El bazar de las sorpresas II parte: Programacion completa desde el 07/07/11 Malba Cine

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EL BAZAR DE LAS SORPRESAS II PARTE

edición especial en 35mm.

Durante Julio llega a malba.cine el ciclo El bazar de las sorpresas II parte programado especialmente por el crítico Jorge García. El mismo se propone como un espacio de reivindicación del formato tradicional del cine, 35mm., ante el inminente avance del dvd y nuevos formatos. Así, como en un bazar, el ciclo reúne títulos diversos en géneros y estilos tanto argentinos como italianos, franceses y españoles que, además del formato ,tienen en común que hace tiempo no se los ve en la pantalla grande.

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EL BAZAR DE LAS SORPRESAS II PARTE

Entrada general: $18.- Estudiantes y jubilados: $9.-

Malba - Fundación Costantini | Avda. Figueroa Alcorta 3415 | C1425CLA | BA, Argentina
T +54 (11) 4808 6500 | F +54 (11) 4808 6598/99 | www.malba.org.ar

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Uno de los motivos mayores de sufrimiento para los cinéfilos es el progresivo aumento de los estrenos de películas en formato DVD. Lo que en sus comienzos apareció como un hecho más o menos fortuito, aplicado a muy determinadas películas, se fue progresivamente expandiendo hasta llegar a la situación actual en la que decenas de films -algunos de ellos de los más interesantes de la muy pobre cartelera de estrenos- llegan a la pantalla en el formato antes señalado. A esto hay que agregarle que la mayoría de las salas utilizadas para las exhibiciones carecen de equipos adecuados, por lo que las proyecciones se convierten, en muchos casos, en una auténtica tortura para los espectadores.

Entre los lugares que no renuncian a presentar sus películas en fílmico se encuentra desde siempre malba.cine, cuya programación propone -aparte de excelentes ciclos de revisión y del estreno de películas del actual cine argentino- que las obras se exhiban en su condición original. Ahora bien, el monstruoso catálogo que maneja con pericia Fernando Martín Peña está compuesto mayoritariamente por copias en 16 mm a las que se agregan varias en Súper 8. Sin embargo, en ese catálogo también hay espacio para una buena cantidad de films en 35 mm, por lo que, cuando Fernando me propuso por segunda vez hacerme cargo del ciclo mensual de malba.cine, se me ocurrió que podía ser una buena idea que estuviera integrada en su totalidad por copias en 35 mm en buenas condiciones, como una manera de reivindicar el formato tradicional de las películas que, por lo señalado anteriormente, se ve cada vez más menguado en nuestras pantallas. Desde luego que eso suponía dejar fuera una enorme cantidad de títulos que me hubiera gustado programar. Y también el hecho de que el cine americano clásico -mi indiscutible preferencia- tuviera escasa presencia en el lote hizo que la autolimitación que me impuse provocara que en la grilla abunden títulos argentinos, españoles, italianos y franceses. De cualquier modo, la gran mayoría son obras que hace mucho que no se ven, o bien no se proyectan con frecuencia, por lo que aquellos interesados en recuperar su visión en pantalla grande podrán hacerlo ahora.

Como ocurrió en la ocasión anterior en que programé el ciclo de malba.cine, reitero mi agradecimiento a Fernando por la total libertad que me concedió, y espero que aquellos que se acerquen puedan disfrutar de la selección propuesta.

Jorge García

Películas

Una noche en la ópera (A Night at the Opera, EUA-1935) de Sam Wood, c/Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Kitty Carlisle, Allan Jones, Walter Woolf King, Margaret Dumont. 92'.

La última gran obra de los Marx antes de que comenzaran a ser domesticados por los estudios. Y sí, hay que soportar los gorjeos de Allan Jones y una tonta historieta romántica. Pero Groucho sigue torturando a la inigualable gorda Margaret Dumont, hay varios momentos absolutamente delirantes y la escena del camarote al que cada vez entran más personas sigue siendo una de las cumbres del cine cómico.

La dama duende (Argentina-1945) de Luis Saslavsky, c/Delia Garcés, Enrique Álvarez Diosdado, Paquita Garzón, Manuel Collado, Antonia Herrero. 113'.

Ejemplo máximo del cine de qualité criollo, con Rafael Alberti y María Teresa León adaptando la obra clásica de Calderón de la Barca, en un gran esfuerzo de producción que fusiona el relato de época, el romance y las aventuras de capa y espada. El pulso narrativo de Saslavsky, su refinamiento visual y las formidables escenografías de Gori Muñoz compensan algunas debilidades de guión y cierta afectación general del relato. Un film espectacular en el que, además, Delia Garcés ofrece el mejor trabajo de su carrera.

El retrato de Jennie (Portrait of Jennie, EUA-1948) de William Dieterle, c/Jennifer Jones, Joseph Cotten, Ethel Barrymore, Lillian Gish, Cecil Kellaway. 83'.

