miércoles, enero 08, 2020


Jojo Rabbit, película 2019 con Taika Waititi, sinopsis, reparto, ficha, director

SINOPSIS

El escritor y director Taika Waititi (THOR: RAGNAROK, HUNT FOR THE WILDERPEOPLE) aporta su tipo de humor y drama distintivos a su película más reciente, Jojo Rabbit, una sátira de la Segunda Guerra Mundial que sigue a un solitario niño alemán (Roman Griffin Davis como Jojo), cuya visión del mundo se pone de cabeza cuando descubre que su madre soltera (Scarlett Johansson) está escondiendo en su ático a una joven niña judía (Thomasin McKenzie).

Ayudado sólo por su idiota amigo imaginario, Adolf Hitler (Taika Waititi), Jojo deberá enfrentarse a su nacionalismo desmedido.

Jojo Rabbit, con un guion de Taika Waititi y dirigida por él, está basada en el libro Caging Skies, de Christine Leunens, y es protagonizada por Roman Griffin Davis, Thomasin McKenzie, Taika Waititi, Rebel Wilson, Stephen Merchant, Alfie Allen, con Sam Rockwell y Scarlett Johansson. Los productores son Carthew Neal, Waititi y Chelsea Winstanley.

El equipo detrás de cámaras incluye al director de fotografía Mihai Malaimare, al diseñador de producción Ra Vincent, al editor Tom Eagles, al compositor musical Michael Giacchino, a la diseñadora de vestuario Mayes Rubeo, a la diseñadora de maquillajes y peinados Dannelle Satherley y al supervisor de efectos visuales Jason Chen.

Jojo Rabbit brinda una perspectiva infantil aguda y divertida, pero, a su vez, profunda y emotiva, de una sociedad que perdió la razón con la intolerancia.

CRÍTICA

Jojo Rabbit es una sátira política sobre el nazismo con momentos de comedia bien logrados pero a la vez con bastantes golpes bajos.

¿Está buena?

Es como un cóctel que tiene un poco de todo: momentos sensibles, demasiado delirantes, divertidos, convencionales, dramáticos, desagradables, tristes, etcétera.

Algunos momentos te van a encantar, pero otros a incomodar.

La comedia funciona, si bien se va desdibujando o desarmando a medida que avanza la proyección.

¿Y la actuación?

Muy buena, ya que ante el estilo delirante de la narración es muy difícil no caer en la sobreactuación.

¿Me puede llegar a gustar?

Es difícil decir si o no en esta ocasión, ya que depende de la sensibilidad y los gustos de cada uno.

A algunos les puede llegar a parecer super divertido tomarse a Hitler y al nazismo en un tono de extremo humor negro, pero otros pueden sentirse bastante incómodos con varias de las escenas.

En resumen:

Una película bastante especial, que te guste mucho o poco, refresca por su temática y por su estilo de narración.

Vale la pena su visión para sacar tus propias conclusiones y no dejarse enredar con las distintas opiniones y críticas.

Cintia Alviti

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos

NOTAS DE PRODUCCION

Al valerse de su propia herencia judía y de sus experiencias al crecer rodeado de prejuicios, el escritor-director Taika Waititi (cuya madre es judía, mientras que su padre es maorí) hace una declaración poderosa en contra del odio con su sátira muy oscura de la cultura nazi, que se apoderó de la psique alemán en el punto más álgido de la Segunda Guerra Mundial. Waititi adopta una historia casi demasiado espantosa de abordar con una solemnidad sobria -la de un niño a quien, al igual que muchos en aquel entonces, le lavaron el cerebro para rendirle una devoción fanática a Hitler.

Después, extrae de ella, una comedia negra y fascinante, que, a final de cuentas, desenreda las ideas tóxicas del antisemitismo y la persecución del otro. Al balancearse sobre una cuerda floja cómica, Waititi mezcla la furia de la sátira con un sentido de esperanza insistente de que el fanatismo y el odio pueden ser derrotados.

La película sigue en gran medida los pasos de algunos de los héroes personales de Waikiki en el cine: Mel Brooks, Charlie Chaplin, Ernst Lubitsch y Stanley Kubrick, por nombrar unos cuantos. Al igual que esos directores, Waititi estaba en búsqueda de retomar de una forma original el tema más perturbador de todos, a través de la fuerza moral paradójica de la parodia absoluta. Waititi hace alusión a Brooks en particular, como un actor judío que trastocó el poder perdurable de la imagen de Hitler con una representación chiflada y ridícula. Pero, así como la película le debe a sus audaces antepasados, Jojo Rabbit se siente en gran medida muy actual, con personajes humanos profundos, cuyas manías ciegas podrán entretener, pero cuyos predicamentos internos tienen una cualidad auténtica y mortal, además de ser intencionalmente relevantes en la actualidad.

Basada en la aclamada Caging Skies, de Christine Leunens, publicada por primera vez en el 2004, la historia comienza en el ficticio Falkenheim. En este pueblo pintoresco bajo el dominio nazi, el final de la guerra se acerca de manera veloz. Sin embargo, en la habitación de Jojo Betzler, un chico de diez años, la expectación es cada vez mayor. Hoy, tiene la oportunidad que ha estado esperando durante sus diez años de vida: unirse al Jungvolk, también conocida como La Juventud de Hitler. Para Jojo, tan crédulo y susceptible a la propaganda dominante que lo rodea, se siente como su primera oportunidad de hacer algo grande e importante, de ayudar a proteger a su madre soltera, a la que ama por sobre todo, y quizás y hasta adquirir un sentido de pertenencia.

Para mitigar sus inseguridades, Jojo cuenta con un amigo imaginario muy grande: una aparición torpe de Hitler, quien, con todas las emociones de un niño, le ofrece consejos a Jojo que pudo haber buscado de su padre ausente. Con Adolfo en su cabeza, Jojo se siente invencible. Pero, de hecho, los problemas de Jojo apenas comienzan. Humillado (y casi decapitado) en el campamento Jungvolk, su frustración cada vez es más marcada.

Después, Jojo hace un descubrimiento que lentamente, aunque de manera radical, transforma su manera de ver el mundo. Al ir tras lo que cree que es una especie de fantasma, se entera, en cambio, que su madre ha estado escondiendo a una niña judía atrás de una pared falsa, lo que representa un riesgo espeluznante para todos. El shock casi lo destruye -aquí está el "peligro" del que le han advertido, viviendo en su propia casa, bajo sus narices, a unos cuantos pasos de donde por lo general le cuenta sus secretos a su amigo imaginario Hitler. Pero conforme Jojo hace un esfuerzo por estar al tanto de la misteriosa Elsa, su miedo y vigilancia se convierten en algo que incluso el mismo Adolfo parece no poder comprender; entre más conoce a Elsa como persona, más se transforma en alguien a quien Jojo no podría imaginar permitir que alguien, incluyendo sus ídolos nazis, le hagan daño.

Mientras Jojo Rabbit es en gran medida una alegoría cómica acerca de los costos de permitir que la intolerancia tome las riendas, ya sea en tu habitación o en un país, Jojo, como niño, también emprende un viaje muy real hacia la adultez. Ya que, al encontrar el valor para abrir su mente, descubre que el poder del amor puede cambiar tu camino.

Waititi dice que su intención para la película siempre fue la disrupción pura, descarada. Quería cambiar de manera drástica su propia zona de confort, pero también cualquier noción de que las historias acerca de la era nazi ya se habían agotado, en especial cuando las lecciones de aquella época son tan urgentes en la actualidad. Con el nacionalismo, el antisemitismo y otras formas de intolerancia religiosa y racial al alza, los riesgos de obtener la atención de la gente se sintieron muy altos.

"Sabía que no quería hacer un drama absoluto acerca del odio y el prejuicio, porque nos hemos vuelto muy acostumbrados a ese estilo de historias", explica Waititi. "Cuando algo parece ser demasiado fácil, me gusta sumar caos. Siempre he creído que la comedia es la mejor manera de hacer que la gente se sienta más cómoda. Así que, en Jojo Rabbit, a las audiencias les presento risas, y una vez que han bajado la guardia, entonces comienzo a entregar estas pequeñas cargas de drama que tienen un peso serio intrínseco".

Para la novelista Leunens, la visión más compacta y de humor más mordaz que Waititi hizo de su libro, fue un uso hermoso de la comedia al servicio de transmitir una historia de gravedad inmensa. "En los filmes de Taika, las risas nunca son gratis", indica Leunens. "Hay ataduras. Incluso a pesar de que no las percibas de inmediato, las sentirás. Es después de la risa que empiezas a sentirlas, ya que llevan tu conciencia a cosas que no están del todo bien, que no son tan divertidas como parecen, hacia emociones más profundas y complejas -entre éstas, el reconocer la ridiculez de la situación, además de la tragedia y el dolor".

CREANDO JOJO RABBIT

Los nazis han sido parodiados en pantalla desde principios de la década de los '40, cuando todavía eran una gran amenaza mundial -siendo clave que de quienes se reían al final era de ellos. Como alguna vez lo dijo Mel Brooks: "Si puedes reducir Hitler a algo risible, ya ganaste".

La tradición se expandiría desde Chaplin (THE GREAT DICTATOR), Lubitsch (TO BE OR NOT TO BE) y Brooks (THE PRODUCERS), hasta John Boorman (HOPE AND GLORY), Roberto Benigni (LIFE IS BEAUTIFUL) e incluso Quentin Tarantino (INGLORIOUS BASTERDS).

Con frecuencia generaba controversia. Se dice que el propio padre del comediante judío Jack Benny se salió del cine cuando, impactado, vio a su hijo interpretando al oficial de la Gestapo en TO BE OR NOT TO BE. Pero la película también movió generaciones, y en la actualidad es considerada un ejemplo magistral de cómo la sátira más feroz e irreverente puede convertirse en un trampolín para una narrativa multifacética y humanista.

Stephen Merchant, quien interpreta a un capitán nazi siniestro y anodino en Jojo Rabbit, señala: "Tanto durante como después de la guerra, se mofaron de Hitler de manera habitual porque era una manera para que la gente lidiara con el horror que estaban viendo. Taika está siguiendo esa misma tradición, pero con su propia voz contemporánea".

Esa voz distintiva refrescante de Waititi entró por primera vez en acción en una serie de comedias excéntricas, pero conmovedoras, que tenían una sensación personal y casera, incluyendo EAGLE vs. SHARK y BOY. Inmediatamente después de los elogios que recibió por su falso documental de vampiros WHAT WE DO IN THE SHADOWS y la comedia de aventuras HUNT FOR THE WILDERPEOPLE, Marvel lo contrató para que llevara su disparatada creatividad a THOR: RAGNAROK. (También interpretó a 'Korg' en esta última, un papel que repitió en AVENGERS: ENDGAME).

Jojo Rabbit se convertiría en muchas maneras como en el tipo de culminación de su carrera -donde mezcla lo emocional e íntimo, con lo divertido y excéntrico, en temas épicos que encienden una llama personal en él. Pero, de hecho, la semilla de la película comenzó con la madre de Waititi -una nativa de Nueva Zelanda cuya familia rusa judía emigró a principios del siglo XX. Fue ella quien primero leyó Caging Skies, de Christine Leunens, y le relató la historia a Waititi de un niño cuya creencia fervorosa en Hitler se pone de cabeza cuando descubre que su familia está escondiendo una niña judía detrás de una pared falsa en el ático.

"Le habló acerca del libro, pensando que podía ser algo para él", indica el productor Carthew Neal. "Cuando Taika lo leyó, se dio cuenta que era más serio de lo que había imaginado, pero tenía el corazón y el drama que se requerían para este tipo de historias. Después, fue capaz de partir de ahí y añadir toques especiales, y llevarlo a su universo cómico y tonal".

Waititi comenta: "El libro es más un drama, aunque tiene sus momentos cómicos. Pero sentí que, si iba a abordar este tema, tenía que imprimirle mi propia personalidad y estilo. Eso significaba agregar más elementos fantásticos y, obviamente, más humor, para así crear un tipo de danza entre el drama y la sátira".

Waititi sorprendió a Leunens al crear una especie de riff de jazz de su libro, al mezclar la estructura de su historia en una alegoría absurda de cómo la difusión del miedo puede echar raíces en mentes ingenuas -y cómo el amor puede provenir del lado menos esperado para derribar paredes que ponemos contra otras personas. "Si el libro es una pintura de paneles clásica, la película de Taika es más como el Guernica, de Picasso", reflexiona Leunens. "Encontró un lugar para todas las secuencias más esenciales, pero le agregó muchos de sus toques personales".

De hecho, Waitit le aportó a Jojo Rabbit su familiaridad propia e íntima con la omnipresencia de la intolerancia en el mundo actual. "La mayoría del prejuicio que he experimentado ha sido debido al color de mi piel", explica. "De manera tradicional, en Nueva Zelanda, ha habido prejuicios contra la gente maorí. Lo pude experimentar cuando crecía, y aprendí a restarle importancia, que no es algo bueno, pero haces lo que tengas que hacer. No obstante, creo que terminé por subvertir muchos de esos sentimientos en comedia. Esa es la razón por la cual me siento muy cómodo cuando me burlo de la gente que cree que es inteligente odiar a alguien por quien es".

Una vez que Waititi comenzó a escribir, quedó enganchado con la idea de que Elsa, la niña judía que emerge de la pared, transforma a Jojo a pesar de sí mismo. "La cosa en la que me enfoqué fue en intentar crear una amistad entre estas dos personas quienes, en sus mentes, son enemigos absolutos. Me gusta la dinámica donde, contrario a lo que Jojo espera, Elsa tiene la mayoría de las cartas y es la que tiene la sartén por el mango", comenta. "Pero, de igual manera, también están en un callejón sin salida que los une porque ambos se enfrentan a riesgos fatales si su secreto se devela".

De igual importancia para Waititi fue crear a todos los nazis en la película para que fueran ridículos y objetos de burla, pero también humanos, llenos de los mismos defectos y excentricidades como el resto de nosotros -que hace que su participación en el reino fascista sea mucho más una advertencia aterradora de cuán fácilmente ideologías malvadas pueden echar raíces a gran escala. Esto es particularmente cierto en Jojo, quien en un inicio venera lo que él considera el poderío de Hitler, hasta que ve en Elsa y en su madre una fuerza basada en principios sólidos que es mucho más fuerte.

"Para mí fue importante que, sin lugar a duda, Jojo fuera visto como un niño de diez años que en realidad no sabe nada", explica Waititi. "En resumen, le encanta la idea de vestirse en uniforme y ser aceptado. Así es como los nazis adoctrinaban a los niños, al hacerlos sentir parte de esta pandilla muy cool".

