue nominado para ese mismo galardón por la cinta There Will Be Blood del propio Anderson, por la que también recibió una nominación al Premio del Sindicato de Productores de Cine de los Estados Unidos.
Fue el productor de otra película de Anderson: Inherent Vice, donde actuó Joaquin Phoenix; de The Master, que protagonizaron Phoenix y Philip Seymour Hoffman; y de Punch-Drunk Love, que estelarizó Adam Sandler. Y colaboró con Anderson como coproductor en Magnolia, Boogie Nights y Hard Eight.
Lupi ha trabajado en varias ocasiones con Steven Spielberg. Recientemente fue el productor ejecutivo de Ready Player One y de Bridge of Spies, esta última estelarizada por Tom Hanks y Mark Rylance. Fue el productor ejecutivo del aclamado biopic Lincoln, donde Day-Lewis tuvo el primer papel, y fue el coproductor ejecutivo de Catch Me If You Can, en la que actuaron Leonardo DiCaprio y Hanks. Otros de sus créditos como productor ejecutivo incluyen Her de Spike Jonze; Lions for Lambs de Robert Redford; y 50 First Dates de Peter Segal. Actualmente se encuentra colaborando como productor ejecutivo de la película de Spielberg, West Side Story.
Nacida y criada en Madrid, España, BEATRIZ SEQUEIRA (Productora Ejecutiva) estudió en el reconocido American Film Institute donde obtuvo una maestría en Bellas Artes, con una especialidad en Producción. Después de graduarse trabajó con el director Phillip Noyce en proyectos tales como Catch a Fire de Focus Features y en Brotherhood de Showtime. En 2008 Sequeira hizo equipo con el productor Andrew Tennenbaum en la empresa Flashpoint Entertainment, donde colaboró como directora de desarrollo durante dos años. Fue productora asociada en 2012 de The Amazing Spider-Man y de su secuela en 2014, trabajando con el director Marc Webb y los productores Avi Arad y Matt Tolmach. Fue contratada en Blumhouse como ejecutiva de desarrollo y producción en 2014, donde ha trabajado en películas tales como The Gift, Happy Death Day y Get Out.
Antes de iniciar su carrera en el mundo de la cinematografía, MICHAEL GIOULAKIS (Director de Fotografía) estudió trompeta y recibió un título en bellas artes en la Universidad del Estado de Florida. Empezó a rodar películas en 2010 y su última colaboración fue en Glass, de M. Night Shyamalan, que fue estrenada por Universal Pictures en 2019 en los Estados Unidos.
Gioulakis filmó Under the Silver Lake, dirigida por David Robert Mitchell, con quien también trabajó en It Follows. Recibió una nominación al Premio Film Independent Spirit por It Follows, una película con un presupuesto de $2 millones de dólares que recaudó más de $14.6 millones de dólares en taquilla.
Entre otros de sus créditos se encuentra el thriller psicológico de M. Night Split, en 2016. Filma también comerciales para clientes de alto nivel tales como Samsung e IBM. En la actualidad Gioulakis se encuentra trabajando en una serie de Shyamalan -que aún no tiene título definido- para Apple.
RUTH DE JONG (Diseñadora de Producción)se recibió en bellas artes con una especialización en pintura y fotografía en la Universidad Cristiana de Texas. Después de realizar varias pinturas por encargo y de pasar una temporada en Italia, sus obras llamaron la atención de Jack Fisk, el diseñador de producción nominado al Oscar®. Fisk motivó a De Jong para que considerara iniciar una carrera como diseñadora de producción. De Jong se decidió de inmediato y realizó el diseño de la producción de la película independiente ganadora de premios Swedish Auto, que protagonizaron January Jones y Lukas Haas. Fisk incluyó a De Jong en el equipo que realizó la dirección de arte de la película de Paul Thomas Anderson ganadora del Oscar® There Will Be Blood. En seguida, Fisk contrató a De Jong como asistente de dirección de arte de Tree of Life, la película de Terrence Malick ganadora de la Palma de Oro en Cannes.
De Jong inició el 2010 trabajando como directora de arte de The Future, de la galardonada guionista y directora Miranda July. Nuevamente hizo equipo con Fisk y David Crank como asistente de dirección de arte en Water for Elephants, dirigida por Francis Lawrence, y trabajó de vuelta junto con Malick en To the Wonder.