Dentro del cine clásico norteamericano, no hay demasiados exponentes del género fantástico, por lo que este notable film es una auténtica rareza y una obra maestra del género. La película se centra en la extraña relación que se entabla entre un pintor en plena crisis creativa y una joven muchacha con vestimenta intemporal a la que encuentra en el Central Park y de la que presume que es el espíritu de otra joven muerta hace mucho tiempo. Un film de un exacerbado romanticismo y de una atmósfera marcadamente onírica (gentileza de la cámara de Joseph August).

El padre de la novia (Father of the Bride, EUA-1950) de Vincente Minnelli, c/Spencer Tracy, Elizabeth Taylor, Joan Bennett, Leo G. Carroll, Billie Burke. 93'.

Minnelli es sobre todo valorado por sus brillantes musicales y sus formidables melodramas antes que por sus comedias. Sin embargo, en este terreno logró varias obras notables, una de las cuales es ésta. El casamiento de la hija mayor de un matrimonio de clase media norteamericana le da al director la oportunidad para lanzar una lúcida mirada sobre ese sector social con sus inseguridades y temores. Spencer Tracy está genial como el atribulado padre, y el film tiene varias escenas memorables.

Mientras la ciudad duerme (The Asphalt Jungle, EUA-1950) de John Huston, c/Sterling Hayden, Sam Jaffe, Louis Calhern, Jean Hagen, James Whitmore, Marilyn Monroe. 112'.

Una de las mejores películas de John Huston y uno de sus trabajos más influyentes, esta historia acerca de un grupo de hombres que intenta el asalto a una joyería contiene todos los elementos característicos del cine del director. Con un reparto inmejorable, su galería de perdedores imposibilitados de llevar adelante sus sueños en cualquier terreno ofrece una amplia gama de atractivos caracteres. Un clásico del film noir en el que, además, Marilyn Monroe cumple uno de sus primeros roles importantes.

Sed de mal (Touch of Evil, EUA-1958) de Orson Welles, c/O. Welles, Charlton Heston, Janet Leigh, Akim Tamiroff, Dennis Weaver. 111'.

Será una discusión eterna entre los cinéfilos decidir cuál es la mejor película de Orson Welles, pero ésta juega con muchos boletos. Película fronteriza en todas las acepciones del término, es una suma de los temas predilectos del director (el poder, la corrupción, las ambigüedades de la ley), encuadrados dentro de una historia policial de pesadilla. Welles ofrece su más repugnante caracterización actoral, y el film cuenta con secuencias para la más exigente antología, como la inicial y la que transcurre dentro del departamento. Un must absoluto. En Argentina, se estrenó originalmente con el título Sombras del mal.

Il bell'Antonio (Italia-1960) de Mauro Bolognini, c/Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Pierre Brasseur, Rina Morelli. 101'.

Pese a que algunos críticos lo consideran una suerte de Visconti de bolsillo, Mauro Bolognini tiene unas cuantas películas que lo hacen exceder esa muy secundaria categoría. Una de ellas es esta adaptación de una novela de Victoriano Brancati, ambientada en Sicilia y centrada en un joven con fama de Don Juan pero sexualmente impotente, quien, al regresar a su pueblo, se casa con una rica heredera. El director deja de lado las alegorías políticas para centrarse en la odisea del protagonista, en un film intimista de un asordinado dramatismo.

Prisioneros de una noche (Argentina-1960) de David José Kohon, c/María Vaner, Alfredo Alcón, Osvaldo Terranova, Elena Tritek, Juan José Elman. 87'.

Para quien esto escribe, David José Kohon es, de los llamados realizadores de la generación del 60, el que mejor ha resistido el paso del tiempo. En su cine, se conjuga una cosmovisión bastante pesimista con una particular sensibilidad para aproximarse a los personajes. Estas características pueden apreciarse en esta película, su ópera prima, en la que se narra la circunstancial relación que entablan un peón y una bailarina en una Buenos Aires nocturna captada con particular agudeza.

Plácido (España-1961) de Luis García Berlanga, c/Cassen, José Luis López Vázquez, Elvira Quintillá, Manuel Alexandre. 85'.

El humor vitriólico del director, con la invalorable ayuda de su compadre Rafael Azcona, guionista de varias de sus películas, es el principal ingrediente de este ácido retrato social. Rodada en formidables planos secuencia, con un reparto extraordinario, la película es una corrosiva mirada sobre la sociedad franquista de esos años. Una obra maestra que, sorprendentemente, logró atravesar la férrea censura del régimen.

Mamma Roma (Italia-1962) de Pier Paolo Pasolini, c/Anna Magnani, Ettore Garofolo, Franco Citti, Silvana Corsini. 110'.

Si en Visconti se fusionaba sorprendentemente su origen aristocrático con su ideología marxista, en Pasolini esa misma ideología está teñida de un sentimiento fuertemente religioso. La protagonista del film (estupenda Anna Magnani) es una prostituta madura que trata de encontrar para ella y su hijo mejores condiciones de vida. La estupenda iluminación de Tonino Delli Colli le otorga una dimensión pictórica a cada uno de los encuadres, integrándolos adecuadamente al creciente dramatismo de la historia.