Si bien Jojo se hace mayor en el libro de Leunens, Waititi ancla toda la película bajo la perspectiva cándida de un niño de diez años. "Me interesaba la idea de ver la locura de la guerra y el odio -algo que los adultos manifiestan en gran medida- a través de los ojos de un niño", comenta. "Los adultos tienen que ser supuestamente quienes guíen a los niños y los críen para ser mejores versiones de nosotros mismos. Aunque cuando los niños nos miran en tiempos de guerra, me parece que los adultos se comportan de manera absurda y enloquecen. Así, abordé la historia como la de un niño que intenta entender su mundo de la mejor manera posible, en la época más absurda y caótica de la historia".

Aun así, Waititi sabía que tenía que darles a las audiencias una razón para seguir a Jojo en su mundo. "Tenía que encontrar maneras de permitir que el público se preocupara por él", explica. "Una manera fue mostrar que en realidad se siente intimidado, asustado e insignificante ante el esquema más vasto de las cosas, y tiene grandes sueños, así como todos los niños".

En otra divergencia, Waititi situó un vínculo madre-hijo resiliente al centro de su película. Convirtió a Rosie Betzler no sólo en madre soltera, sino también en una mujer rebelde quien decide que siempre y cuando los ideales de empatía y tolerancia sean llevados al límite, ella trabajará sin temor alguno para defenderlos. A diferencia de Jojo, ella ve de manera muy clara el mundo tóxico que Hitler está forjando, así que su respuesta natural es ayudar, como dice, al "hacer lo que pueda" -que a su manera práctica y apasionada es mucho. Pero eso también significa esconderle la verdad de su vida a Jojo para mantenerlo a salvo, mientras espera que su pequeño hijo entre en razón.

"Hay muchas mujeres poderosas en mi vida, así que también quería que esta historia fuera acerca de una mujer soltera férrea, quien está intentando salvar a su hijo y a otros de esta situación espantosa, pero sin dejar de conservar la inocencia de Jojo al mismo tiempo", comenta Waititi. "Un punto de referencia fundamental para mí fue ALICE DOESN'T LIVE HERE ANYMORE, de Martin Scorsese. En esa película, siempre me ha encantado la interpretación de Ellen Burstyn como una madre, porque es boba y divertida, y me recuerda a mi madre, así que eso fue algo que busqué para Rosie".

Si bien la película les abre la puerta a anacronismos tales como canciones de los Beatles y Bowie, Waititi, mientras escribía, se sumergió en libros y documentales de la Segunda Guerra Mundial. "Leí mucho acerca de la psique alemana antes de la guerra, y la cuestión de cómo fue posible adoctrinar a todo un país, cómo abusaron de la desesperación de la gente después de una depresión", explica. "Vi algunos documentales, como WORLD WAR II IN COLOUR y HITLER'S CHILDREN, THE HILTLER YOUTH, para obtener un sentido de cómo las cosas eran en realidad. Quería ser lo más preciso posible y jugar sólo con la música, la paleta y el lenguaje".

Entre más escribía Waititi, el despertar de Jojo más parecía reflejar cómo el mundo reaccionó después de la Segunda Guerra Mundial: impactado por la pérdida humana colectiva de la inocencia, y después unirse para confirmar que nunca más se iba a permitir que ideas aborrecibles tomaran las riendas así. Y, empero, los tiempos están cambiando otra vez.

"Justo en el momento que estábamos empezando la producción, comenzamos a ver más y más resurgimiento de esta forma de pensar", indica Waititi, "y se volvió incluso más urgente contar la historia. Siento que estoy bien acompañado con comedias como THE GREAT DICTATOR, donde nos estamos burlando, pero también estamos intentando advertir de cuán serias las cosas son en la actualidad. También fue un recordatorio de que Hitler era algo reciente en cuando a términos de la historia humana, y que tenemos que seguir hablando de él, porque las dinámicas que lo provocaron todavía no se han ido".

Waititi nunca se contuvo al momento de escribir, a sabiendas de que para decir lo que quería decir tenía que hacerlo de una manera resuelta. "Como artista siempre quieres desafiarte a ti mismo, y si no me preocupo de que un proyecto puede llegar a ser un desastre, entonces en realidad no vale la pena para mí", confiesa. "Me gusta que mi trabajo se sienta lo suficientemente peligroso para que cuando lo emprenda pueda fallar. Porque es justo cuando empiezo a batallar, que comienzo a intentar hacerlo de la mejor manera posible, y es bajo ese estado que me vuelvo más creativo e inventivo".

Cuando el guion comenzó a circular, esa creatividad se convirtió en su principal atracción. El uso libre de Waititi del diálogo contemporáneo llamó la atención a los actores en especial, a quienes les encantó tener un pie plantado de manera firme en una realidad vital, mientras que el otro bailaba sobre algo más disparatado.

Sam Rockwell se enamoró del guion. "Me pareció brillante y te lo digo en serio, digo, vaya mente la de Taika", comenta Rockwell. "Recuerdo haber leído la escena donde Rosie le está diciendo a Jojo cuán resistente es el amor y Jojo le dice a ella, 'Creo que podrías darte cuenta que el metal es la cosa más resistente del mundo'. Es divertido y refrescante, pero también una escritura bella y conmovedora".

Rockwell continúa: "Taika tiene una sensibilidad que toma influencias de Mel Brooks hasta los hermanos Marx, y mezcla eso con una narrativa que es muy conmovedora y relevante. Tiene la capacidad de caminar sobre esa cuerda floja".

Para Scarlett Johansson, quien interpreta a Rose, la vivaz madre de Jojo, el atractivo del guion estaba en los riesgos que tomaba -cómo Waititi entrelaza la farsa con el desastre, al llevar la historia de la comedia negra a la locura caótica, hasta una sensación emotiva de asombro. "Lo que me pareció muy bello de la historia es esa sensación de esperanza que llegas a sentir al final, que es muy inesperada", comenta Johansson.

ENCONTRANDO A JOJO

"Okey, dos cosas. La primera: es ilegal que nazis y judíos pasen el tiempo como lo hacemos nosotros, mucho menos besarse, así que eso está fuera de discusión. Y la segunda: sería sólo un beso de simpatía, que no cuenta".

-Jojo Betzler

Para hacer que Jojo Rabbit cobrara vida, Waititi tuvo que encontrar primero a un Jojo vivo, de carne y hueso. ¿Podría haber acaso un niño de la vida real que pudiera personificar la mezcla revolvente de entusiasmo ciego y emociones indómitas del personaje con filosofía -y al mismo tiempo cargar sobre sus diminutos hombros los temas serios del filme y la transformación profunda de Jojo? Para contestar la abrumadora pregunta, Waititi y su equipo de casting vieron más de 1,000 cintas de audición. Emprendieron una investigación exhaustiva, que fue desde Nueva Zelanda a Australia, hasta el Reino Unido, Estados Unidos, Canadá y Alemania. Al final, la búsqueda llegó a un alto abrupto en cuanto conocieron a Roman Griffin Davis, un niño británico de once años.

Davis parecía intuir, con una sofisticación casi sobrecogedora que iba más allá de sus años, cómo el simple anhelo de Jojo por ser aceptado, admirado y amado, se deformaba al servir una agenda desalentadora y malvada.

Neal recuerda, "Taika estaba buscando a alguien que tuviera esa chispa en su mirada y el entusiasmo extremo que tiene Jojo por la vida. De inmediato nos gustó Roman, pero después también vimos que tenía el rango para mezclar la ira, la ansiedad, el descubrimiento y otras emociones sutiles junto con el humor. Para un niño de su edad, el enfoque de Roman es increíble e impresionante, y fue capaz de aportar una intensidad inusual a escenas muy difíciles".

Davis dice que su inspiración más grande fue que vio la oportunidad para recordarle a la gente de la historia desgarradora que hay detrás del fanatismo, y cuán profundamente puede afectar no sólo a sociedades enteras, sino también, y en especial, a los niños.

"Recuerdo haber dicho una vez algo acerca de un suástica a un amigo y no sabía a qué me refería. Le dije que es el logotipo nazi y ni siquiera sabía cómo era", explica Davis. "Así que espero que esta película le vaya a recordar a la gente lo que sucedió en la Alemania nazi, con un tipo de historia diferente a lo que hayas visto antes. Lo que más me gusta de la película es que a pesar de que es acerca de un tema muy serio, y un tema de gran relevancia, mucho de él es mostrado a través del humor y la comedia".

Aunque es su primer papel en pantalla, y a pesar de que recibió un apoyo intensivo de Waititi y sus muy experimentados compañeros de reparto, Davis sabía que, no obstante, tenía frene a él una tarea monumental.

"Jojo es un chico muy conflictuado, así que ese fue un gran reto", admite Davis. "Cuando lo conoces por primera vez, de verdad cree en toda la propaganda que ha visto. ¡Pero también te das cuenta que es tan sólo un chico tierno que no sabe bien a bien de lo que está hablando! Está buscando algo en los nazis que le hace falta en su vida. Su padre lo abandonó y su mama está ocupada con cosas de las que no habla, así que no tiene a nadie excepto a su amigo imaginario, y piensa que el único que le podría ayudar en realidad es Hitler".

Waititi dice que su objetivo al trabajar con Davis fue dejar que todas sus reacciones naturales -y carisma innato- se reflejaran. "Roman es un chico adorable y bello, y cuando pasas tiempo con él quieres darle protección. Tiene un corazón lleno de cariño, y la idea siempre fue que esto podía trasladarse a los trasfondos del personaje. Hay mucho de Roman en el Jojo que ves en pantalla".

En el set, Waititi le brindó a Davis espacio para que pudiera hacer su propia exploración -pero también le asignó una instructora y su antigua colaboradora Rachel House, quien fue la profesora de actuación para los actores protagonistas, James Rolleston y Julian Dennison, en sus películas previas, BOY y HUNT FOR THE WILDERPEOPLE, respectivamente.

Sumado a ese efecto, el consumado reparto inundó a Davis con consejos de veteranos. "En el transcurso de la película, Roman se convirtió en un actor sorprendente, en parte por estar entre actores tan grandiosos, como Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Rebel Wilson y Alfie Allen. Aprendió cómo hacer todas las preguntas correctas", comenta Waititi.

Rockwell opina, "Taika fue muy bueno en dejar que Roman profundizara en la experiencia de Jojo -pero de una manera en la que Roman siempre se estuviera divirtiendo. Hacer eso no es fácil".

Como parte de su preparación, Davis investigó la Hitler Youth (Juventud de Hitler), la organización creada por primera vez en 1922 para adoctrinar a niños y adolescentes en la ideología nazi, y entrenarlos para ser a final de cuentas herramientas de guerra. Eso le dio un sentido de cuán oscura era la realidad del mundo de Jojo, sin importar qué tanto quiere que sólo sea una aventura gloriosa, como le gustaría que fuera a cualquier niño de diez años.

"Lo que los nazis les hicieron a los niños fue espantoso", comenta Davis. "Querían tener un ejército de fanáticos que los ayudara a apoderarse del mundo. Ahora sé que había soldados de dieciséis años en el frente -y estaban aterrados, pero con frecuencia muchos de ellos, junto con los más valientes, fueron asesinados".

Archie Yates, quien acoge a cabalidad el distintivo punto de vista de su personaje del mundo que lo rodea, redondea el aislado mundo de Jojo, al interpretar el papel de Yorki, su adorable mejor amigo. Waititi dice acerca de Archie, "Es justo como piensas que es -alguien que iluminaba el set y era querido por todos. Tiene una manera de ver el mundo muy distinta y única, y tiene mucha confianza en sí mismo. En muchas ocasiones él y Jojo parecían como los dos personajes más cuerdos de la película".

Así como fue extraño e inesperado interactuar con Hitler para Davis, algunas de las escenas más desafiantes se presentaron cuando Jojo lucha con cómo reaccionar ante Elsa, de quien cree que de verdad tiene poderes diabólicos.

"Fue muy difícil para mí porque al principio Jojo piensa para sí, 'toda tu raza no es de confiar' y eso me hacía sentir muy mal", comenta Davis. "Aquí, Elsa está viviendo básicamente en una cueva, casi muriéndose de hambre y sola, así que me fue difícil encontrar sentimientos tan fuertes y gritar cosas pro nazis a ella".

No obstante, incluso Jojo no puede seguir mucho tiempo con sus sospechas de Elsa. Si bien al principio la conserva en secreto por miedo a que su madre sea arrestada, entre más conoce a Elsa, le es más difícil resistirse a lo que parece sentirse como una amistad auténtica y reveladora, que sacude su mundo. En muchas formas, Elsa tiene toda la valentía y el sentido de dignidad que Jojo sólo sueña con tener. Cuando comienza a escribir las cartas falsas que su novio Nathan le manda a ella, Jojo no puede evitar infundirlas con el amor que cada vez más siente por ella.

"A pesar de todo lo que piensa que supuestamente debe pensar, a Jojo le comienza a caer bien", explica Davis. "Creo que es algo muy confuso para él: ¿cómo es posible que pueda tener tal cariño por Elsa a pesar de sus creencias sólidas? Hace que se lo cuestione todo, incluso a Hitler".

Thomasin McKenzie, ELSA

"Estamos todos acabados si dices una palabra de mí…sólo una palabra…y le haré un favor al mundo al cortarte la cabeza. ¿Te quedó claro?".

-Elsa

Para interpretar a Elsa, la "niña en la pared" que Jojo descubre en shock, Waititi buscó a una adolescente que pudiera aportarle la fuerza inflexible y compostura que apaciguara la desconfianza de Jojo. Tenía que ser lo suficientemente misteriosa para persuadir a Jojo a querer saber más, pero con una humanidad que eliminara las ilusiones de Jojo y lo enfrentara ante el hecho incómodo de que todo lo que le han llevado a creer acerca de los judíos es una mentira terrible.

Sobre todo, Waitit quería que Elsa disfrutara hasta cierto punto tener poder sobre Jojo. "La situación de Elsa es muy vulnerable a lo largo de todo el trayecto -atrapada en esta cámara pequeña-, pero lo que Taika quería en realidad era contrargumentar eso al mostrar que Elsa es, de hecho, más fuerte y brava que cualquiera", comenta Neal.

Waititi encontró la valentía llena de confianza y compleja que buscaba en Thomasin McKenzie, joven de Nueva Zelanda, quien llamó la atención mundial el año pasado con una actuación extraordinaria como una niña sin hogar que vive en el bosque con su padre en LEAVE NO TRACE, de Debra Granik. "Conocía a Thomasin de Nueva Zelanda", indica Waititi, "Y sabía que era una estrella en ascenso con algo muy especial".