En otoño de ese año, De Jong tuvo la oportunidad de demostrar los grandes alcances de su talento cuando los chefs Vinny Dotolo y Jon Shook, reconocido a nivel internacional y creadores del restaurante Animal, la contrataron para diseñar su nuevo restaurante en Los Ángeles: Son of a Gun. Los críticos gastronómicos se mostraron entusiasmados con el nuevo restaurante, destacando el poder transformador de la decoración de De Jong. Después de esa gran experiencia, De Jong, junto a sus hermanos Philip y Peter De Jong, lanzaron una marca de diseño interior y de muebles hechos a manos que se llama De JONG & Co. (dejongandco.com).
En 2011, al lado de Fisk y Crank, De Jong fue la directora de arte de The Master, la siguiente película de Anderson. Posteriormente trabajó en Dead Man's Burden, un Western clásico situado en la década de 1870 dirigido por Jared Moshe, que recibió un premio y varias nominaciones.
De Jong continuó trabajando con Malick y fue la directora de arte de sus últimas películas: Knight of Cups, Song to Song y del documental Voyage of Time: Life's Journey.
En 2013 De Jong nuevamente hizo equipo con Crank en la dirección de arte de Inherent Vice, la película de Anderson basada en la novela escrita por Thomas Pynchon. Su trabajo la hizo acreedora a una nominación del Sindicato de Directores de Arte de los Estados Unidos a la Excelencia en Diseño de Producción de una Película de Época.
En 2015 De Jong fue la directora de arte de la última película de Kenneth Lonergan que ganó un Oscar®: Manchester by the Sea, que protagonizaron Casey Affleck y Michelle Williams, y que la hizo acreedora a una nominación del Sindicato de Directores de Arte de los Estados Unidos a la Excelencia en el Diseño de Producción de una Película Contemporánea. Estuvo al frente de la decoración de interiores del restaurante 5th & Taylor en Nashville, donde trabajó con el Chef Daniel Lindley para crear un restaurante típicamente estadounidense. De JONG & Co. diseñó todos los muebles a la medida para que se adaptaran a la antigua bodega ubicada en la esquina de la Quinta Avenida Norte y la calle Taylor en Germantown, Nashville.
Cuando terminó esos proyectos, De Jong trabajó con David Lynch en el equipo que realizó el diseño de producción de Twin Peaks para Showtime y recibió una nominación del Sindicato de Directores de Arte de los Estados Unidos a la Excelencia en Diseño de Producción, así como una nominación al Premio Emmy al Mejor Diseño de Producción de un Programa Narrativo Contemporáneo (de una hora o más de duración).
En 2017 y 2018 De Jong fue la diseñadora de producción de la primera temporada de Yellowstone, escrita y dirigida por Taylor Sheridan para Paramount Network. A este proyecto le sigue Nosotros, con el guionista y director Jordan Peele.
Sigue trabajando en De JONG & Co. y pintando. De Jong es nativa del sur de California y vive con su familia en el centro Los Ángeles y en Livingston, Montana.
KYM BARRETT (Diseñadora de Vestuario) es una diseñadora de vestuario australiana que trabaja en cine, teatro y en la ópera. En 1996 diseñó el vestuario de su primera película, el romance Romeo + Juliet. En 1998, Barrett trabajó en la película de guerra de David O. Russell Three Kings (George Clooney, Mark Wahlberg y Ice Cube). Ese mismo año creó los revolucionarios trajes que se usaron en The Matrix (1999) y continuó colaborando con las Wachowski en las secuelas de The Matrix y en muchos otros de sus proyectos, entre las que se encuentran Final Flight of the Osiris, Speed Racer, Cloud Atlas y Jupiter Ascending.
Barrett también desarrolló el vestuario de varios thrillers de terror, tales como From Hell (Johnny Depp, Heather Graham) de Hughes Brothers en 2001; y de Gothika en 2003 (Halle Berry, Robert Downey Jr., Penélope Cruz).
Otras de sus colaboraciones incluyen Zero Effect (Bill Pullman, Ben Stiller); la película animada Titan A.E. (Matt Damon, Drew Barrymore); la cinta de fantasía Eragon; la comedia de Seth Rogen The Green Hornet; la película de super héroes de Columbia Pictures The Amazing Spider-Man (Andrew Garfield, Emma Stone); la comedia de acción de los años setenta The Nice Guys (Russell Crowe, Ryan Gosling); el thriller The Shallows; y la nueva cinta de DC Aquaman (Jason Momoa, Amber Heard, Nicole Kidman, Willem Dafoe).
Colaboró además en la producción de Sony de Charlie's Angels en las locaciones de Berlín y Estanbul.
Su trabajo en teatro incluye el vestuario para los proyectos del Cirque du Soleil Totem (dirigido por Robert Lepage); y Toruk - The First Flight, en 2016; de las producciones que hizo The Metropolitan Opera House de The Tempest (2012) y de The Magic Flute (la premier fue el 31 de diciembre de 2018); y de la preproducción de The Three-Body Problem en Shanghai y Nueva York.