Raptus (L'orribile segreto de dottor Hichcock, Italia-1962) de Riccardo Freda, c/Robert Flemyng, Barbara Steele, Teresa Fitzgerald, Maria Teresa Vianello. 88'.

Freda es un director de culto para los amantes del cine de terror, que lo colocan en un lugar aproximado al de Mario Bava, aunque no dirigió muchas películas dentro del género (en este ciclo, se exhiben dos). Aquí, un médico (el doctor Hichcock, je, je) provoca la muerte de su mujer al suministrarle una sobredosis de un medicamento con el que experimenta. Al regresar a su casa años después, casado con otra mujer, lo reciben diversos fantasmas. Morbosa, necrófila, con un notable uso del color, la película es un clásico del terror gótico.

El espectro (Lo spettro, Italia-1963) de Riccardo Freda, c/Barbara Steele, Peter Baldwin, Elio Jotta, Harriet Medin. 97'.

Lo comentado sobre Raptus viene a cuento a propósito de este film, una suerte de secuela de aquél. Aquí, una mujer (Barbara Steele, diosa del género, con un papel más importante que en aquel film) asesina a su marido, quien luego reaparece como un fantasma que le hará la vida imposible. Gran uso del color y atmósferas necrófilas y recargadas en otro título esencial del terror gótico italiano.

Delirio de pasiones (Shock Corridor, EUA-1963) de Sam Fuller, c/Peter Breck, Constance Towers, Gene Evans, James Best, Hari Rhodes. 101'.

Posiblemente el director norteamericano clásico más propenso a ofrecer escenas revulsivas e inesperadas, Fuller se interna aquí en los territorios de la locura al narrar los intentos de un periodista por obtener el Premio Pulitzer investigando un asesinato ocurrido en un manicomio, con insospechados resultados. El deslumbrante trabajo de cámara e iluminación de Stanley Cortez trasmite con intensidad los difusos límites que separan la cordura de la demencia, en una de las obras claves de un director apasionante.

Los puños en los bolsillos (I pugni in tasca, Italia-1965) de Marco Bellocchio, c/ Lou Castel, Paola Pitagora, Marino Masé, Liliana Gerace, Stefania Troglio. 105'.

Con el paso de los años, y más allá de las irregularidades de su filmografía, Marco Bellocchio se ha consolidado como uno de los directores italianos más importantes de las últimas décadas. Su debut es una de las más furiosas diatribas que haya dado el cine de ese país contra las instituciones allí establecidas (familia, religión, etc.). A casi medio siglo de su realización, sigue manteniendo la misma virulencia que en el momento de su estreno. Una de las grandes óperas primas de todos los tiempos.

Cul-de-sac (Gran Bretaña-1966) de Roman Polanski, c/ Donald Pleasence, Francoise Dorléac, Lionel Stander, Jack MacGowran. 111'.

Esta película no está entre las más famosas de Polanski pero es, sin embargo, uno de sus mejores films. Con un tono bastante similar al de sus cortos, describe la extraña relación que se entabla entre una pareja (él, veterano y poco agraciado; ella, joven y muy bella) que vive en una isla desierta y un par de gángsters que llegan inesperadamente al lugar. Fusionando elementos del teatro del absurdo, la comedia (muy) negra y toques surrealistas, el director consigue un film en el que aparecen varios de sus temas predilectos.

La armada Brancaleone (L'armata Brancaleone, Italia-1966) de Mario Monicelli, c/Vittorio Gassman, Catherine Spaak, Folco Lulli, Gian Maria Volonte, Maria Grazia Buccella, Barbara Steele. 120'.

Con una prolífica carrera, notablemente despareja, Monicelli consiguió sin embargo varios picos importantes, sobre todo en el terreno de la comedia. Aquí, el realizador la emprende contra todos los clisés de los films épicos de Hollywood, centrándose en un grupo de frustrados caballeros y zaparrastrosos que parecen los personajes de Los desconocidos de siempre trasladados a la Edad Media. Un film de gran comicidad, que no excluye algunos momentos tiernos y/o dramáticos, y que ofrece una visión posiblemente realista de esa época.

Invasión (Argentina-1969) de Hugo Santiago, c/Lautaro Murúa, Olga Zubarry, Juan Carlos Paz, Roberto Villanueva, Martín Adjemián. 125'.

Seguramente, la mejor traslación de Borges (y Bioy Casares) al cine en un film no demasiado apreciado en su momento, pero que hoy se ha convertido en un clásico. Eludiendo cualquier proximidad con el realismo, el director ofrece una obra de tono marcadamente alegórico (y esto no es peyorativo), que está abierta a distintas interpretaciones. La iluminación y el minucioso trabajo de montaje le otorgan una dimensión nocturna y casi fantasmal. Para decirlo brevemente, una de las mejores películas argentinas de todos los tiempos.