Si bien el personaje de Elsa representa nada menos que la esperanza y resiliencia de la humanidad cuando se tiene que enfrentar al odio y la maldad desenfrenados, Waititi quería que ella también se sintiera como una adolescente moderna enérgica.

Waititi comenta, "Todo lo que Jojo sabe acerca de los judíos es de la propaganda y las enseñanzas en la escuela, donde les dicen que tienen cuernos y colas de diablo, y son criaturas monstruosas. Así que quería que Elsa fuera esta niña muy bonita y genial, que tiene esta actitud férrea, así que él queda tanto fascinado como intimidado por ella al instante".

Conmovida por la historia que "tiene una perspectiva que nunca había visto", McKenzie se sumergió a investigar. Eso y las conversaciones con Waititi la llevaron a un lugar más profundo de la psique de Elsa, y le ayudaron a crear un personaje que desafía estereotipos. "Hice mucha investigación de lo que fue ser una niña joven judía durante la Segunda Guerra Mundial", agrega McKenzie. "Pero ya había concebido en mi mente una idea victimizada de Elsa, y cuando me reuní con Taika me dijo que desechara eso y que pensara en Elsa como una chica que no es para nada una víctima, y que sin lugar a duda no se ve de esa manera. Me encantó que tiene mucha vida y muchas otras capas en ella".

Elsa, nunca conforme o pasiva, tiene, en esencia, un sentido de la travesura, que emplea para evitar que Jojo la denuncie. "De hecho, Taika me dijo que viera la película HEATHERS, porque ese era el tipo de personaje que había imaginado para Elsa", señala McKenzie, al hacer referencia a la comedia clásica de culto de la década de los '80, acerca de una camarilla de adolescentes precoces y conscientes de sí mismas, que pelea por la popularidad en la preparatoria.

Waititi explica, "Quería que Thomasin pensara en Elsa como una de las chicas cool de la escuela, antes de que todo esto hubiera sucedido. Necesitaba haber en ella un tipo de resentimiento al haber tenido que dejar esta vida muy divertida, donde era popular y tenía muchas cosas que hacer, y ahora está escondida sin nada. También me gustó que como que le echa la culpa a Jojo y a todas sus malas ideas por la situación en la que se encuentra".

McKenzie ve a Elsa como alguien que quiere a como dé lugar su libertad. "Lo que me encanta es que no quiere que sientan lástima por ella, sólo quiere ser capaz de vivir su vida sin que toda esta porquería esté sucediendo", comenta McKenzie. "Desde luego, nunca me he tenido que esconder de una situación de vida o muerte como es su caso, pero me identifico con ella como adolescente, a quien, antes de que esto haya sucedido, le gustaban los niños y chismeaba con sus amigos, y hacía y soñaba cosas que los niños normales hacen. Cuando se tuvo que esconder no dejó de ser esa persona".

La presentación inusual de Elsa se volvió una de las escenas favoritas de McKenzie. "Al principio, no sabes bien a bien si es un monstruo o un fantasma. No sabes quién es o cuáles son sus intenciones. Estás en el punto de vista de Jojo, así que comienzas sintiendo miedo de Elsa. Pero entonces, al igual que Jojo, ves más y más quién es y por todo lo que está pasando. Conforme Elsa y Jojo comienzan a ver de manera más clara cómo es el otro, afuera de toda la propaganda que los rodea, desarrollan una relación casi como la de un hermano y hermana".

Trabajar con Roman Griffin Davis sólo hizo que eso saliera más a relucir. "Conocí a Roman por primera vez en los ensayos", recuerda McKenzie. "Entró muy campante, con mucha seguridad en sí mismo, además de ser simpático y no tener miedos. Fue capaz de transmitir todas estas emociones intensas, que no estoy segura si alguien esperaba eso de un niño de once años. De verdad admiré la manera en cómo parecía sentir una gran responsabilidad por contar la historia de Jojo".

En sus breves, pero memorables escenas con Scarlett Johansson, McKenzie señala que gran parte de la pérdida mutua es comunicada con pocas palabras, "No tienes la oportunidad de ver en toda su extensión su relación, pero Rosie es alguien que le está salvando la vida y poniendo mucho en juego para tener a Elsa en su casa. Elsa siente admiración y un anhelo por establecer una relación, un anhelo por tener una madre y alguien con quien hablar".

Scarlett Johansson, ROSIE BETZLER

Rosie Betzler a Elsa: "Te vas a ir a Marruecos, te harás de amantes y los harás sufrir, verás a los ojos a un tigre y aprenderás a confiar sin miedo. De eso se trata ser una mujer, o, de menos, lo que podría ser una".

-Rosie Betzler

Scarlett Johansson ha interpretado a un extraterrestre, al tema de una pintura de Vermeer y a la Viuda Negra de Marvel, entre muchos otros, pero el papel de Rosie Betzler, madre juguetona -pero llena de ferocidad y desafiante- de Jojo, fue otra vez algo nuevo para ella.

Johansson ya conocía a Waititi, así que cuando escuchó acerca de Jojo Rabbit quedó intrigada de inmediato. Entonces, se topó con Rosie y ya no se pudo quitar al personaje de encima.

"Lo que me encanta acerca de Rosie es que es imaginativa, poética y romántica de una manera descarada -y, al mismo tiempo, es esta fuerza muy centrada para Jojo. Está luchando por la resistencia y es una mujer muy moderna", describe Johansson. "Es una luz muy brillante en esta época muy oscura. Para mí es muy raro leer algo y sólo decir 'Tengo que hacer esto', pero de verdad me sentí de esa manera cuando leí este guion".

Johansson y Waititi hablaron mucho acerca del tipo de madre que Rosie es -intenta balancear su necesidad por vivir de manera audaz y ser fiel a sí misma, mientras hace todo lo posible por mantener seguro a Jojo de la pérdida y el peligro.

"Taika y yo tuvimos conversaciones acerca de cómo es ser una madre trabajadora que tiene una vida laboral apasionada, pero que también es una madre muy comprometida. Creo que eso ayudó a ilustrar en quién se convierte Rosie a la postre. Está llena de vida y es misteriosa, y, por sobre todo, no se ha dado por vencida", explica Johansson. "Ser una madre es una gran parte de su identidad, pero es sólo una parte. También está llena de fervor e ideas, y yo quería que tuviera todos estos matices diferentes, para que pudieras percibir a alguien llena de vida".

Waititi dice que Johansson le aportó tonalidades al papel que incluso él no pudo haber previsto. "Scarlett tiene este tipo de atributo bobalicón intrínseco que siempre he querido ver en una película", comenta. "Al mismo tiempo, hace de Rosie una carta de amor para las madres solteras. Incluso en medio de una época que es tan peligrosa y desquiciante, Rosie tiene bien afianzada la inocencia de Jojo, y es sin lugar a duda uno de los personajes más fuertes de la película".

Durante el rodaje, Johansson se dedicó a forjar su propio vínculo estrecho y necesario con Roman Griffin Davis. "Rosie y Jojo tienen una relación muy amorosa, y quería que se sintiera esa ternura de inmediato cuando los ves", comenta Johansson. "Incluso a pesar de que Rosie es una soñadora y tiene un poco de comediante, también es muy pragmática. Ser padre en gran medida requiere de balancear de manera constante tu lado adulto práctico y responsable y el lado que puede crear un mundo mágico para tus hijos".

Para todos en el set, la conexión imperiosa entre Johansson y Davis era palpable. "Scarlett fue muy cariñosa con Roman, y él respondió a ello de una manera tan intensa, que desde el primer día podías sentir ese vínculo profundo entre ellos", comenta Neal.

En una de las escenas más conmovedoras del filme, Rosie se hace pasar por el padre ausente de Jojo en un intento por llegar a él. Para tal efecto, se pinta una barba y entabla una conversación entre ambas partes con ella misma, que va desde lo temperamental a la melancólico y lo cariñoso.

A la vez divertida, desgarradora y agridulce, Johansson le da crédito a la escritura de Waititi por evocar su actuación multicromática.

"La manera de escribir de Taika puede ser de algún modo triste, conmovedora y encantadora, todo al mismo tiempo", describe Johansson. "Su escritura es muy colorida, pero también complicada. Ese es el regalo que Taika les da a los actores".

Sam Rockwell, CAPITÁN KLENZENDORF

"¿Quién soy yo y por qué le estoy hablando a un grupo de mocosos en vez de estar liderando a mis hombres hacia una muerte gloriosa? Gran pregunta. Me la he preguntado todos los días desde la Operación Metimos la Pata, donde perdí un ojo en perfectas condiciones, en un ataque enemigo que se pudo prevenir totalmente".

- Capitán Klenzendorf

Como el capitán Klenzendorf, el entrenador arrogante y descarado de las tropas de la Hitler Youth, quien es, dependiendo el momento, ídolo, némesis y/o confidente de Jojo, Sam Rockwell una vez más demuestra su gran rango. Reciente ganador del Oscar por su interpretación de un policía pueblerino en THREE BILLBOARDS OUTSIDE EBBING, MISSOURI, y elogiado por su interpretación como el legendario Bob Fosse en el telefilme FOSSE/VERDON, Rockwell le aporta tanto una extravagancia cómica como un toque humano al guerrero nazi tuerto, quien tiene nula fe en el comando militar y una cantidad de secretos cada vez mayor.

A Rockwell le intrigó de Klenzendorf el matrimonio de la comedia y el drama, del cinismo exasperante y la rebelión silenciosa. "Es un tono muy inusual el que Taika tenía en mente para la película", reflexiona. "Comienzas pensando: ¿acaso esta película va a tener en realidad a un niño pro nazi como el protagonista? Después te das cuenta que la historia es en realidad acerca de la tolerancia, la familia y la humanidad, y me parece que es un filme muy bello y sofisticado".

En vez de ver a los nazis históricos, Rockwell se fijó en cambio en los comediantes clásicos para inspirarse. "Vi a Bill Murray y Walter Matthau", dice entre risas. "Klenzendorf es alemán y está tuerto, y es gay -pero, aparte de eso, es muy parecido a Matthau en BAD NEWS BEARS".

Así como es evidente que el personaje es necio en gran medida, a Rockwell le gustó en especial que en Klenzendorf hay más que lo que salta a la vista. "Me encantan los papeles que tienen una dicotomía intrínseca y en Klenzendorf está pasando más de una cosa. Por un lado, es un nazi gay, que, aunque existieron, no es una frase que escuchas muy a menudo, así que me pareció fascinante trabajar con esa yuxtaposición".

Rockwell también encontró inspiración en sus compañeros de reparto. "Stephen Merchant me estaba matando de la risa con sus improvisaciones, la manera en la que él y Taika lo hacen, nos tenían desternillados de risa", comenta. "Y después está Rebel Wilson, vaya que es hilarante. Su comedia es divertida, extraña y muy original".

Más que la mano derecha de Klenzendorf, Freddie Finkel -quien está dedicado al 100% a Alemania, pero incluso todavía más a Klenzendorf, debido a la relación tácita entre ellos- fue otra pieza de casting inesperada. El papel lo interpreta Alfie Allen, mejor conocido como el agraviado Theon Greyjoy en GAME OF THRONES.

"Este papel no se parece a nada que haya hecho antes", indica Allen. "Es una idea riesgosa y emocionante, y espero que haga lo que el arte debe hacer; provocar emociones distintas en todo tipo de persona que esté allá afuera".

A Allen le encantó la oportunidad de haber colaborado tan de cerca con Rockwell. "Las oportunidades que tuvimos a diario para improvisar y sólo divertirnos fueron asombrosas", comenta. "Si me hubieras preguntado antes si había una persona con la que más me hubiera gustado trabajar, ésa sería Sam. Fue un sueño vuelto realidad, y, todavía mejor, nos llevamos muy bien, por lo que toda la dinámica fue fantástica".

La atmósfera familiar en el set hizo que todo fuera mucho más fácil para que todos los actores tomaran riesgos, comenta Allen. "Taika es muy apasionado y eso permea en todos los demás", acota Allen. "Le gusta pasársela bien, pero también le gusta trabajar duro y profundizar, así que, para él, todo es acerca de generar confianza y crear un ambiente donde todos se sientan a gusto. Eso sacó lo mejor de todos nosotros".

Taika Waititi, ADOLF HITLER

"No hay razón alguna para permitir que esa cosa en el ático arruine tu vida.

De hecho, puedes usarlo para tu ventaja".

-Adolf

El mismísimo Waititi interpreta uno de los papeles principales de la película; como Adolf, el amigo imaginario y consejero de Jojo.

"Yo no fui mi primera elección para el papel", dice Waititi entre risas, "y no era la elección obvia. Al principio, vimos a unos cuantos actores distintos y quizás es algo que pone nerviosa a la gente, y probablemente debería ser así, pero muchos de los actores no se sentían cómodos con el rol. Para mí, fue divertido porque no lo basé en absoluto en el Hitler histórico. Es un producto de la imaginación de Jojo, así que su conocimiento del mundo está limitado a lo que un niño de diez años podría entender. En esencia, es el diablillo en el hombro de Jojo. También es un poco una proyección de los héroes de Jojo, todos combinados, incluido su padre".

Si bien Waititi incorpora el infame numerito de Hitler -el lenguaje iracundo y autocrático, y los gestos exagerados-, su Hitler también está impregnado con la alegría aniñada de Jojo, hasta que comienza a desenredar las líneas imaginarias. "Decidí interpretarlo como una versión más estúpida de mí mismo -si eso es posible-, pero con un bigote de Hitler", comenta Waititi.

La versión de fantasía de Jojo es apenas la figura histórica. En cambio, es un revoltijo chiflado y desbordado de los propios impulsos de Jojo, de sus deseos, de cosas que ha leído o escuchado y de su anhelo por una figura paterna. "De hecho, la versión de Jojo de Adolf puede ser en ocasiones muy agradable, lo que podría resultar un poco extraño porque es Hitler, pero en otras ocasiones es muy aterradora", describe Davis. "Taika estuvo asombroso al interpretar eso, donde podía ser muy divertido y después, de repente, se te quedaba mirando de manera muy intensa. Taika es una persona súper positiva y optimista, pero cuando es Hitler puede parecer muy malvado".

La primera vez que Davis vio a Waititi en su atuendo, le sobrevino un fuerte escalofrío. "¡Fui al cuarto de Taika a hacerle una pregunta y era Hitler! Quedé boquiabierto porque nunca había visto a un Hitler de tamaño real. Lo había visto en un pequeño iPad, pero verlo al doble de mi tamaño fue muy aterrador", recuerda.