A lo largo de tres décadas, el artista de maquillaje ganador del Emmy y nominado al Premio Oscar® SCOTT WHEELER (Maquillaje y Efectos con Maquillaje) ha creado algunos de los trabajos con maquillaje más inolvidables e imborrables en la historia del cine y la televisión. Entre sus proyectos se encuentran Get Out, 300, The Cabin in the Woods, Conan the Barbarian, Devil in a Blue Dress, MADtv, Key & Peele, Six Feet Under, Tales from the Crypt y casi todas las versiones modernas de la franquicia de Star Trek tanto en cine como en televisión: Star Trek: First Contact, por la que recibió una nominación al Premio de la Academia®; Star Trek Into Darkness; Star Trek: Insurrection; Star Trek: Voyager; y Star Trek: Deep Space Nine.
Wheeler ha sido nominado para tres Premios Saturno de la Academia de Películas de Ciencia Ficción, Fantasía y Horror. En 2003 recibió el premio al Mejor Maquillaje de Personaje - en una Serie de Televisión que otorga el Sindicato de Estilistas y Artistas de Maquillaje de Hollywood por su trabajo en MADtv, y ha sido nominado por ese Sindicato otras ocho veces más. Le han sido otorgado tres Primetime Emmy (Key & Peele, Star Trek: Voyager, Star Trek Deep Space Nine) y ha recibido 17 nominaciones al Premio Emmy.
Wheeler tiene una larga y exitosa historia relación con Jordan Peele, el guionista y director de la película Nosotros. El primer trabajo a nivel profesional de Peele en la industria del entretenimiento fue interpretando a un Klingon en una parodia en MADtv, y Wheeler lo maquilló para que hiciera ese personaje. Ambos desarrollaron una amistad conforme fue pasando el tiempo. Peele y Keegan-Michael Key se reunieron con Wheeler en el cine la noche del estreno de 300. (La mitad de la diversión, relata Wheeler, fue mirar sus reacciones ante lo que estaba sucediendo en la pantalla.) Posteriormente, Wheeler trabajó con ellos en su exitosa serie Key & Peele, iniciando con el programa piloto. Fue además el supervisor de maquillaje en la película que marcó el debut como director de cine de Peele: Get Out.
MADELINE HOLLANDER (Coreógrafa y Asesora de Movimientos) es una coreógrafa y artista que vive en Nueva York y que trabaja en actuación, cine y en instalaciones con el objeto de explorar cómo el movimiento del ser humano y el lenguaje corporal traspasa sus límites dentro de los sistemas de tecnología, la ley de propiedad intelectual y los rituales cotidianos.
Sus actuaciones presentan como eventos contínuos y repetidos que suceden dentro de espacios dimensionales, psicológicos y terrenales que se involucran con formas alternativas de espectadores, replicación y archivos. Desde 2010, Hollander agrega videos e imágenes a Gesture Archive, un proyecto de investigación a largo plazo que analiza el movimiento expresivo del ser humano en retratos cortos en video.
Hollander ha exhibido sus trabajos en el JOAN de Los Ángeles; en la Serpentine Gallery de Londres, Reino Unido; en The Artists' Institute, Nueva York; en The Park Avenue Armory, Nueva York; en Kestnergesellschaft, situado en Hannover, Alemania; en la Galería Bosse & Baum de Londres, Inglaterra; en la Galeríaa Zmud de Buenos Aires, Argentina; en Issue Project Room de Nueva York; en la Serie Sesiones de Danza en la Playa en Rockaway Beach, Nueva York; en el Parque Socrates Sculpture de Nueva York; en la Galería Bortolami de Nueva York; en Off Vendome, Nueva York; en Signal, Nueva York; en Movement Research en la Iglesia Judson, ubicada en Nueva York; en la Galería Luxembourg & Dayan de Nueva York; en el Sculpture Center, Nueva York; en la Galería Jack Hanley de Nueva York; en la Galería Tina Kim en Nueva York; en The Kitchen, Nueva York; en la Galería Torrance Shipman de Nueva York; y en el Human Resources, en Los Ángeles.
Hollander ha sido bailarina profesional y ha formado parte del Ballet de Los Ángeles en California y del Ballet de Barcelona en España. Se recibió en Bellas Artes en la Escuela de Artes Bard Milton Avery.