El camino hacia la muerte del viejo Reales (Argentina-1971/73) de Gerardo Vallejo. Largometraje documental. 90'.

Por diferencia, la mejor película de Gerardo Vallejo, y uno de los grandes films testimoniales argentinos de los años 70. Con la participación de Pino Solanas y Octavio Getino en el guión, el director narra la odisea de una familia de campesinos azucareros en Tucumán recurriendo a elementos ficcionales y documentales. Con una narración rigurosa y precisa, y sin caer en las tentaciones del sentimentalismo, el director ofrece una descarnada visión de la vida cotidiana de sectores económicamente postergados.

Pasajeros profesionales (Boxcar Bertha, EUA-1972) de Martin Scorsese, c/Barbara Hershey, David Carradine, Barry Primus, Bernie Casey, John Carradine. 88'.

Un Scorsese temprano, ambientado en los años de la Depresión y basado en las memorias de Bertha Thompson, una joven granjera que se enamora de un ladrón de trenes. Un gran trabajo de Barbara Hershey en el protagónico, una excelente ambientación y la precisión para caracterizar las coordenadas político-sociales de la época. Menos ambicioso que muchos de trabajos posteriores de Scorsese, este film está entre los más interesantes de su filmografía.

Hermanas diabólicas (Sisters, EUA-1973) de Brian De Palma, c/Margot Kidder, Jennifer Salt, Charles Durning, William Finley. 92'.

Perteneciente al período en el que el director no había aún caído en los amaneramientos que atosigan buena parte de su obra posterior, este film está centrado en dos hermanas siamesas, una de las cuales es asesina. Si bien -como otros del director- abreva en las fuentes hitchcockianas, también muestra resabios del cine expresionista y tiene momentos de gran suspenso, escenas al borde del sadismo, una estupenda partitura de Bernard Herrmann y una Margot Kidder absolutamente genial.

La tregua (Argentina-1974) de Sergio Renán, c/Héctor Alterio, Luis Brandoni, Ana María Picchio, Marilina Ross, Aldo Barbero. 105'.

Seguramente uno de los grandes melodramas del cine nacional, esta adaptación de la novela de Mario Benedetti narra la relación entre un maduro viudo, con hijos grandes, que desarrolla una rutinaria labor en una oficina, y una joven compañera de trabajo. Apoyándose en muy convincentes interpretaciones y una gran sensibilidad para conmover sin apelar a golpes bajos, Renán consigue una película sencilla y pequeña que describe con lucidez los denodados esfuerzos de una existencia gris por escapar a un futuro carente de horizontes.

Rojo profundo (Profondo rosso, Italia-1975) de Dario Argento, c/David Hemmings, Daria Nicolodi, Gabriele Lavia, Macha Méril, Eros Pagni. 126'.

Discípulo más o menos aventajado de Mario Bava, Argento es, para algunos, un renovador dentro del género de terror. El film -de trama tan rocambolesca como casi todas sus obras- es posiblemente su trabajo más elaborado desde lo visual, con encuadres alla Giorgio De Chirico, y en el que mejor se integran los sucesivos golpes de efecto y las escenas marcadamente gore. Es para destacar la presencia de la entonces olvidada Clara Calamai, heroína de Obsesión, ópera prima de Luchino Visconti.

¿Quién puede matar a un niño? (España-1976) de Narciso Ibáñez Serrador, c/Lewis Fiander, Prunella Ransome, Antonio Janzo, María Luisa Arias. 90'.

Creador de varios exitosos telefilms de terror, el hijo de Narciso Ibáñez Menta consigue aquí su mejor film: un relato que, más allá de sus inocultables influencias (El señor de las moscas, El pueblo de los malditos), posee abundantes ideas originales. Ambientado en una remota isla, el film se centra en un grupo de niños que, afectados por una misteriosa plaga, se dedican a masacrar alegremente a los mayores. Un relato perturbador y perverso al que algunas innecesarias vueltas de tuerca no le quitan mordiente.

Feos, sucios y malos (Brutti, sporchi e cattivi, Italia-1976) de Ettore Scola, c/Nino Manfredi, Maria Luisa Santella, Francesco Anniballi, Maria Bosco. 115'.

Potente comedia de un humor negrísimo, ambientada en una villa miseria de las afueras de Roma, donde un ignorante y brutal patriarca (excelente Nino Manfredi, alejado de sus roles habituales) martiriza a su familia con la sospecha de que quieren robarle su ridículo capital. Una mirada sobre los pobres y desamparados, en la que están ausentes la idealización, el paternalismo y la compasión facilista. Una película tan entretenida como cruel y deprimente en su bizarra galería de personajes, entre patéticos y divertidos.

Un día muy particular (Una giornata particolare, Italia / Canadá-1977) de Ettore Scola, c/Marcello Mastroianni, Sophia Loren, John Vernon, Francoise Berd. 110'.