Conforme Jojo madura, Hitler cambia acorde a su mente evolutiva. "Comencé dándole a Adolf un cierto porte, pero a lo largo de la película éste se va tornando cada vez más triste, y un poco más como si estuviera agobiado", describe Waititi. "Es muy delicado al principio, al igual que Jojo, pero para el final de la película es este déspota desconsolado".

Rebel Wilson, FRAULEIN RAHM

"Ahora recojan sus cosas, chicos, ¡llegó la hora de quemar algunos libros!"

-Fraulein Rahm

Para brindar momentos de comicidad socarrona a lo largo de Jojo Rabbit está Fraulein Rahm, interpretada por Rebel Wilson, la instructora de la Jungvolk, quien les enseña a las niñas cómo ejecutar sus "deberes femeninos" en tiempos de guerra, pero ella misma sueña con unirse al frente. La estrella cómica australiana conocida por su habilidad para hacer que personajes con una inocencia hilarante y despistada cobren vida. Fraulein Rahm emula esta tradición, ya que siempre está dispuesta a creer todo mito nazi absurdo que haga las rondas.

Cuando Waititi le mostró a Wilson el guion y le pidió que le pusiera sus propios toques a su muy inusual personaje, estaba fascinada. "No todos los días te envían un guion de comedia que sea tanto divertidocomo poderoso, así que de inmediato quise formar parte de él", comenta. "Lo que me gusta del estilo de Taika es que su sentido de comedia es muy natural -e inusual".

Wilson también se la pasó de maravilla con Rockwell. "Soy una gran aficionada de él y es muy bueno en lo que hace, pero también es el tipo más agradable. Así que salvo que teníamos que ser nazis, fue genial haber trabajado con él", bromea.

A pesar de su interpretación satírica de una mujer que no se cuestiona absolutamente nada de lo que escucha, Wilson indica que Fraulein Rahm representa a muchas mujeres alemanas que desempeñaron papeles importantes en la guerra.

"La película está situada hacia finales de la Segunda Guerra Mundial, cuando muchos hombres alemanes ya habían muerto, así que se les permitió a las mujeres desempeñar trabajos que eran previamente hechos por los hombres", explica Wilson. "Esto sucedió en realidad: para 1945 fue todos manos a la obra y las mujeres hacían lo que podían. Fraulein Rahm sirve de cualquier manera posible: les enseña a las niñas sus deberes femeninos, le da terapia física a Jojo, después a manejar una metralleta".

"Las habilidades intrépidas de Wilson para la improvisación y su entendimiento de cómo balancear la inconsciencia absurda de su personaje con su impacto en el mundo, fue un gran maridaje con la mezcla de tonos del filme", comenta Neal. "Con frecuencia, Rebel tenía a todo el equipo de producción muerto de la risa", comenta. "Improvisaba, cada día llegaba con sus propios diálogos y esa es la manera en la que a Taika más le gusta trabajar".

Stephen Merchant, CAPITÁN HERMAN DEERTZ

"Nos estábamos diciendo 'Heil-Hitler' entre nosotros,

y estamos por llevar a cabo una investigación al azar".

-Capitán Herman Deertz

Quizás el personaje de humor más negro y aterrador de todos en Jojo Rabbit es el capitán Herman Deertz de la Gestapo de Falkenheim, quien investiga de manera meticulosa reportes de judíos y miembros de la resistencia escondidos. El complejo papel es encarnado por el actor y escritor inglés Stephen Merchant, reconocido por coescribir y codirigir con Ricky Gervais la muy influyente serie de televisión británica THE OFFICE, coescribir y protagonizar EXTRAS, también con Gervais, por su serie cómica para HBO "Hello Ladies" y por dirigir su película más reciente FIGHTING WITH MY FAMILY.

Merchant apreció la manera casi imposible de entretejer la narrativa de Waititi en el guion. "Tomó algo que en la superficie es desolador y encontró la manera de inyectarle humor, emoción y corazón", comenta. "Me pareció que el guion tenía un filo cargado y satírico en la misma vena que, digamos, DR. STRANGELOVE y otras comedias de humor negro que se enfrentan a temas serios al hacerlos muy divertidos".

Aunque esta es su primera colaboración, Merchant tenía una corazonada de que él y Waititi iban a estar en la misma frecuencia. "Sabía que quizás y teníamos una sensibilidad en común, tanto en términos de nuestro sentido del humor como en nuestro estilo de actuación…y no quedé decepcionado. Taika fue muy colaborador y me consintió en gran medida, ya que me permitió jugar con el personaje e improvisar diálogos".

Parte del objetivo de Merchant fue mantener al capitán Deertz amenazante, pero que al mismo tiempo estuviera dentro del tono absurdo del filme. Espera que el personaje le recuerde a la gente de lo que se pueden llegar a convertir cultos de personalidad abusivos. "Hay algo irrisorio acerca de la veneración de este hombrecito con su bigotito, que parece un contador enojado, y esa es una de las cosas con las que Taika juega en el filme", explica. "Existe una sensación de cómo la gente puede ser arrastrada por sandeces, a falta de una mejor palabra. Es algo que todavía resuena en la actualidad. Todavía vemos a gente por todo el mundo que se deja llevar por estas cosas -en especial cuando hay un uniforme y una identidad involucrada-, así que bien vale la pena satirizarlo".

"Creo que la película podrá herir susceptibilidades, pero espero que la gente vea que también es una historia bella y oportuna acerca de un niño que aprende a pensar por sí mismo, y no se deja enganchar, ni caer redondito en lo que le han dicho, sino cuestionar lo que él ve que está sucediendo a su alrededor", concluye.

RECREANDO LA ALEMANIA DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

"¡Los rusos, Jojo, vienen! Y los estadounidenses del otro lado, así como Inglaterra y

China y África y la India. ¡Todo el mundo viene!".

- Yorki

Al igual que la historia, el diseño de Jojo Rabbit presenta el mundo a través de la lente confinada, pero vívida, de un niño de diez años, lleno de colores brillantes y belleza bucólica, en medio de la opresión y la destrucción de la Alemania nazi. Desde el principio, Waititi sabía que quería llevar a las audiencias más allá del "look de guerra" nostálgico.

"En muchas películas de la Segunda Guerra Mundial todos se visten de café y gris, y sólo se siente triste y pasado de moda. Pero, no obstante, si ves la moda de aquella época, había en realidad muchos colores brillantes y distinción. No quisimos ir demasiado lejos y hacer algo surrealista, pero queríamos sacar el color y la energía que no sueles ver con frecuencia", comenta Waititi.

Para crear el mundo de matices múltiples de Jojo, Waititi conjuntó un premiado equipo de producción liderado por el director de fotografía Mihai Malaimare (THE MASTER, THE HATE U GIVE), el diseñador de producción nominado al Oscar Ra Vincent (THE HOBBIT: AN UNEXPECTED JOURNEY, THOR: RAGNAROK) y la diseñadora de vestuario Mayes Rubeo (THOR: RAGNAROK, AVATAR).

Malaimare indica que material a color de la Alemania de la Segunda Guerra Mundial descubierto recientemente cambió su perspectiva de una época que en la mayoría de las mentes de la gente se revela en blanco y negro. Haber podido ver ese mundo a color -la manera en la que Jojo, Rosie y Elsa lo hubieran experimentado- le dio toda una nueva dimensión y viveza.

"Una de las cosas que Taika y yo platicamos al principio es que nuestra percepción de aquella época puede ser engañosa", explica Malaimare. "Hemos visto tantas películas de época de la Segunda Guerra Mundial con un aspecto tenue, ya sea en blanco y negro o con colores más sombríos, que estamos impactados de ver un espectro de color tan vibrante. Pero esa fue la realidad, y una vez que decidimos reflejar esto, fue una idea que circuló a través del diseño de sets y los vestuarios, y eso ayudó a establecer el tono que Taika quería para la historia. Se sentirá un poco extraño para el público, sólo porque no estamos acostumbrado a ello, pero me parece que el color lo hace más real para nosotros".

Ra Vincent añade: "Todos sentimos que aquí teníamos una oportunidad única de crear una mirada fresca para una película de la Segunda Guerra Mundial. En vista de que la audiencia lo está viendo a través de la mirada de Jojo, nuestra paleta creativa no podía usar color solamente, sino un color más intensificado y podíamos hacer los ambientes más abstractos, pero de manera alegre. A la edad de Jojo las cosas están un poco más teñidas de rosa y el mundo parece ser más grande y sorprendente. Así que nos dimos a la tarea de recrear esta sensación, ese sentimiento que todos tenemos en la infancia, pero dentro de la Alemania de la década de los '40".

Malaimare también examinó con atención imágenes auténticas de niños de aquellos tiempos, en especial el trabajo de Henri Cartier-Bresson, fundador de Magnum Photos. Cartier-Bresson comenzó a fotografiar Europa a punto de que sucedieran cambios masivos a principios de la década de los '30. Más adelante, después de escapar un campo de trabajos forzados alemán de prisioneros de guerra, documentó a la población de Europa durante y después de la liberación aliada. Sus fotografías de niños evocan un sentimiento particularmente surrealista, que contrasta de manera clara con su carácter juguetón espontáneo y la alegría pura de estar vivo, en oposición a los ambientes menos infantiles de la guerra y la ruina.

Cuando se trató del Hitler imaginario de Waititi, éste y Malaimare le apostaron a una técnica fotográfica tosca que resalta cuán normal le parece a Jojo conversar con este amigo que ha conjurado en su mente. "Taika y yo llegamos muy rápido a la conclusión de que teníamos que fotografiar a este Hitler como un personaje real, porque entre más real fuera, más lo verías a través de la perspectiva de Jojo", dilucida Malaimare.

Al usar la familia de cámaras digitales de 35mm de la Arri Alexa SXT, Malaimare implementó un método único con los lentes. En vez de apegarse a los lentes anamórficos 2X estándar, utilizó los lentes anamórficos squeeze 1.3X Hawk V-light que le dan una sensación más orgánica. "Encontramos que esta técnica de usar lentes anamórficos 1.3X nos daba la saturación de color que queríamos. Los tonos de piel obtienen esta cualidad sedosa, así que se siente muy vivo, sin ser demasiado cinemático", explica el cinefotógrafo. "Esto también contribuye al tono del filme. Y en vista de que los lentes Hawk son hechos en Alemania, fue de gran utilidad haber rodado cerca".

Para hacer que cobrara vida Falkenheim, el pueblo natal ficticio de Jojo, la producción se dirigió a Žatec y Úštěk, pueblos pequeños de la República Checa -un área que fue considerada en ocasiones parte de Alemania y estuvo bajo la ocupación alemana durante la Segunda Guerra Mundial. Aquí, en un lugar que nunca fue bombardeado, los edificios previos a la guerra han conservado esa apariencia del viejo mundo, como si fuera un libro de cuentos.

"Elegimos esos pueblos porque tenían mucho carácter y se sentían como los más alemanes de todos los pueblos checos que visitamos, con mucha arquitectura barroca estilo alemán", comenta Vincent.

Malaimare encontró que la República Checa le daba la libertad creativa que un cinefotógrafo anhela. "En una película de época, con frecuencia estás intentando ocultar señales del mundo moderno con ángulos de cámara e iluminación, pero aquí, todo se veía muy bien y auténtico, además de que había muchos detalles para donde vieras, lo que nos brindó muchísimas más opciones. Apenas y podías decir que era el siglo XXI, porque no había cables o unidades de aire acondicionado, o cualquier cosa que te sacara de la época. Así, tuvimos el hermoso lujo de ser capaces de movernos libremente y rodar a 360º, y eso fue muy asombroso".

La mayoría de los sets interiores fueron construidos en foros dentro de los estudios Barrandov, en Praga, un lugar importante para hacer una sátira de la Segunda Guerra Mundial, porque durante la ocupación ese mismo estudio produjo en masa propaganda nazi espeluznante. "Se sentía como un tipo de justicia poética hacer aquí Jojo Rabbit", indica Vincent, "así como un tipo de bendición de la tierra, y despejar un nuevo camino para que prosperaran creencias antirracistas y antifascistas".

La médula del trabajo de Vincent fue diseñar la casa de los Betzler, donde gran parte de la acción se lleva a cabo. "Queríamos que la casa de Jojo y Rosie tuviera un tipo de paleta distinto al de otras películas de época", explica Vincent. "La misma edificación es una casa barroca típica, adosada, de piedra, pero decidimos que, al momento de amueblarla y decorarla, los Betzler hubieran estado muy conectados con la época. Esa era entre 1930 y 1945 fue, de hecho, revolucionaria para el estilo en Europa, a pesar de la guerra. Y Rosie es una mujer muy a la moda, así que su casa tiene mucha elegancia, con diseños muy modernos, Art Deco".

"Para nosotros fue increíble el interior de la casa. Los sets de Ra eran tan espléndidos, que podíamos rodar en cualquier dirección y era placer puro", comenta Malaimare.

Sin embargo, escondido en lo profundo, dentro de la ligereza de la casa, está el espacio oscuro y estrecho detrás de la pared de Elsa, que genera un sentimiento opuesto, al reflejar la tensión casi insoportable bajo la cual se ve forzada a vivir. También le representó a Malaimare uno de sus desafíos técnicos más graves. "Para iluminar ese espacio, utilizamos sólo velas, lámparas de gas y unos cuantos focos LED de 5 watts. Pero también estábamos usando lentes T1 y cuando ruedas a esa velocidad en luz tan baja, hay limitaciones extremas, especialmente con los movimientos del actor. Fue un trabajo muy difícil, así que nos emocionó haber podido obtener esas tomas", comenta.

Conforme los eventos de la película se tornan más sombríos, pasa lo mismo con los colores. Vincent explica, "Para los momentos más felices y festivos de la película, usamos una paleta diversa de colores sobresaturados. Después, los disipamos una vez que el drama entra en juego. La mayoría de la película se lleva a cabo en el otoño, así que tuvimos la oportunidad de traer verdes exuberantes, rociados con rojos, naranjas y rosas espléndidos en nuestras escenas de calles".

VISTIENDO PARA LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

Para el guardarropa, Mayes Rubeo -conocida por diseños que van desde el imperio maya antiguo de APOCALYPTO al mundo ficticio de AVATAR, hasta el universo de Marvel de THOR: RAGANAROK -trabajó en sincronía y de manera estrecha con Vincent.

Waititi se había dado cuenta en su investigación que la gente tendía a vestirse mucho más formal que en la actualidad, quizás debido al fatalismo, y quería capturar ese sentido de belleza elegante que permeaba. "Hacia el final de la guerra, la gente pensaba todos los días que ése podía ser su último, así que usaban la mejor de sus ropas y se ponían todo su maquillaje", explica. "Si iban a morir, querían verse bien".