GRADY COFER (Supervisor de Efectos Visuales) ha sido un miembro creativo clave en la empresa Industrial Light & Magic por más de una década. Comprometido con explorar la intersección del arte con la innovación y siendo un apasionado del relato visual, Cofer ha contribuido con un sinnúmero de innovadores proyectos de efectos visuales en películas tales como Titanic, Star Wars, Avatar, Star Trek y Pirates of the Caribbean.
La participación de Cofer fue crucial para hacer realidad la visión que tuvo Darren Aronofsky de Noah, la película visualmente única que fuera aclamada por la crítica. Supervisó la escena de la Creación, una representación de la evolución contada en cinética de lapso de tiempo. La secuencia, cuya realización llevó más de un año, hizo acreedor a Cofer a una nominación de la Sociedad de Efectos Visuales en la categoría de Mejor Ambiente Creado en un Fotoreal/en una Película para Cine de Acción en Vivo.
En 2009 Grady colaboró como Supervisor de Efectos Visuales en la película Battleship. Su trabajo creativo junto al director Peter Berg desde el principio del desarrollo de la historia, desde la previsualización hasta la posproducción, llevó más de tres años. El tema naval del proyecto requirió de una gran cantidad de rodaje en el mar, incluyendo una temporada con una tripulación encerrada en varios buques de guerra durante los ejercicios de guerra marítima conocidos como RIMPAC. Su concentración en este programa contribuyó para que fuera el guía para la construcción de complejas embarcaciones extraterrestres y perfeccionar las simulaciones de agua que adquirieron vida propia en la película. Las complicadas simulaciones fluidas y los efectos de las criaturas que requería Battleship lo hicieron acreedor a una nominación de parte de la Sociedad de Efectos Visuales en la categoría de Mejores Efectos Visuales en una Película para Cine con Efectos Visuales Dedicados.
Cofer fue el supervisor de efectos visuales en el thriller de ciencia ficción de Steven Spielberg Ready Player One, por cuya colaboración recibió una nominación al Premio de la Academia Británica de Artes de Cine y Televisión (BAFTA) a los Mejores Efectos Visuales y una nominación al Premio de la Academia® en la categoría de Mejores Efectos Visuales. Entre otros de sus créditos en cine se encuentran Overlord, Terminator: Genisys, Selma, Lone Survivor, Elysium, Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, Miracle at St. Anna, Lions for Lambs, There Will Be Blood, Eragon, Lady in the Water, Munich y Jarhead.
NICHOLAS MONSOUR (Editor) es un editor de cine y televisión que nació en Los Ángeles. Monsour fue nominado para un Premio Emmy por Key & Peele (2016). Aprendió cómo editar haciendo labores relativas al arte en videos, documentales sin fines de lucro y películas experimentales mientras estudiaba teatro y cine en el Instituto de Arte de Chicago y después en Los Ángeles. Ha trabajado con Jordan Peele en proyectos tales como Key & Peele, Keanu y The Last O.G. Entre otras de sus notables colaboraciones se encuentra su participación en los proyectos de Peter Atencio Jean-Claude Van Johnson y Whiskey Cavalier; con Tim Kirkby en Action Point y Brockmire; con Rhys Thomas en Comrade Detective; con Jeremy Konner en Drunk History; y con David Frankham en la serie documental de HBO, Witness.
MICHAEL ABELS (Música) es el compositor de la banda sonora de Get Out, la película de Jordan Peele que lo hizo acreedor al Oscar®. Esa composición, que marcó el debut de Abels como compositor musical para cine, lo hizo acreedor a un Premio Black Reel; fue nominado para un Premio World Soundtrack, y le permitió formar parte en 2017 de varias de las listas de los mejores 10 músicos que presentaron los críticos ese año.
Las obras sinfónicas de Abels han sido interpretadas por la mayoría de las grandes orquestas de los Estados Unidos, incluyendo las de Chicago, Cleveland, Filadelfia, Atlanta, St. Louis y Baltimore. En 2018 Abels dirigió la presentación de "Get Out en Concierto" para la Sinfónica Nacional en el John F. Kennedy Center for the Performing Arts en Washington, D.C., que continúa presentándose en nuevas ciudades durante 2019.
Abels ha escrito la música para artistas tan diversos como Doc Severinsen y James Earl Jones. Compuso una ópera para niños para la Ópera de Los Ángeles e hizo los arreglos de un álbum de gospel para el Reverendo James Cleveland. La música de concierto de Abels la publica Subito Music y la graba la Sinfonietta de Chicago bajo el sello Cedille. Abels es el cofundador y el actual director ejecutivo del Composers Diversity Collective, una organización que promueve la diversidad y la inclusión de la música a través de los medios. Sus proyectos actuales incluyen la composición de una obra de ballet y de la música para una película de Netflix.
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