Muy apreciada en su momento, esta película de Ettore Scola -que transcurre el día en que Hitler arriba a Roma antes del comienzo de la Segunda Guerra- narra el fortuito encuentro entre una frustrada ama de casa, madre de siete hijos y casada con un oficial fascista, y un vecino homosexual dispuesto a suicidarse por su temor a ser enviado a un campo de concentración. Un film de tono intimista, con algunos calculados golpes bajos, y apoyado en el carisma indiscutible de sus dos protagonistas.

Suspiria (Italia-1977) de Dario Argento, c/Jessica Harper, Stefania Casini, Joan Bennett, Alida Valli, Flavio Bucci, Udo Kier. 82'.

Considerado el sucesor de Mario Bava y Riccardo Freda, Argento despliega en este film todo su arsenal de efectos visuales sin importarle demasiado, como siempre, la coherencia de la historia. Acumulando sangrientos asesinatos, decorados barrocos y artificiosos y una banda de sonido obsesiva y omnipresente, el film es una suerte de resumen de su filmografía, y hará las delicias de sus adeptos.

Un burgués pequeño, pequeño (Un borghese piccolo piccolo, Italia-1977) de Mario Monicelli, c/Alberto Sordi, Shelley Winters, Vincenzo Crocitti, Romolo Valli. 122'.

En las películas de Monicelli, siempre hay un costado oscuro, que en este film se agiganta hasta límites insospechados. Un pequeño burócrata decide ingresar a la Logia Masónica a la que pertenece su jefe para que su hijo pueda entrar en la oficina donde él trabaja, pero un hecho accidental provoca bruscas e inesperadas alteraciones. Vigoroso drama, apoyado en una formidable interpretación de Alberto Sordi, y también un minucioso y preciso estudio de caracteres.

La última ola (The Last Wave, Australia-1977) de Peter Weir, c/Richard Chamberlain, Olivia Hammett, David Gulpilil, Frederick Parslow. 106'.

En la primera secuencia del film, el sol brilla radiante sobre un pequeño poblado, pero enormes piedras de granizo caen desde el cielo. Ese inicio establece el tono marcadamente bizarro de esta película, en la que los sueños premonitorios de un abogado lo llevan a investigar un crimen dentro de una comunidad de aborígenes australianos. Como siempre en Weir, el tema principal es el choque de culturas en un contexto alejado del realismo, aunque en este caso también aparece una mirada apocalíptica sobre el futuro.

La parte del león (Argentina-1978) de Adolfo Aristarain, c/Julio de Grazia, Luisina Brando, Fernanda Mistral, Beba Bidart, Julio Chávez, Arturo Maly. 85'.

Desde luego que no es casual que la primera película de Aristarain esté dedicada a una serie de grandes directores del cine clásico americano, ya que es allí donde abreva su estilo narrativo. Un hombre gris, con una vida rutinaria, y el encuentro fortuito de una enorme cantidad de dinero dan lugar a un relato que utiliza con destreza todas las variables del film noir y en el que el director maneja con precisión tanto el ritmo narrativo como el trazado de los personajes. Un excelente debut.

Historia de locura común (Storie di ordinaria follia, Italia / Francia-1981) de Marco Ferreri, c/ Ben Gazzara, Ornella Muti, Susan Tyrrell, Tanya Lopert, Roy Brocksmith. 101'.

Es posible que las cosmovisiones de dos iconoclastas como Marco Ferreri y Charles Bukowski tengan varios puntos en común. Este film, vagamente inspirado en la autobiografía del escritor, privilegia los elementos sórdidos sobre los humorísticos y, apoyándose en una gran interpretación de Ben Gazzara, ofrece un crudo recorrido marginal, atiborrado de borracheras y encuentros sexuales de todo orden. La escena en la que la bellísima Ornella Muti decide cerrar su vagina con un alfiler de gancho sigue siendo irremediablemente perturbadora.

La colmena (España-1982) de Mario Camus, c/Victoria Abril, Francisco Algora, Rafael Alonso, Ana Belén, José Bodalo. 112'.

Mario Camus es posiblemente el narrador más clásico del cine español de las últimas décadas, algo que se puede apreciar cabalmente en sus mejores obras. Esta adaptación de una novela de Camilo José Cela es una de ellas. El director propone un film coral ambientado en los años de la trágica posguerra civil española, en el que los personajes confluyen diariamente en un café. Con un delicado equilibrio entre el drama y el humor y una extraordinaria dirección de actores, el realizador ofrece un preciso relato de esos dolorosos tiempos.

El sur (España-1982) de Víctor Érice, c/Omero Antonutti, Sonsoles Aranguren, Aurore Clément, Rafaela Aparicio. 92'.

Es muy posible que Víctor Erice sea -después de Buñuel, desde luego- el más importante director de la historia del cine hispano, y este film lo confirma. Como su anterior El espíritu de la colmena, la película, ambientada en el norte de España a fines de los años 50, describe, a través de los ojos de una niña, los ocultos sustratos que se esconden detrás de las respetables apariencias familiares. Una obra maestra, sutil y elusiva, pero de inagotable riqueza, a pesar de que su productor Elías Querejeta impidiera que el director desarrollara la segunda parte de la historia.