Así como con Vincent, Waititi le recalcó a Rubeo que quería una apariencia para el filme que fuera inesperada y llena con el espíritu de la infancia. "Taika siempre dijo, 'Quiero un mundo de la Segunda Guerra Mundial que no sea vea como ningún otro, porque esta película es vista a través de la mirada de un niño de diez años", recuerda Rubeo. "A esa edad, creo que lo recuerdas todo, pero con un tipo de resplandor en todo ello. Todo se ve como una mañana de primavera. A mí me pareció que lo que Taika estaba buscando era en gran medida lo que los neorrealistas italianos estaban haciendo en la década de los '40, pero a color. La película tiene todos esos atributos neorrealistas, donde hay momentos alegres y encantadores, pero también momentos muy dramáticos, y el humor puede ir de divertido a trágico en un instante".

La médula del trabajo de Rubeo era el pulso del mundo de Jojo: la refinada y elegante Rosie Betzler. Rubeo hurgó entre las tiendas de disfraces italianas más fantásticas para elegir piezas anticuadas. Pero también confeccionó a mano varias de las blusas y vestidos de Rosie, para resaltar todavía más su personaje.

"Rosie es este personaje maravilloso y extrovertido, cuya vida es como una provocación, porque es muy determinada y no está nada de acuerdo con Hitler. Para mí fue el ancla desde donde todos los demás diseños provinieron", comenta Rubeo. "Hablamos acerca de que tuviera antecedentes artísticos y tomé eso como punto de partida. De igual manera, hay un sentimiento de que incluso antes de la guerra, los Betzler vivieron bien. Incluso si ahora nada más tienen una patata para comer, es servida en un mantel elegante, porque Rosie todavía cree en la buena vida".

La apariencia de Rosie tenía que ser tan distintiva, que el público la reconoce, al instante, en la escena que, desde un punto de vista emocional, es un punto de inflexión devastador de la historia. "La mariposa parecía expresar quién es ella, y usamos un par de zapatos únicos, que sobresalen para una mujer de esa época. Creo que es más poderoso cuando sólo ves los zapatos y haces la conexión con la mariposa en ese momento", comenta Rubeo.

Para Mihai Malaimare, en ese momento no había necesidad de que la cámara se moviera hacia atrás. "Trabajamos con Mayes de principio a fin para prepararnos para esto", explica. "De tal forma, con la cámara siempre intentamos asegurarnos de que la audiencia estuviera consciente de los zapatos de Rosie. Por ejemplo, te percatas de ellos cuando está bailando en el río en ese momento de ligereza, para que más adelante no necesitemos mostrar nada más".

Desde luego, Jojo usa principalmente su uniforme de la Jungvolk, que Rubeo basó en diseños históricos auténticos. "Encontramos algunos uniformes de época en Berlín, pero teníamos que hacer muchos de ellos en tallas distintas para todos los extras, así que hicimos los nuestros. Cuando ves a Jojo en su casa en uniforme, es como si fuera un niño intentando ser el policía de su hogar", describe.

Para la interpretación absurda de Waititi de Hitler, Rubeo también confeccionó el infame uniforme del partido nazi de color café. Pero mantuvo a este Adolf en un par de pantalones de equitación más voluminosos, que enfatizaban tanto su naturaleza imaginaria como sus turbias inseguridades.

A lo largo de gran parte del filme, Rubeo se mantuvo fiel a la apariencia austera y hecha a la medida del ejército alemán. Pero tuvo la oportunidad de verse más ostentosa con el capitán Klenzendorf, quien se imagina en secreto con un uniforme de diseñador -y, a final de cuentas, se sale de sus confines para darle vida a su heterodoxo atuendo de ensueño.

"El capitán Klenzendorf vive en un mundo propio", dice entre risas Rubeo. "Tiene toda esta creatividad llamativa a la que queríamos darle expresión al final, cuando estalla en escena. Taika aportó muchas ideas y yo sabía que quería algo casero, colorido y divertido, pero también un poco heroico. Para mí, la cosa principal era que se tenía que sentir como un uniforme hecho por alguien que casi no sabe nada acerca de las reglas del diseño. ¡Fue divertido hacer eso!".

Con tantos diseños que, así como el filme, se desvían de lo histórico hacia lo totalmente único, Rubeo pasó horas intensivas con Waititi -que, dice, nunca dejaron de ser un placer. "A Taika le encanta la comunicación constante y a mí también me gusta, porque cuando pasas tanto tiempo juntos, es cuando eres capaz de crear algo que esté en armonía con los otros elementos, que era muy importante para Jojo".

El supervisor de efectos visuales Jason Chen también trabajó para expandir el mundo de Jojo. En especial, tuvo mucho trabajo por delante con la escena de guerra culminante del filme, toda vez que un combate a gran escala aparece de lo abstracto en la calle de Jojo. "Queríamos que la película estallara en un caos absoluto con tanques rondando por todo el lugar y muchos disparos y destrucción", describe Chen. "Durante la mayor parte de la película, hemos estado en la imaginación de Jojo, con su perspectiva juguetona de la guerra, pero cuando la batalla le pega al pueblo, de repente somos golpeados con el entorno de lo que la guerra es en realidad. Queríamos la atmósfera y el ruido aterradores de todo ello, para que se sintiera muy genuino".

"En ciertas formas se siente muy visceral y real, pero también creamos algo que se vuelve un tipo de momento mágico y surrealista en el filme", indica Malaimare de la escena decisiva.

Una de las escenas fantásticas predilectas de Chen es cuando Jojo y Elsa conversan en el ático, donde intiman cada vez más a pesar de ellos mismos, con un paisaje nocturno reluciente que flota en el cielo tras ellos. "Hay una ventanita encima de ellos que refleja cómo se detonan bombas a la distancia. Usamos una pintura matte que se veía casi como estrellas encima de ellos para ayudar a crear este momento romántico, pero desgarrador", comenta Chen.

Al igual que el resto del equipo de producción, a Chen le encantó haber sido invitado todo el tiempo a que llevara su creatividad al límite. "Taika es el colaborador por excelencia", describe. "Tomará la sugerencia de cualquiera del equipo de producción. De verdad cree en decirle a todos: aquí está el esbozo de mi idea, ayúdenme a esculpirla".

LOS TOQUES FINALES: COMPONIENDO LA MÚSICA PARA TIEMPOS DE GUERRA

"El Reich se está muriendo. Vamos a perder esta guerra y después qué vas a hacer.

Todo lo que estoy diciendo es que la vida es un regalo y, por lo tanto, debemos celebrarla".

-Rosie Betzler

Waititi y su editor, Tom Eagles, (WHAT WE DO IN THE SHADOWS, HUNT FOR THE WILDERPEOPLE), colaboraron de manera estrecha con el compositor ganador del Oscar Michael Giacchino, quien, mientras editaban el filme, componía una banda sonora que funcionara codo a codo con el espíritu de la película, para que fluyera a través de todo el espectro de emociones de Jojo.

"He sido aficionado del trabajo de Michael desde hace mucho tiempo, especialmente de su increíble y conmovedora banda sonora de UP, para Pixar", comenta Waititi.

Conocido por componer las populares bandas sonoras de siete aventuras animadas de Pixar, Giacchino también se ha vuelto uno de los compositores más solicitados para películas mega taquilleras, tales como STAR TREK BEYOND, SPIDER-MAN: HOMECOMING y WAR FOR THE PLANET OF THE APES. Pero dice que la banda sonora para Jojo Rabbit podría ser su favorita a la fecha.

"Me siento orgulloso de ser parte de una película que no le dé miedo decir su verdad y de que muestre algo allá afuera que pueda causar asombro, pero espero que a raíz de ella se generen conversaciones nobles e importantes", comenta. "Taika se dejó llevar con esta idea descabellada de una manera hermosa, y me parece que, si quieres decir algo que sea auténtico y necesario en este mundo, tienes que tomar algunos grandes riesgos".

Waititi continúa, "Su trabajo en Jojo Rabbit llevó la película a un nuevo nivel, toda vez que incrementó la resonancia emocional de la película, además de haber empalmado los temas, los personajes y el mundo de la misma. Fue un proceso muy colaborativo e instintivo haber trabajado con él".

Aunque Giacchino evita por lo general leer los guiones, ya que prefiere absorber las emociones más directas del pietaje, en este caso Waititi le pidió que le echara un ojo para que pudieran hablar de él. A Giacchino le da mucho gusto haberlo hecho. "Me encantó", dice, "y al conocer las otras películas de Taika, sabía que le iba a aportar justo el toque correcto. De verdad entiende cómo la comedia y la tragedia están entrelazados. La mejor comedia siempre ha provenido de las situaciones humanas más arduas, y la Alemania nazi es una de las situaciones más difíciles en la historia".

Una vez que absorbió el poderío del guion, él y Waititi hablaron del tono. "Ambos concordamos que queríamos ser directos, puros y auténticos con la música", comenta Giacchino. "Taika no necesitaba que la música fuera cómica porque la película ya lo era. La primera pregunta que siempre hago es, '¿qué quieres que la gente sienta cuando salga de ver la película?'. Para mí, ese sentimiento fue Jojo yendo de una actitud cerrada e intransigente con respecto al mundo, a ver cómo su forma de ver la vida es destrozada y comienza a ver todo de una manera muy distinta. De ahí partió la inspiración".

Era evidente para Giacchino que, así como las imágenes emanan de la inocencia, exuberancia e ingenuidad de Jojo, así también la música tenía que ser impulsada por su personaje emocional y volátil. "Sentí que la música siempre tenía que estar con él, así que lo primero que hice fue componer una suite de once minutos que mostrara el trayecto de su personaje. Si bien hay momentos donde Rosie o Elsa cambiarán la música, la banda sonora proviene principalmente de las emociones de Jojo. La melodía principal es tocada a lo largo de la película de diferentes maneras. Aunque comienza como una marcha, más tarde se convierte en un adagio durante la batalla, toda vez que el nacionalismo de Jojo comienza a transformarse en otra cosa".

Giacchino estaba listo para también pensar fuera de lo común. Esto lo incluyó todo, desde componer canciones con la letrista Elyssa Samsel para Jojo y sus compatriotas, a cantar en el campamento de la Jungwolk, hasta usar su contacto con Paul McCartney para explica por qué tenía que darle un permiso absoluto a Waititi para que usara la versión alemana de los Beatles de "I Want To Hold Your Hand" para una escena acerca de la histeria por Hitler.

No obstante, sus bases recayeron en influencias clásicas. "Sabía que quería una banda sonora muy europea, algo que se sintiera como si estuvieras deambulando por la calle en la Alemania de 1939, pudieras escuchar esa música tocando desde la ventana de alguien. Chopin, Liszt y Satie fueron influencias. Pero, sobre todo, lo que me inspiró es haber pensado de manera constante, '¿qué es lo que me está pidiendo el filme?'. Sólo debes de intentar tomar esas emociones férreas y sentirlas en tus vísceras. Ese es el reto de una película como esta".

Esas emociones llevaron a tomar la decisión de requerir un ensamble simplificado: una orquesta de 22 piezas con un cuarteto de cuerdas al centro, así como un piano, un par de guitarras y algunos instrumentos de viento y percusiones. "Para mí, es un cambio muy agradable trabajar con un grupo pequeño e íntimo como este", comenta Giacchino. "Estoy acostumbrado a trabajar con una orquesta de 100 elementos, pero a título personal siento que entre más pequeña la orquesta, más emocional es el sonido".

Si bien la película hace transiciones abruptas a los Beatles y después a Bowie (utilizando la versión alemana de su canción "Heroes" -una canción acerca del muro de Berlín, a la que David Buckley, erudito de Bowie, llamó "quizás la declaración definitiva del pop del triunfo potencial del espíritu humano sobre la adversidad"), la banda sonora contrasta con estos anacronismos.

"Me parece que tener una banda sonora más tradicional con los momentos de los Beatles y Bowie, la hace aún más extraña y sólida", explica Giacchino. "De alguna manera, todo funciona de manera conjunta, y no sé bien a bien cómo. Creo que quizás y se deba a que todo fue elegido a partir de las emociones correctas precisas para cada una de las escenas. Sí nos enfrentamos a un gran problema de convencer a la gente que nos dejara usar sus canciones para una historia acerca de Hitler. He tenido la increíble oportunidad de trabajar antes con Paul McCartney, quien es uno de mis héroes, así que era parte de un grupo de personas que lo abordamos para explicarle que esta película no era lo que parecía y que era una declaración muy poderosa en contra del odio. Al final, todo funcionó y Taika obtuvo las canciones que quería".

De hecho, para que Jojo Rabbit fuera exitosa, lo que siempre necesitó fue la gente suficiente para creer en lo que estaba intentando hacer, sin importar cuán audaz fuera. Al final, así como Jojo Rabbit muestra las realidades absurdas del autoritarismo y el fervor nacionalista de una manera trágica, así como las repercusiones personales del prejuicio y el odio, la película nos recuerda de igual manera nuestra conexión humana y de la sencilla responsabilidad de que todos tenemos que hacer lo que podamos…incluyendo intentar algo tan simple como ser buenos entre nosotros.

Waititi lo resume: "Se siente como el momento preciso para contar esta historia…porque no quieres que este sea un caso en el que fue demasiado tarde para hacerlo".

BIOGRAFÍAS DEL REPARTO

ROMAN GRIFFIN DAVIS (Jojo)

Roman Griffin Davis nació en Londres (RU). Cuenta tanto con la nacionalidad francesa como británica y vive con sus padres y hermanos gemelos en East Sussex. Roman comenzó a hacer audiciones a los nueve años, y JOJO RABBIT es su primer papel profesional en el cine. Para Roman, interpretar el papel principal de "Jojo 'Rabbit' Betzler" fue una presentación tremenda en el mundo de la narrativa valiente.

THOMASIN MCKENZIE (Elsa)

Thomasin McKenzie actuó recientemente al lado de Ben Foster en la aclamada película LEAVE NO TRACE, dirigida por Debra Granik (WINTER'S BONE), para Bleecker Street. El estreno del filme se dio en el Festival de Cine de Sundance en el 2018 ante elogios mundiales, y también se exhibió en el Festival de Cine de Cannes ese mismo año. La película fue nombrada una de las "Mejores Películas del 2018" por diversas publicaciones, incluyendo Vogue, Vanity Fair, Los Angeles Times, NPR, Esquire, Vulture y The Hollywood Reporter, entre otras.