Y la nave va (E la nave va, Italia-1983) de Federico Fellini, c/Freddie Jones, Barbara Jefford, Victor Poletti, Peter Cellier, Elisa Mainardi, Norma West. 132'.

Así como hay obras de Fellini considerablemente sobrevaloradas, hay otras, como ésta, que no han obtenido un merecido reconocimiento. El film -ambientado en la época de la Primera Guerra Mundial- transcurre en su totalidad en un barco, en el que una serie de estrellas de la ópera van a enterrar en el mar a un colega fallecido. Dentro de un tono general elegíaco y fúnebre, el humor no está ausente (hay un irónico narrador), y varias escenas remiten a lo mejor de la imaginería inagotable del realizador.

La ley de la calle (Rumble Fish, EUA-1983) de Francis Ford Coppola, c/Matt Dillon, Mickey Rourke, Diane Lane, Diana Scarwid, Dennis Hopper. 94'.

Filmada a la par de Los marginados pero en un estilo absolutamente diferente, este film aparece como una suerte de réquiem para las películas sobre pandillas juveniles. La historia de un taciturno integrante de una de esas pandillas, con problemas en la vista y profundamente admirado por su hermano, es una obra que, desde lo visual, muestra reminiscencias de algunos films expresionistas y, en cuanto al tono, es marcadamente elegíaca. Un muy buen film, antes de que la filmografía del director entrara en un irrefrenable tobogán.

Noches sin lunas ni soles (Argentina-1984) de José Martínez Suárez, c/Alberto de Mendoza, Luisina Brando, Lautaro Murúa, Arturo Maly, Cacho Espíndola. 95'.

Si bien Martínez Suárez es destacado generalmente más como docente que como director, algunas de sus escasas películas son muy atendibles. Este relato policial -adaptación de una novela de Rubén Tizziani acerca de un delincuente que escapa de prisión y es perseguido por un comisario (viejo conocido suyo) y quienes lo ayudaron a huir- es un relato tenso y crispado, con una atractiva galería de personajes secundarios, en el que Alberto de Mendoza (en el mejor papel de su carrera) y Lautaro Murúa ofrecen excelentes actuaciones.

Re-Animator (EUA-1985) de Stuart Gordon, c/Jeffrey Combs, Bruce Abbott, Barbara Crampton, Robert Sampson. 86'.

La primera película de Stuart Gordon incursiona en el habitualmente peligroso y resbaladizo terreno de fusionar el terror con el humor. Sin embargo, el tono delirante de la película, la cantidad de ideas que propone, los estrafalarios personajes y su excelente ritmo narrativo provocan que, al menos por esta vez, la propuesta funcione y el film termine constituyéndose en un divertimento de primer orden.

Tiempo de gitanos (Dom za vesanje, Yugoslavia-1988) de Emir Kusturica, c/Davor Dujmovic, Bora Todorovic, Ljubica Adzovic, Husnija Hasimovic, Sinolicka Trpkova. 136'.

Antes de que su cine se estancara en la reiteración y el autoplagio, Kusturica realizó varias películas valiosas. Una de las mejores es esta tragicomedia ambientada en una comunidad de gitanos en la que, si bien se atisban algunos de los defectos que posteriormente lastrarán su obra, están ampliamente superados por sus virtudes, tales como una notable imaginación visual, capacidad para convertir en verosímiles situaciones absurdas y un humor, ora más o menos amable, ora muy corrosivo. De lo mejor de su obra.

El rey de Nueva York (King of New York, EUA-1990) de Abel Ferrara, c/Christopher Walken, David Caruso, Larry Fishburne, Victor Argo, Wesley Snipes. 103'.

La primera etapa de la obra de Ariel Ferrara -digamos, hasta El funeral- muestra a un director potente y visceral, dueño de un refinado estilo visual. A ese período pertenece este film, un descarnado retrato del gangsterismo contemporáneo, con su mezcla de razas de distinto origen y su feroz brutalidad. Christopher Walken está inmejorable como el protagonista, un ex convicto ambicioso, desalmado y carente de escrúpulos pero con férreos principios, decidido a eliminar a cuanto rival se le interponga en su camino.

Rapado (Argentina / Holanda-1992) de Martín Rejtman, c/Ezequiel Cavia, Damián Dreyzik, Mirta Busnelli, Horacio Peña. 75'.

Si hubiera una prehistoria del llamado Nuevo Cine Argentino, este film sería su exponente mayor. La sucinta historia de un muchacho que, ante el robo de su moto, decide raparse la cabeza y junto con un amigo apropiarse de otra como represalia, da lugar a un enjundioso ejercicio de estilo en el que el director, apelando a un tono austero y contenido, ofrece una mirada oblicua pero lúcida sobre la juventud de esos años. Además, Rejtman confirma que es una de las principales influencias sobre los jóvenes cineastas de nuestro país.

Marius y Jeannette - Un amor en Marsella (Marius et Jeannette, Francia-1997) de Robert Guédiguian, c/Ariane Ascaride, Gérard Meylan, Pascale Roberts, Jacques Boudet. 105'.

En sus mejores películas, el marsellés Robert Guédiguian consigue fusionar adecuadamente las historias personales de los personajes con el contexto cultural y social en que se desenvuelven. Rodada en L'Estaque, un barrio obrero de su ciudad natal, la película narra la conflictiva relación que entablan una madre soltera y el introvertido guardián de una obra. Recurriendo, como siempre, a su confiable troupe de actores amigos, el director ofrece una amplia galería de personajes entrañables.

Aprile (Italia-1998) de Nanni Moretti, c/Nanni Moretti, Silvio Orlando, Silvia Nono, Pietro Moretti, Agata Apicella Moretti. 78'.

Para ingresar al universo de Nanni Moretti, es imprescindible asumir su -a veces irritante- narcisismo. La celebración del nacimiento de su hijo, simultáneamente con el triunfo de la izquierda en las elecciones, es el eje principal del relato, en el que el actor/director pone en escena todas sus contradicciones apelando a un humor caústico aunque no exento de ternura. La secuencia final político-musical es un auténtico delirio y uno de los mejores momentos de toda su filmografía.

Los amantes del Círculo Polar (España / Francia-1998) de Julio Medem, c/Najwa Nimri, Fele Martínez, Nancho Novo, Maru Valdivielso. 112'.

Es una verdadera pena que la carrera de Julio Medem a posteriori de esta gran película, la cumbre de su filmografía, haya entrado en un marcado declive. Auténtico tour de force sobre el tiempo (real y cinematográfico), el film es una desolada historia de amor, de intransigente romanticismo, a la que los bruscos cambios de punto de vista no hacen sino enriquecer. Una obra de una estructura tan compleja como absorbente, fascinante desde el primero hasta el último fotograma.

Silvia Prieto (Argentina-1999) de Martín Rejtman, c/Rosario Bléfari, Valeria Bertucelli, Cecilia Biagini, Mirta Busnelli. 92'.

Una mujer que responde a ese nombre se obsesiona por encontrar a una homónima. Partiendo de esa idea argumental, Rejtman -recurriendo a elementos que abrevan tanto en el teatro del absurdo como en la comedia clásica americana- desarrolla un relato ingenioso y con abundantes vueltas de tuerca, que no excluye una aguda caracterización de personajes y que culmina en un final tan imprevisible como insólito.

La nodriza (La balia, Italia-1999) de Marco Bellocchio, c/Fabrizio Bentivoglio, Valeria Bruni Tedeschi, Maya Sansa, Jacqueline Lustig. 106'.

En esta adaptación de una novela de Luigi Pirandello, el director realiza su film más "viscontiano" sin abandonar en lo más mínimo la mirada crítica sobre la sociedad de su país. Ambientada en la Italia de principios del siglo XX, la película está centrada en un matrimonio burgués cuyo hijo rechaza la leche materna. Eso los obliga a contratar a una nodriza, lo que desata una sorda antipatía entre la madre y la muchacha. Una película tan refinada visualmente como provocativa.

Hogar, dulce hogar (Adieu, plancher des vaches!, Francia-1999) de Otar Iosselani, c/Nico Tarielashvili, Lily Lavina, Philippe Bas, Stephanie Hainque, Mirabelle Kirkland. 118'.

Curiosa simbiosis de las tradiciones culturales de su tierra natal georgiana y el cine de Jacques Tati, Iosseliani es una rara avis en el panorama del cine mundial. En esta historia ambientada en Paris acerca de un joven veinteañero que se rebela contra el mundo familiar, aparece una vez más el tono de fábula, tan característico de sus películas, obras en que, tras una aparente liviandad, se ocultan lúcidas miradas sobre la vida cotidiana en la sociedad consumista. Un director realmente valioso, muy poco conocido en nuestro país.

You're the One - Una historia de entonces (España-2000) de José Luis Garci, c/Lydia Bosch, Julia Gutiérrez Caba, Juan Diego, Ana Fernández. 111'.

El amor del director por el cine clásico y su fruición por recrear distintos momentos del pasado de su país se dan cita en esta película, ambientada a fines de la década del 40. Una muchacha de familia acomodada, cuyo marido, opositor del régimen franquista, se encuentra preso, decide regresar a Asturias, la tierra donde pasó su infancia, donde se reencuentra con viejos y nuevos personajes. Rodada en un espléndido blanco y negro, la película trasmite una auténtica emoción.

No quiero volver a casa (Argentina-2000) de Albertina Carri, c/Márgara Alonso, Manuel Callau, Martín Churba, Analía Couceyro, Dabiana Falcón. 74'.

Debut en el largometraje de la directora, este film rodado en blanco y negro comienza con un asesinato brutal que remite de manera oblicua a los crímenes de la dictadura militar. Ese hecho repercute sobre la conducta de dos familias de diferente extracción social, en un relato austero y contenido en el que se eluden los psicologismos. Además, hay una cruda mirada sobre Buenos Aires, transformada aquí en una urbe ominosa y permanentemente amenazante. Una atractiva ópera prima.