McKenzie fue reconocida con nominaciones al Premio Gotham Independent Film y el Premio Independent Spirit por su actuación en LEAVE NO TRACE, y fue nombrada "Actuación Revelación" del 2019 por la National Board of Review. La Broadcast Film Critics Association la nominó como una de las "Mejores Actores/Actrices Jóvenes" del año, y fue honrada con el Premio Virtuoso en el respetado Festival Internacional de Cine de Santa Barbara. Varios grupos de críticos principales han reconocido la actuación de McKenzie, incluyendo la Washington DC Area Film Critics Association (nominación a Mejor Actuación Juvenil), la Detroit Film Critics Association (nominación a Mejor Actuación Secundaria), la Los Angeles Online Film Critics Society (nominación a Mejor Actuación de una Actriz de 23 años o menos), la Chicago Film Critics Association (nominación a Intérprete más Prometedora), el Kansas City Film Critics Circle (Segundo lugar, Mejor Actriz Secundaria) y la San Diego Film Critics Society (nominación a Mejor Actriz Secundaria; ganadora a Artista Revelación).

McKenzie terminó la producción del drama histórico de Netflix THE KING, de David Michd, al lado de Timothee Chalamet, Joel Edgerton y Robert Pattinson, así como de la película TRUE HISTORY OF THE KELLY GANG, dirigida por Justin Kurzel, al lado de Russell Crowe y George MacKay. Más recientemente, McKenzie completó un papel protagónico junto a Amy Ryan en la película LOST GIRLS, para Netflix. El filme será estrenado en el 2019. En la actualidad, se encuentra en la producción de THE LAST NIGHT IN SOHO, de Edgar Wright. La película de terror de Focus Features y Film4 también es estelarizada por Matt Smith y Anya Taylor-Joy.

Créditos cinematográficos previos incluyen THE HOBBIT - BATTLE OF THE FIVE ARMIES, LUCY LEWIS CAN'T LOSE, BRIGHT SUMMER NIGHT y el cortometraje THE BOYFRIEND GAME, de la realizadora australiana Alice Englert. En el 2015, este corto fue elegido para la sección Generation K del Festival de Cine de Berlín.

En la pantalla chica, a los trece años, McKenzie obtuvo elogios por su actuación como Louise Nicholas, víctima de una violación, en el premiado drama televisivo neozelandés CONSENT: THE LOUISE NICHOLAS STORY.

McKenzie es oriunda de Nueva Zelanda, donde vive con sus padres y hermanos.

TAIKA WAITITI (Adolf)

Taika Waititi es un premiado escritor, director, actor y tesoro nacional de Nueva Zelanda. Es mejor conocido por haber dirigido el aclamado éxito taquillero THOR: RAGNAROK, para Marvel, que recabó más de $850 millones de dólares en todo el mundo, además de haber escrito y dirigido las películas HUNT FOR THE WILDERPEOPLE, WHAT WE DO IN THE SHADOWS, BOY y el cortometraje nominado al Oscar® TWO CARS, ONE NIGHT.

Su siguiente filme, JOJO RABBIT, será estrenado este otoño por Fox Searchlight. Waititi escribió, dirigió y produjo la película, que también estelariza junto a Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Rebel Wilson, Thomasin McKenzie y Roman Griffin Davis. La sátira de la Segunda Guerra Mundial sigue a un niño alemán, Jojo (Davis), quien descubre que su madre soltera (Johansson) está escondiendo a una joven (McKenzie) en su ático. Ayudado por su amigo imaginario, Adolf Hitler (Waititi), el niño deberá enfrentarse a su patriotismo ingenuo.

Waititi después escribirá, dirigirá y producirá NEXT GOAL WINS para Fox Searchlight, basado en el documental homónimo del 2015, además de escribir y dirigir THOR: LOVE AND THUNDER, protagonizada por Chris Hemsworth, Tessa Thompson y Natalie Portman, a ser estrenado el 3 de noviembre del 2021. También podrá ser visto en FREE GUY, de Shawn Levy, al lado de Ryan Reynolds, Jodie Comer, Joe Keery y Channing Tatum, que será estrenada el 3 de julio de 2020, por Twentieth Century Fox.

En la pantalla chica, fungió este año como productor ejecutivo, coescritor y director de la adaptación televisiva de la aclamada WHAT WE DO IN THE SHADOWS. FX ha renovado el programa para una segunda temporada. Waititi también dirigió un episodio de THE MANDALORIAN, la primera serie de televisión de Star Wars de acción en vivo, que llegará a Disney+ el 12 de noviembre de 2019.

REBEL WILSON (Fraulein Rahm)

Como actriz, escritora y productora, Rebel Wilson se ha establecido en Hollywood como una de las intérpretes más solicitadas, al haberse ganado el cariño de las audiencias de todo el mundo por su humor distintivo, mientras aboga por nuevas narrativas para mujeres dentro del panorama cómico.

Wilson fue vista más recientemente al lado de Anne Hathaway en THE HUSTLE (Maestras del engaño), para Annapurna. Basada libremente en la clásica DIRTY ROTTEN SCOUNDRELS (Dos pícaros sinvergüenzas), de 1988, el dueto interpreta a un par de estafadoras quienes hacen mancuerna para acabar con hombres que las han perjudicado. La película es la segunda en ser producida bajo los auspicios de la compañía productora de Wilson, Camp Sugar, y fue estrenada el 10 de mayo de 2019. Después, Wilson estelarizará la adaptación para la pantalla grande de Tom Hooper del aclamado musical CATS, original de Andrew Lloyd Webber, para Universal Pictures, que será estrenado el 20 de diciembre de 2019.

Wilson produjo e interpretó el papel protagónico en ISN'T IT ROMANTIC (¿No es romántico?), para Warner Bros., acerca de una cínica arquitecta neoyorquina quien queda inconsciente y se despierta para encontrarse atrapada en su pesadilla; una comedia romántica de la vida real. El filme, coprotagonizado por Liam Hemsworth, Priyanka Chopra y Adam Devine, fue estrenado el 13 de febrero de 2019.

Wilson es quizás mejor conocida por su papel como 'Fat Amy' en la trilogía de películas de PITCH PERFECT (Notas perfectas), que ha amasado más de $540 millones de dólares en la taquilla mundial. Su actuación en las películas la convirtió al instante en una favorita de los aficionados, lo que la llevó a obtener múltiples nominaciones y victorias en los premios People's Choice, Grammy, Teen Choice y MTV Movie.

En el 2016, Wilson protagonizó HOW TO BE SINGLE (Cómo ser soltera), al lado de Dakota Johnson, para Warner Bros., GRIMSBY (Espía por error), de Sacha Baron Cohen, junto a Penélope Cruz y Mark Strong, e hizo una breve aparición en ABSOLUTELY FABULOUS: THE MOVIE (Absolutamente fabulosas), escrita por Jennifer Saunders. En el 2013, actuó al lado de Ben Stiller, Robin Williams, Owen Wilson y Ricky Gervais en la tercera parte de la serie NIGHT AT THE MUSEUM, SECRET OF THE TOMB (Una noche en el museo 3: El secreto de la tumba), de Shawn Levy.

Wilson hizo su debut cinematográfico en los Estados Unidos en la comedia BRIDESMAIDS (Damas en guerra), de Paul Feig, al lado de Kirsten Wiig, con un papel que robó miradas. La película, producida por Judd Apatow, fue nombrada una de las diez mejores películas del 2011 por el AFI, y recibió un Premio Critics' Choice Movie a "Mejor Comedia".

Los otros créditos cinematográficos de Wilson incluyen PAIN & GAIN (Sangre, sudor y gloria), de Michael Bay, con Mark Wahlberg y Dwayne Johnson; STRUCK BY LIGHTING; WHAT TO EXPECT WHEN YOU'RE EXPECTING (Qué esperar cuando se está esperando); BACHELORETTE (Despedida de soltera), y la película animada ICE AGE: CONTINENTAL DRIFT (La era de hielo 4), que recabó más de $877 millones de dólares en todo el mundo.

Fuera de la pantalla, el amor de Wilson por la moda la inspiró a lanzar Rebel Wilson X Angels, una línea de ropa de tallas grandes, diseñada para celebrar la figura y no esconderla. La colección epónima de estilo de vida contemporáneo incluye una variedad de chamarras, vestidos, pantalones, camisas y zapatos inspirados en la actitud audaz y estética de última moda de Wilson.

Wilson cuenta con un doble título en leyes y artes (BA/LLB) de la Universidad de New South Wales, y se preparó como actriz en el Australian Theatre for Young People. Su comienzo en el entretenimiento se dio escribiendo y actuando en escenarios de Sídney y en la querida serie cómica de culto australiana PIZZA. Wilson escribió y protagonizó dos series de televisión más, THE WEDGE y BOGAN PRIDE, antes de haberse mudado a los Estados Unidos. Desde hace mucho tiempo, Wilson es benefactora de la escuela de St. Jude en Tanzania, que lucha contra la pobreza a través de la educación.

STEPHEN MERCHANT (Deertz)

STEPHEN MERCHANT es un actor, comediante, escritor, director y productor ganador del Emmy, BAFTA y Globo de Oro, y uno de los talentos más versátiles en el cine y la televisión. Escribió y dirigió recientemente FIGHTING WITH MY FAMILY, una película que coprodujo con Dwayne Johnson, basada en la verdadera historia de Paige, superestrella del WWE, y su familia de luchadores profesionales, para MGM/Film 4.

Merchant también puede ser visto en el thriller criminal THE GIRL IN THE SPIDER'S WEB (La chica en la telaraña), donde apareció al lado de Claire Foy. En la actualidad, se encuentra rodando THE BARKING MURDERS, donde interpreta a Stephen Port, el infame asesino en serie de Grindr.

En el 2017, Merchant fue muy elogiado por su papel como el mutante "Caliban" en el éxito taquillero internacional LOGAN, al lado de Hugh Jackman como "Wolverine". Previo a ello, fue estrella, cocreador, coescritor y director de HELLO LADIES, una comedia basada en su rutina de stand-up del mismo nombre, para HBO. La serie terminó con un especial de una hora, que se transmitió por HBO en noviembre de 2014, y recibió dos nominaciones en la edición 67 de los Premios Primetime Emmy.

Merchant saltó por primera vez a la fama como cocreador (junto con Ricky Gervais) de THE OFFICE y EXTRAS, para la BBC, ambas elogiadas por la crítica, que las llevó a recibir una serie de premios de comedia, incluyendo tres Premios BAFTA, dos Premios British Comedy, dos Globos de Oro, un Premio Primetime Emmy y un Premio Peabody. Además, Merchant recibió un Premio British Comedy a Mejor Actor Cómico en Televisión por EXTRAS, y, en el 2004, aceptó el Premio del Writers' Guild of Great Britain, junto con Gervais.

Merchant también fungió como productor ejecutivo de la perdurable adaptación estadounidense de THE OFFICE, que recibió cinco Premio Primetime Emmy y 42 nominaciones durante su corrida por NBC.

Él y Gervais aparecieron al lado de Karl Pilkington en AN IDIOT ABROAD, una muy exitosa serie documental de viajes, que Merchant también coprodujo. Merchant y Gervais también aparecieron en LIFE'S TOO SHORT, un pseudodocumental cómico que ambos coescribieron y dirigieron, para la BBC/HBO, y en el 2010, los dos dirigieron su primer largometraje, una comedia titulada CEMETERY JUNCTION, que se desarrolla en la década de los '70. Los créditos cinematográficos adicionales y apariciones breves de Merchant incluyen TABLE 19 (Mesa 19), I GIVE IT A YEAR (Les doy un año), HALL PASS(Pase libre), TOOTH FAIRY(Hada por accidente), RUN FATBOY RUN y HOT FUZZ (Hot Fuzz: Súper policías). Merchant continúa fungiendo como productor ejecutivo de la exitosa serie nominada al Emmy LIP SYNC BATTLE, para la cadena Paramount, y de la comedia surrealista DREAM CORP, LLC, para Adult Swim.

En 1997, Merchant comenzó su carrera como comediante de stand-up, y poco tiempo después se volvió uno de los conductores del programa "The Ricky Gervais Show", para la XFM de Londres. En el 2005, el programa fue reformateado como un podcast semanal, que a la postre estaría clasificado de manera constante en primer lugar en el mundo, además de haber sido certificado como el más descargado de todos los tiempos por el Guinness Book of World Records. El programa fue más tarde adaptado a una versión animada homónima para HBO y Channel 4.

Además de su trabajo en pantalla, Merchant continúa viajando por todo el mundo como comediante de stand-up. Estuvo de gira por los EE UU, Reino Unido, Australia y Nueva Zelanda, con su espectáculo de stand-up, "Stephen Merchant Live: Hello Ladies".

En la actualidad, divide su tiempo entre Los Ángeles y Londres.

ALFIE ALLEN (Finkel)

El actor británico Alfie Allen ha recibido reconocimiento internacional por ser uno de los actores jóvenes más versátiles que trabajan en la actualidad. Alfie terminó recientemente de rodar HOW TO BUILD A GIRL, de Coky Giedroyc, donde interpreta a un cantante y héroe de la clase trabajadora, quien cautiva al personaje de Beanie Feldstein; la serie HARLOTS, para HULU; y WHITE HOUSE FARM MURDERS, basada en la historia verdadera de Jeremy Bamber, un joven que fue encarcelado por haber matado a cinco miembros de su familia, para ITV.

Alfie fue visto más recientemente en la muy esperada octava temporada, y última, de la multipremiada serie de televisión dramática y de fantasía GAME OF THRONES (Juego de tronos). Alfie interpretó a 'Theon Greyjoy', personaje presentado en el primer episodio de la serie en el 2011.

Créditos cinematográficos pasados incluyen la nueva versión de Shane Black de THE PREDATOR (El depredador), para 20th Century Fox, JOHN WICK (Otro día para matar), de Chad Stahelski y David Leitch, donde interpretó a 'Losef', hijo de un infame mafioso ruso, y ATONEMENT (Expiación, deseo y pecado), de Joe Wright. Créditos televisivos pasados incluyen la serie dramática de seis partes CLOSE TO THE ENEMY, del director ganador del BAFTA Steven Poliakoff, para la BBC 2.

En teatro, Alfie sustituyó en el 2008 a Daniel Radcliffe en el papel protagónico de EQUUS en el Festival Teatral de Chichester, después del cual estuvo de gira con la producción por todo el Reino Unido, durante cuatro meses. En mayo de 2016, hizo su debut en el West End en la obra THE SPOILS, en los Trafalgar Studios. Alfie interpretó al banquero neoyorquino 'Ted', junto a Jessie Eisenberg.

SAM ROCKWELL (Capitán Klenzendorf)

El ganador del Premio de la Academia® Sam Rockwell se ha establecido como uno de los actores más versátiles de su generación con una serie de papeles complejos y de gran agudeza emocional, que han definido su obra.

Rockwell ganó el Premio de la Academia®, el Premio del Screen Actors Guild (Sindicato de actores de cine), el Globo de Oro, el BAFTA, el Critics Choice y el Premio Independent Spirit a Mejor Actor Secundario por su actuación como el 'Oficial Dixon' en THREE BILLBOARDS OUTSIDE EBBING, MISSOURI (Tres anuncios por un crimen), al lado de Frances McDormand. El año pasado fue nominado para un Premio de la Academia®, un Globo de Oro y un Premio BAFTA por su interpretación como 'George W. Bush' en VICE (El vicepresidente: Más allá del poder), de Adam McKay, junto a Christian Bale y Amy Adams. El filme, una película biográfica de la vida del vicepresidente Dick Cheney, fue nominado para ocho Premios de la Academia, incluyendo Mejor Película.

Más recientemente, Rockwell fue visto en el papel de 'Bob Fosse' en FOSSE/VERDON, al lado de Michelle Williams, para FX. La serie limitada, que abarca cinco décadas, explora la singular sociedad romántica y creativa entre Bob Fosse y Gwen Verdon, quienes, juntos, cambiaron el rostro del entretenimiento estadounidense.

En la actualidad, Rockwell se encuentra en la producción de THE BALLAD OF RICHARD JEWELL, de Clint Eastwood, al lado de Jon Hamm, Olivia Wilde, Kathy Bates y Paul Walter Hauser. Basada en una historia verdadera, el proyecto de Warner Bros. sigue al guardia de seguridad que le da nombre al título durante los Juegos Olímpicos de Verano de 1996, quien descubrió las bombas caseras y ayudó a despejar el área, antes de haberse convertido en el principal sospechoso.

Más tarde este año prestará su voz a las películas animadas: TROLLS WORLD TOUR, a estrenarse en el 2020, THE ONE AND ONLY IVAN y THE ADVENTURES OF DRUNKY.

Rockwell es conocido por sus interpretaciones sobresalientes en una variedad de películas notables, incluyendo CONFESSIONS OF A DANGEROUS MIND (confesiones de una mente peligrosa), de George Clooney, que lo llevó a obtener el Oso de Plata a Mejor Actor en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en el 2003; MATCHSTICK MEN (Los tramposos), de Ridley Scott; y SEVEN PSYCHOPATHS (Siete psicópatas), junto a Woody Harrelson, Colin Farrell y Christopher Walken, que le valió una nominación al Premio Film Independent Spirit a Mejor Actor Secundario, en el 2013. A ésta, le siguió una nominación en el 2014 por parte del Critics' Choice a Mejor Actor por su conmovedora interpretación en la comedia THE WAY, WAY BACK (Desde muy muy atrás), de Nat Faxon y Jim Rash.

Rockwell también ha aparecido en diversas películas aclamadas, incluyendo la película nominada al Premio de la Academia FROST/NIXON (Frost/Nixon: La entrevista del escándalo), de Ron Howard, al lado de Frank Langella y Michael Sheen; THE ASSASSINATION OF JESSE JAMES BY THE COWARD ROBERT FORD (El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford), de Andrew Dominik, junto a Brad Pitt y Casey Affleck; MOON, de Duncan Jones; así como el drama nominado al Premio de la Academia THE GREEN MILE (Milagros inesperados), de Frank Darabont, al lado de Tom Hanks.

Créditos recientes incluyen THE BEST OF ENEMIES, de Robin Bissell, junto a Taraji P. Henson; el drama del siglo XIX WOMAN WALKS AHEAD, de Susanna White, al lado de Jessica Chastain; la nueva versión de Gil Kenan del clásico de terror de 1982 POLTERGEIST (Poltergeist: Juegos diabólicos), junto a Rosemarie DeWitt; DIGGING FOR FIRE (Reencontrando el amor), de Joe Swanberg, al lado de Jake Johnson y Rosemarie DeWitt; y LAGGIES, de Lynn Shelton, junto a Keira Knightley. Además, apareció en varias películas de estudio revolucionarias, incluyendo IRON MAN 2, de Jon Favreau; la dinámica adaptación cinematográfica de la serie de televisión de la década de los '70 CHARLIE'S ANGELS (Los ángeles de Charlie); y el éxito taquillero TEENAGE MUTANT NINJA TURTLES (Las tortugas ninja), de Steve Barron.

Otros créditos cinematográficos notables incluyen COWBOYS & ALIENS, de Jon Favreau, al lado de Harrison Ford y Daniel Craig; CONVICTION, de Tony Goldwyn, junto a Hillary Swank; EVERYBODY'S FINE (Todos están bien), de Kirk Jones, junto a Robert De Niro y Drew Barrymore; HITCHIKER'S GUIDE TO THE GALAXY (Guía del viajero intergaláctico), de Garth Jennings; la comedia de aventuras WELCOME TO COLLINWOOD (Bienvenidos a Collinwood), de los hermanos Russo, al lado de William H. Macy; HEIST, de David Mamet, junto a Gene Hackman y Danny DeVito; GALAXY QUEST (Héroes fuera de órbita), de Dean Parisot, al lado de Tim Allen, Sigourney Weaver y Alan Rickman; A MIDSUMMER NIGHT'S DREAM (El sueño de una noche de verano), de Michael Hoffman, junto a Kevin Kline y Michelle Pfeiffer; CELEBRITY, de Woody Allen; LAWN DOGS (Inocencia rebelde), de John Duigan, al lado de Mischa Barton; y su debut cinematográfico en la película de terror CLOWNHOUSE, de Victor Salva.

No sólo Rockwell es una estrella en pantalla, ya que se ha adueñado del escenario en una serie de producciones teatrales, incluyendo su más reciente interpretación en la obra de Broadway FOOL FOR LOVE, original de Sam Shepherd, al lado de Nina Arianda. Créditos en escena adicionales incluyen la aclamada producción de Broadway de A BEHANDING IN SPOKANE, original de Martin McDonagh, al lado de Christopher Walken; el estreno mundial de THE LAST DAYS OF JUDAS ISCARIOT, original de Stephen Adly Guirgis, dirigida por Philip Seymour Hoffman; y la producción fuera-de-Broadway de la feroz comedia GOOSE-PIMPLES, de Mike Leigh. Su amor por el teatro se inició cuando estaba actuando en múltiples producciones del Festival Teatral de Williamstown, incluyendo A STREETCAR NAMED DESIRE (Un tranvía llamado deseo), dirigida por David Cromer, THE DUMB WAITER, dirigida por Joe Mantello, y el reestreno del éxito taquillero fuera-de-Broadway HOT L BALTIMORE, original de Lanford Wilson.

SCARLETT JOHANSSON (Rosie)

Ganadora del Tony y BAFTA, y nominada en cuatro ocasiones al Globo de Oro, Scarlett Johansson fue vista más recientemente en la última parte de la serie cinematográfica Avengers, AVENGERS: ENDGAME, donde repitió su papel de 'Natasha Romanoff/Black Widow'. Después, estelariza una película de Black Widow aún sin título que se encuentra actualmente en producción. Este otoño, podrás verla en MARRIAGE STORY, dirigida por Noah Baumbach, al lado de Laura Dern y Adam Driver. Otros papeles recientes incluyen las películas AVENGERS: INFINITY WAR, LUCY, UNDER THE SKIN (Bajo la piel), GHOST IN THE SHELL (Ghost in the Shell: Vigilante del futuro), ISLE OF DOGS (Isla de perros) y HER (Ella), que le valió el premio a Mejor Actriz en el Festival de Cine de Roma.

Johansson recibió críticas entusiastas y un Premio Upstream a Mejor Actriz en la sección Contracorriente del Festival de Cine de Venecia, por su papel protagónico al lado de Bill Murray en LOST IN TRANSLATION (Perdidos en Tokio), la aclamada segunda película de la directora Sofia Coppola. También ganó un Tony por su debut en Broadway en la obra de Arthur Miller "A View from a Bridge", junto a Liev Schreiber. En el 2013, terminó su segunda corrida en Broadway en el papel de 'Maggie' en "Cat on a Hot Tin Roof" (La gata sobre el tejado caliente).

A los doce años, Johansson recibió reconocimiento mundial por su actuación como Grace Maclean, la jovencita traumatizada por un accidente a caballo en THE HORSE WHISPERER (El señor de los caballos), de Robert Redford. A la postre, estelarizaría GHOST WORLD (Mundo fantasma), de Terry Zwigoff, que la llevó a recibir el premio a Mejor Actriz Secundaria por parte del Toronto Film Critics Circle (Círculo de críticos de cine de Toronto). El papel que la puso en un primer plano se dio cuando tenía diez años en la aclamada MANNY & LO, que le valió una nominación al Premio Independent Spirit a Mejor Actriz Protagónica.

Sus otros créditos cinematográficos incluyen: HAIL, CAESAR! (¡Salve, César!), THE JUNGLE BOOK (El libro de la selva), SING (Sing: ¡Ven y canta!), CHEF (Chef a domicilio), THE AVENGERS, DON JON (Un atrevido don Juan), HITCHCOCK (Hitchcock, El maestro del suspenso), WE BOUGHT A ZOO (Un zoológico en casa), IRON MAN 2, IN GOOD COMPANY (Algo más que un jefe), A LOVE SONG FOR BOBBY LONG (Secretos del pasado), MATCH POINT (La provocación), HE'S JUST NOT THAT INTO YOU (A él no le gustas tanto), VICKY CRISTINA BARCELONA, THE OTHER BOLEYN GIRL (La otra reina), THE SPIRIT (El espíritu), GIRL WITH A PEARL EARRING (La joven con el arete de perla), THE ISLAND (La isla), THE BLACK DAHLIA (La Dalia negra), THE PRESTIGE (El gran truco), THE NANNY DIARIES (Una niñera en apuros), NORTH, JUST CAUSE (Causa justa) y THE MAN WHO WASN'T THERE (El hombre que nunca estuvo).

Oriunda de Nueva York, Johansson hizo su debut profesional en la actuación cuando tenía ocho años en la producción fuera-de-Broadway de "Sophistry", con Ethan Hawke, en el Playwright's Horizons, de Nueva York.

BIOGRAFÍAS DE LOS REALIZADORES

TAIKIA WAITITI (Director, Producer, Guion de) Ver la sección previa de "Biografías de reparto".

CARTHEW NEAL, p.g.a. (Productor) es un apreciado productor de cine, televisión y entretenimiento interactivo, quien, junto con Taika Waititi, fundó Piki Films, una compañía de producción comprometida a contar historias únicas y creativas. En la actualidad, se encuentra en la producción de la comedia BABY DONE, protagonizada por Rose Matafeo y Matthew Lewis. Los créditos de Neal como productor de cine y televisión abarcan proyectos de ficción y documental, entre los que se encuentran THE BREAKER UPPERERS, que se presentó en SXSW, HUNT FOR THE WILDERPEOPLE, en Sundance, el documental TICKLED, también en Sundance, PETE'S DRAGON (Mi amigo el dragón), para Disney, así como la serie de televisión DARK TOURIST, para Netflix, AROHA BRIDGE, para Maori Television, y SUPER CITY AND WASTED, para Three. Su trabajo en el entretenimiento creativo incluye FAFSWAG VOGUE y el documental I SPY.

CHELSEA WINSTANLEY (Productora) es una premiada productora, escritora y directora. En el 2014, produjo el exitoso falso documental WHAT WE DO IN THE SHADOWS, dirigido por Taika Waititi y Jemaine Clement, ahora una serie de televisión en FX. A principios de su carrera como productora, tuvo dos cortometrajes que se estrenaron en competencia en Cannes. Este año produjo el aclamado documental MERATA; HOW MUM DECOLONISED THE SCREEN, que tuvo una corrida exitosa en Sundance y la Berlinale, antes de haber sido adquirido por la compañía Array Now, de Ava DuVernay. Como directora, comenzó a hacer documentales, que la llevaron a ganar el premio Media Peace con su película de graduación WHAKANGAHAU. Es una de nueve mujeres que hicieron la película de antología WARU, que ganó el premio a mejor película en el LAAPFF, en el 2018. Acaba de terminar su primer proyecto en los Estados Unidos, un cortometraje titulado FORGIVE ME. Chelsea pertenece a las tribus indígenas Ngati Ranginui y Ngai Te Rangi de Aotearoa Nueva Zelanda, por el lado de su madre, y de descendencia Pakeha por parte de su padre.

CHRISTINE LEUNENS es autora de tres novelas traducidas a más de veinte idiomas. Caging Skies, un best seller internacional se vendió en veintidós países, y quedó entre las finalistas en Francia para el prestigioso Prix Médicis étranger y el Prix du roman Fnac. Nacida en Hartford, Connecticut, ha pasado gran parte de su vida en Europa y ahora vive en Nueva Zelanda. Cuenta con una maestría en artes liberales en literatura y lengua estadounidense e inglesa de la Universidad de Harvard. Un ex modelo, Leunens fue el rostro de Givenchy, Paco Rabanne, Nina Ricci y otras.

MIHAI MALAIMARE JR. (Director de Fotografía), oriundo de Rumania, comenzó su carrera cinematográfica después de haber estudiado en la prestigiosa Universidad Nacional de Cine y Teatro de Bucarest. Malaimare fotografió un puñado de premiados cortometrajes y largometrajes en Rumania, antes de haber hecho una audición para el escritor/ganador del Premio de la Academia Francis Ford Coppola para fotografiar su película YOUTH WITHOUT YOUTH. Después de haber asegurado el codiciado puesto de cinefotógrafo para YOUTH WITHOUT YOUTH a los 29 años, Malaimare recibiría una nominación al Premio Independent Spirit a Mejor Fotografía por su trabajo en el drama de época.

Desde entonces, Malaimare ha fotografiado dos películas más con Coppola: el drama TETRO, protagonizado por Alden Ehrenreich, y la película de género surrealista TWIXT. El perfil boyante de Malaimare y sus evocadores primeros trabajos fueron reconocidos por Variety cuando fue incluido en su prestigiosa lista "10 Cinefotógrafos a seguir", en el 2007. El siguiente proyecto de largometraje de Malaimare fue THE MASTER (The Master: Todo hombre necesita un guía), de Paul Thomas Anderson, que recibió cinco premios a Mejor Fotografía, incluido uno otorgado por la distinguida National Society of Film Critics (Sociedad nacional de críticos de cine). Los otros créditos cinematográficos de Malaimare incluyen A WALK AMONG THE TOMBSTONES (Un paseo por las tumbas), con el escritor/director Scott Frank, NOVEMBER CRIMINALS (Los criminales de noviembre), dirigida por Sacha Gervasi, y SLEEPLESS (Noche de venganza), dirigida por Baran bo Odar. La película más reciente de Malaimare es THE HATE U GIVE (El odio que das), dirigida por George Tillman, Jr. THE HATE U GIVE obtuvo más de veinte premios y es considerada una de las películas más aclamadas del 2018.