La ciénaga (Argentina-2000) de Lucrecia Martel, c/Graciela Borges, Mercedes morán, Martín Adjemián, Leonora Balcarce, Silvia Baylé, Sofía Bertolotto. 103'.

Las tres películas que realizó hasta ahora permiten calificar sin ambages a Lucrecia Martel como una cineasta de primer orden, y La ciénaga es uno de los debuts cinematográficos más impresionantes de los últimos años. Minuciosa descripción de las conductas de la pequeña burguesía provinciana, la película muestra a su directora como una excepcional creadora de atmósferas, a través de las cuales se pueden percibir tanto un latente erotismo como el deterioro de una clase social. Graciela Borges ofrece, junto con el de El dependiente, el mejor trabajo de su carrera.

Ana y los otros (Argentina-2003) de Celina Murga, c/Camila Toker, Ignacio Uslenghi, Juan Cruz Díaz la Barba, Natacha Massera. 80'.

Lo primero que llama la atención en la primera película de Celina Murga es su madurez estética. El film narra el regreso de una joven (excelente Camila Toker) a su ciudad natal después de varios años de ausencia, donde volverá a verse con viejos amigos e intentará reencontrarse con un antiguo novio. Con un obsesivo seguimiento de la protagonista, el film es una lúcida reflexión sobre la búsqueda de la identidad en la que -más allá de algunos ecos rohmerianos y del cine de Leonardo Favio- se percibe a un talento muy personal.

Los rubios (Argentina-2003) de Albertina Carri, c/Analía Couceyro, Albertina Carri, Santiago Giralt, Jesica Suárez. 89'.

Es posible que quienes busquen aquí una película lineal de denuncia sobre los crímenes de la dictadura se desconcierten ante la estructura del film. Es que Carri se aleja de los clisés habituales para desarrollar, tomando como punto de partida el secuestro y asesinato de sus padres cuando ella tenía sólo tres años, un relato en el que se entremezclan la realidad, su representación, la ficción y el documental. El resultado es un film de una gran riqueza, que propone más preguntas que respuestas.

Grilla de programación

Jueves 7

15:00 La dama duende de Luis Saslavsky

17:00 La colmena de Marcel Camus

19:00 El sur de Víctor Érice

Viernes 8

14:00 Una noche en la ópera de Sam Wood

16:00 El padre de la novia de Vincente Minnelli

18:00 La armada Brancaleone de Mario Monicelli

00:00 Hermanas diabólicas de Brian de Palma

Sabado 9

16:00 Silvia Prieto de Martín Rejtman

18:00 Rapado de Martín Rejtman

00:00 ¿Quién puede matar a un niño? de Narciso Ibáñez Serrador

Jueves 14

14:00 Aprile de Nanni Moretti

Viernes 15

14:00 Mamma Roma de Pier Paolo Pasolini

16:00 Marius y Jeannette de Robert Guédiguian

18:00 La tregua de Sergio Renán

00:00 Rojo profundo de Dario Argento

Sábado 16

14:00 Il bell'Antonio de Mauro Bolognini

16:00 Delirio de pasiones de Samuel Fuller

18:00 Sed de mal de Orson Welles

00:00 Raptus de Ricardo Freda (Robert Hampton)

Domingo 17

14:00 El retrato de Jennie de William Dieterle

15.30 Invasión de Hugo Santiago

22:00 La última ola de Peter Weir

Jueves 21

15:00 Pasajeros profesionales de Martín Scorsese

17:00 No quiero volver a casa de Albertina Carri

19:00 Los rubios de Albertina Carri

Viernes 22

14:00 Prisioneros de una noche de David José Kohon

16:00 El camino hacia la muerte del viejo Reales de Gerardo Vallejo

18:00 Mientras la ciudad duerme de John Huston

00:00 La ley de la calle de Francis Ford Coppola

Sábado 23

18:00 Los amantes del Círculo Polar de Julio Medem

00:00 Re-Animator de Stuart Gordon

Domingo 24

14:00 La ciénaga de Lucrecia Martel

16:00 Ana y los otros de Celina Murga

22:00 Y la nave va… de Federico Fellini

Jueves 28

15:00 El rey de Nueva York de Abel Ferrara

17:00 La parte del león de Adolfo Aristarain

19:00 Noches sin lunas ni soles de José Martinez Suárez

Viernes 29

14:00 Cul-de-sac de Roman Polansky

16:00 Historia de locura común de Marco Ferreri

18:00 Hogar, dulce hogar de Otar Iosselani

00:00 El espectro de Riccardo Freda

Sábado 30

18:00 Un día muy particular de Ettore Scola

00:00 Suspiria de Darío Argento

Domingo 31

14:00 Plácido de Luis García Berlanga

16:00 You're the One de José Luis Garci

22:00 Tiempo de gitanos de Emir Kusturica