Malaimare fotografió recientemente el programa piloto de la serie dramática venidera FOR LIFE, también dirigido por George Tillman, Jr., para ABC. Es muy prolífico en el mundo de los comerciales, que lo ha llevado a fotografiar numerosos comerciales premiados para clientes tales como Apple, Samsung, Nike, Sony, Hulu y Toyota. Su trabajo comercial también cuenta con una amplia variedad de luminarias, desde los atletas de clase mundial Blake Griffin, Lionel Messi y LeBron James, hasta las premiadas estrellas de cine Jon Hamm, Jamie Foxx y Spike Lee, así como los músicos distinguidos Taylor Swift, Adam Levine, Drake, Nikki Minaj y Sean Combs.

Malaimare es un ávido fotógrafo de foto fija, una pasión que tiene desde que era niño.

RA VINCENT (Diseñador de Producción) es un diseñador de producción y decorador de sets que vive en Nueva Zelanda y trabaja por todo el mundo. Nominado en el 2013 para un Oscar como decorador de sets por su trabajo en THE HOBBIT: AN UNEXPECTED JOURNEY, el trabajo de Ra ha sido agregado a la librería de la Academia.

Con sus diversas habilidades, Ra se involucra en muchos aspectos del proceso de diseño, desde crear arte conceptual a la administración del proyecto, y el diseño y decorado de sets. Ha dirigido proyectos y conjuntado equipo de departamentos de arte locales en Londres, París, Los Ángeles, Toronto, Berlín, Hong Kong y a lo largo de Australia y Nueva Zelanda. Con un historial sólido en escultura y pintura, Ra ha trabajado en el pasado como administrador de proyectos, supervisor de esculturas, artista escénico, diseñador de producción y director de arte.

La prolongada asociación de TOM EAGLES (Editor) con Taika Waititi incluye HUNT FOR THE WILDERPEOPLE, que se estrenó en Sundance y rompió récords en taquilla. Se convirtió en la película de Nueva Zelanda más taquillera de todos los tiempos y fue nombrada una de las mejores películas del año por la revista Empire, en el 2016. Él y Waititi también colaboraron en el aclamado falso documental de vampirosWHAT WE DO IN THE SHADOWS, con elcodirector Jemaine Clement (FLIGHT OF THE CONCORDS). La película se convirtió rápidamente en un clásico de culto, que generó no una, sino dos series derivadas para la televisión: WHAT WE DO IN THE SHADOWSy WELLINGTON PARANORMAL, para FX, en las que Tom contribuyó.

El diverso trabajo de Tom incluye promocionales, tráileres y televisión, entre los que se encuentran SPARTACUS, para Starz, y la nueva versión de Sam Raimi de una de las películas favoritas de los aficionados, ASH VS. EVIL DEAD. También ha editado muchos comerciales (incluyendo ganadores en Cannes y Axis), para directores tales como Taika Waititi, Michael Gracey y Patrick Hughes, entre otros notables realizadores.

Créditos cinematográficos adicionales abarcan películas que se han ganado a audiencias en festivales de todo el mundo, tales como THE INLAND ROAD(Berlín), de Jackie van Beek, THE BREAKER UPPERERS(SXSW), para Netflix, y DO NO HARM(Sundance), de Roseanne Liang.

En la actualidad está trabajando en SHADOW IN THE CLOUD, la segunda película de Liang, protagonizada por Chloë Grace Moretz.

MICHAEL GIACCHINO (Compositor) tiene créditos que cuentan con algunos de los proyectos cinematográficos más populares y aclamados en la historia reciente del cine, incluyendo THE INCREDIBLES (Los increíbles), WAR FOR THE PLANET OF THE APES (El planeta de los simios: La guerra), RATATOUILLE, STAR TREK, JURASSIC WORLD (Mundo jurásico), ROGUE ONE: A STAR WARS STORY y COCO. En el 2009, la banda sonora de Giacchino para el éxito de Pixar UP (Up, Una aventura de altura) le valió un Oscar®, un Globo de Oro®, el BAFTA, el Premio Broadcast Film Critics' Choice y dos Premios Grammy®.

Giacchino estudió realización cinematográfica en la Escuela de Artes Visuales de la ciudad de Nueva York. Después de la universidad, consiguió un trabajo de marketing en Disney y comenzó sus estudios en composición musical, primero en Juilliard, y después en la UCLA. Del departamento de marketing pasó a ser productor en la incipiente división interactiva de Disney, donde tuvo la oportunidad de componer música para videojuegos.

Después de haber hecho la transición a DreamWorks Interactive, le pidieron componer una pista temporal para la adaptación del videojuego THE LOST WORLD: JURASSIC PARK. A la postre, Steven Spielberg lo contrató como compositor y se convirtió en el primer juego de PlayStation en tener una banda sonora orquestal en directo, que grabó con la Sinfonía de Seattle. A la postre, Giacchino compuso la música para numerosos videojuegos, incluyendo la serie MEDAL OF HONOR, de Spielberg.

El trabajo de Giacchino en videojuegos llamó la atención de J.J. Abrams, que dio pie a su ya prolongada relación, y que lo llevaría a componer la banda sonora para las exitosas series de televisión ALIAS y LOST; así como para los largometrajes MISSION IMPOSSIBLE III(Misión imposible 3), STAR TREK, SUPER 8 y STAR TREK INTO DARKNESS (Star Trek: En la oscuridad).

Proyectos adicionales incluyen colaboraciones musicales con Disney Imagineering para sus atracciones 'Space Mountain', 'Star Tours' (con John Williams), el viaje de 'Ratatouille' en Disneyland Paris y el 'Incredicoaster' en Pixar Pier de California Adventure. Giacchino fue director musical de la edición 81ª de los Premios de la Academia®. Su música puede ser escuchada en salas de concierto de todo el mundo, toda vez que las películas STAR TREK, STAR TREK INTO DARKNESS, STAR TREK BEYOND, RATATOUILLE y JURASSIC WORLD se han exhibido con una orquesta completa tocando en directo. En junio de 2018, Giacchino estrenó su primer trabajo para una orquesta sinfónica, Voyage. Comisionada por la National Symphony Orchestra y la Cincinnati Pops Orchestra, la pieza celebra el 60º aniversario de la fundación de la NASA.

El proyecto más reciente de Giacchino fue SPIDER-MAN: FAR FROM HOME (Spider Man: Lejos de casa). funge como director de la rama musical de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences y forma parte del concejo consultivo de Education Through Music Los Angeles.

MAYES C. RUBEO (Diseñadora de Vestuario) es conocida por su trabajo en APOCALYPTO (2006), AVATAR (2009), THOR: RAGNAROK (2017), THE GREAT WALL (La gran muralla) (2016), WARCRAFT: THE BEGINNING (Warcraft: el primer encuentro de dos mundos) (2016), WORLD WAR Z (Guerra mundial Z) (2013) y JOHN CARTER (2012). Nació en la Ciudad de México y a la postre estudió moda y vestuario en la Los Angeles Trade-Tech College (LATTC) y en la UCLA. En una carrera de diseño que abarca dos décadas, ha colaborado con directores visionarios tales como Mel Gibson y Zhang Yimou, con estudios importantes como Legendary y Marvel, y con estrellas de la pantalla, incluyendo Cate Blanchett, Ruth Negga, Brad Pitt y Andy Lau. Sus primeras colaboraciones sentaron las bases para una carrera que ha exigido una gran versatilidad: Mayes comenzó a trabajar como asistente de diseñadora de vestuario y supervisora de vestuario, donde obtuvo experiencia con los diseñadores Shay Cunliffe, Erica Edell Phillips, Ellen Mirojnick y Enrico Sabbatini, siendo este último quien se convertiría en el mentor de su carrera.

Después de asistir a Shay Cunliffe en LONE STAR (Estrella solitaria) (1996), Mayes continuó trabajando con el mismo equipo de director/productora, John Sayles y Maggie Renzi, respectivamente, para quienes diseñó el guardarropa para MEN WITH GUNS (Hombres armados) (1997), SUNSHINE STATE (La tierra prometida) (2002) y CASA DE LOS BABYS (2003). Para la película de Hallmark SAGA FIDEL (2002), Mayes se enfrentó al reto de hacer el vestuario para contar una historia que abarcaba siete décadas. Pero fue la colaboración de Mayes con Mel Gibson en APOCALYPTO (2006) donde se encargó de mostrar una imagen poderosa de la civilización maya perdida, que la puso en el camino para crear la apariencia de lo místico a una escala épica. Desde entonces, se ha dado a conocer por crear las identidades visuales de la gente "Na'vi" en AVATAR (2009), de James Cameron, darle vida a la visión de Edgar Rice Burroughs de un Marte civilizado en cien años en JOHN CARTER (2012), de Andrew Stanton, y por llevar a la pantalla algunos de los videojuegos y personajes de cómics más populares del mundo con WARCRAFT (2016), de Duncan Jones, y THOR: RAGNAROK (2017), de Taika Waititi. Mayes puso sus energías de vuelta al realismo crudo en WORLD WAR Z (2013), de Marc Forster, al haber vestido a miles de personas (vivas y muertos vivientes) a escala global.

Mayes continúa llevando sus atuendos a nuevos territorios, al convertir retos tecnológicos y técnicos en oportunidades creativas. Su pasión y espíritu de colaboración le han permitido liderar de manera exitosa diversos equipos a lo largo de cinco continentes, al mezclar habilidades artesanales tradicionales con tecnología de punta.

El trabajo de Mayes ha aparecido en exhibiciones internacionales, incluyendo la exhibición Hollywood Costume (2012) en el Victoria & Albert Museum (V&A), en Londres, cuya curadora fue Deborah Nadoolman Landis. Ha realizado 3 exhibiciones FIDM: 18th Annual Art of Motion Picture Costume Design por la película APOCALYPTO, 21st Annual Art of Motion Picture Costume Design por la película JOHN CARTER, 26th Annual Art of Motion Picture Costume Design por el filme THOR: RAGNAROK. Rubeo es miembro de la Academy of Motion Pictures Arts and Sciences (Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas), del Costume Designers Guild of America (Sindicato de diseñadores de vestuario de los Estados Unidos) y del Scenic Arts Guild (Sindicato de artes escénicas).

DANNELLE SATHERLEY (Diseñadora de maquillaje y peinados) es una diseñadora de maquillaje y peinados nacida en Nueva Zelanda. Sus colaboraciones con Taika Waititi comenzaron con BOY, una de las películas favoritas de Sundance,que se sitúa en la Nueva Zelanda rural de la década de los '80. Después diseñó el falso documental de vampiros WHAT WE DO IN THE SHADOWS(Berlín, TIFF) para Waititi y el codirector Jemaine Clement, así como HUNT FOR THE WILDERPEOPLE (Sundance), mejor película del 2016 para la revista Empire,

Entre sus otros largometrajes están el western artístico SLOW WEST, de John Maclean, protagonizado por Michael Fassbender y Ben Mendelsohn, que ganó el gran premio del jurado en la sección World Cinema de Sundance, y DRIVEN (TIFF), de Nick Hamm, con Lee Pace y Jason Sudeikis en los papeles protagónicos. La carrera de Dannelle comenzó en Nueva Zelanda trabajando como artista en la trilogía del HOBBIT, de Peter Jackson, y diseñando a la postre una gran cantidad de películas y series locales, incluyendo una importante película biográfica que contaba la vida de Edmund Hillary, así como la adaptación de Alison MacLean del libro ganador del premio Booker THE REHEARSAL (TIFF), de la escritora Eleanor Catton.

Dannelle terminó recientemente de filmar la fantasía mutante postapocalíptica SWEET TOOTH, para Hulu.

La experiencia en efectos visuales de JASON CHEN (Efectos Visuales), quien comenzó su carrera en la industria del entretenimiento a los diecisiete años, comenzó en AVATAR trabajando para Weta Digital y Lightstorm Entertainment en una variedad de puestos que giraban en torno a la producción virtual y la integración de la acción en vivo. Al haber tenido un puesto en una película de tecnología tan revolucionaria, le permitió a Jason continuar trabajando con algunos de los mejores creativos de la industria (Jim Cameron, Peter Jackson, Stephen Spielberg, JJ Abrams, Marvel Studios).

Más recientemente, le encargaron hacer que los efectos visuales fueran un medio menos abrumador y más accesible para la nueva generación de creativos, que lo llevó a supervisar y especializarse en "Invisible VFX" (integrar materiales generados por computadora en locaciones reales del todo el mundo de una manera imperceptible).

Próximo a cumplir quince años en la industria, algunos de sus créditos incluyen: AVATAR, REAL STEEL (Gigantes de acero), STAR TREK INTO DARKNESS (Star Trek: En la oscuridad), THE AMAZING SPIDER-MAN 2 (El sorprendente hombre araña 2), ANT-MAN, STAR WARS: EPISODE VII (Star Wars: Episodio VII - El despertar de la fuerza), THOR: RAGNORAK, BUMBLEBEE, la séptima temporada de VEEP, la décima temporada de CURB YOUR ENTHUSIASM y, más recientemente, THOSE WHO WISH ME DEAD.

DES HAMILTON (Director de Casting ). Des Hamilton Casting (Londres) fue fundada en el 2001, y su primer proyecto fue MORVERN CALLAR, de Lynne Ramsay. El cometido fue combinar actores profesionales con personas de la calle para el ensamble. Como todo mundo sabe, Des encontró a Kathleen McDermott en el centro de la ciudad de Glasgow. Kathleen, quien nunca había actuado previamente, a la postre estelarizó el filme junto a Samantha Morton y ganó un BAFTA a mejor actriz nueva. Des ha continuado -con gran éxito- ensamblando repartos a través de canales tradicionales (agentes/representantes de talento y gente de la calle), de manera más notable con el casting de Thomas Turgoose para THIS IS ENGLAND y de Tom Sweet para THE CHILDHOOD OF A LEADER (La infancia de un líder).

Otros Proyectos incluyen TOP BOY y WAR MACHINE, ambas para Netflix, y otros filmes, tales como BRONSON, FOUR LIONS, THE HOUSE THAT JACK BUILT (La casa de Jack), TYRANNOSAUR (Redención), ENTER THE VOID y ANTHROPOID (Operación Anthropoid), que lo han llevado a involucrarse con un amplio rango de directores, como Claire Denis, David Michôd, Shane Meadows, Nia DaCosta, Nicolas Winding Refn, Susanna White, Gaspar Noe, David Mackenzie, Lone Scherfig, Leos Carax y Lars von Trier.

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