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Siempre solo entre la multitud, Arthur Fleck busca conexión.
Sin embargo, mientras recorre las calles llenas de hollín de Ciudad Gótica y camina por las grafiteadas vías del transporte público de una ciudad hostil llena de división e insatisfacción, Arthur usa dos máscaras.
Una, que se maquilla para su trabajo de día como payaso y la otra nunca puede quitarla; es el disfraz que proyecta en un intento inútil de sentirse parte del mundo que le rodea, y no el hombre incomprendido al que la vida golpea repetidamente.
Huérfano de padre, Arthur tiene una madre frágil, probablemente su mejor amiga, que lo apodó Happy, un sobrenombre que le ha dado a Arthur una sonrisa que esconde el corazón destrozado en su interior.
Pero, cuando los adolescentes lo acosan en las calles, cuando se mofan de él los ejecutivos en el metro, o simplemente cuando sus colegas payasos se burlan de él en el trabajo, este fenómeno social atípico va perdiendo cada vez más la sintonía con los que lo rodean.
Dirigida, co-escrita y producida por Todd Phillips, "Guasón" es la visión original del infame villano de DC, una historia sobre su origen impregnada de las mitologías más tradicionales del personaje, pero al mismo tiempo diferente. La exploración de Phillips de Arthur Fleck, que es impecablemente retratado por Joaquín Phoenix, es la de un hombre que lucha por encontrar su camino en la sociedad fracturada de Ciudad Gótica. Anhelando que alguna luz brille sobre él, prueba su suerte como comediante, pero descubre que el chiste siempre parece recaer sobre él mismo.
Atrapado en una existencia cíclica entre la apatía y la crueldad y, en última instancia, la traición, Arthur toma una mala decisión tras otra lo que provoca una reacción en cadena de eventos en aumento en este arenoso y alegórico estudio del personaje.
El tres veces nominado al Oscar, Phoenix (" The Master," "Walk the Line," "Gladiator") protagoniza el papel principal junto al ganador del Oscar, Robert De Niro ("Raging Bull," "The Godfather: Part II"). La película también está protagonizada por Zazie Beetz (La serie de televisión "Atlanta", "Deadpool 2"), Frances Conroy (La serie de televisión "American Horror Story", "Castle Rock" de Hulu), Brett Cullen ("42", la serie de Netflix, "Narcos"), Glenn Fleshler (La serie de televisión, "Billions", "Barry"), Bill Camp ("Red Sparrow," "Molly's Game"), Shea Whigham (First Man", "Kong": Skull Island"), Marc Maron (la serie de televisión, "Maron," "GLOW"), Douglas Hodge ("Red Sparrow," la serie de televisón, "Penny Dreadful"), Josh Pais (la próxima a estrenarse "Motherless Brooklyn," "Going in Style") y Leigh Gill ("Game of Thrones" de HBO).
El nominado al Oscar, Phillips ("Borat", la trilogía "The Hangover"), dirigida a partir de un guion que escribió junto con el escritor nominado al Oscar, Scott Silver ("The Fighter"), basado en personajes de DC. La película fue producida por Phillips y el nominado al Oscar, Bradley Cooper ("A Star Is Born", "American Sniper") bajo su marca Joint Effort, y la nominada al Oscar, Emma Tillinger Koskoff ("The Wolf of Wall Street"). Fue producido por Michael E. Uslan, Walter Hamada, Aaron L. Gilbert, Joseph Garner, Richard Baratta y Bruce Berman.
Detrás de cámaras, Phillips estuvo acompañado por el director de fotografía, Lawrence Sher (Godzilla: King of the Monsters, la trilogía "The Hangover"), el diseñador de producción Mark Friedberg ("If Beale Street Could Talk", "Selma"), el editor Jeff Groth ("War Dogs", "The Hangover Part III") y el diseñador de vestuario ganador del Oscar, Mark Bridges ("Phantom Thread", "The Artist"). La música es de Hildur Guðnadóttir ("Chernobyl" de HBO, "Sicario: Day of the Soldier").
Warner Bros. Pictures presenta, en asociación con Village Roadshow Pictures, en asociación con BRON Creative, una producción de Joint Effort, una película de Todd Phillips, "Guasón". Será distribuida en todo el mundo por Warner Bros. Pictures. 
SOBRE LA PRODUCCIÓN
" Mi madre siempre me dice que sonría y ponga cara de felicidad…
-Arthur Fleck
Estamos a principios de la década de 1980 y Ciudad Gótica está en plena crisis. Pero no hay un punto débil criminal en acción, ni un capo de la mafia que ponga todo en riesgo para servir a sus propios intereses. Es una preocupación mucho más palpable para cualquiera que viva dentro de las fronteras distópicas de esta comunidad dividida entre ricos y pobres cuya brecha se va ampliando cada vez más, y las tensiones sólo se exacerban con una huelga de basura que ha durado ya una semana. Ciudad Gótica se tambalea al borde de una catástrofe; sólo están la ciudad y los que la vigilan, y como en cualquier municipio sin fondos para los que no tienen recursos, se están recortando los servicios creados para mitigar las dificultades de los desprotegidos.
No, esto no es la Ciudad Gótica, ni el Guasón que uno reconocería en los 80 años de la narración establecida representada en las páginas o en la pantalla. Más bien, se trata de una historia sobre el origen, propia y auténtica de este infame personaje, la historia de una atmósfera de desasosiego que estimula a un hombre al borde del abismo que, al igual que su ciudad, y probablemente por causa de esta, se acerca cada vez más al precipicio: Arthur Fleck.
El cineasta Todd Phillips afirma: "Me encanta la complejidad de Joker y me pareció que su origen merecería ser explorado en la pantalla, ya que nadie lo ha hecho y ni siquiera en el canon se ha formalizado su nacimiento". Así pues, Scott Silver y yo escribimos una versión de un personaje complejo y complicado, y de cómo podría evolucionar....y luego involucionar. Eso es lo que me interesaba, no una historia del Joker, sino la de convertirse en Joker".
"Por ejemplo," continúa, "en la película se ve la diferencia en la forma en que los niños pequeños y los adultos reaccionan ante Arthur, porque los niños ven el mundo sin lentes; no ven a los ricos en contraposición a los pobres o no perciben a un individuo marginado de la misma manera que lo hacen los adultos". Sólo ven a Arthur como un tipo que trata de hacerlos sonreír. No es algo intrínseco, tenemos que aprender a no aceptar a los demás y, desafortunadamente, por lo general lo hacemos".
El Arthur que Phillips y Silver crearon está atrapado en una existencia cíclica de señales mal interpretadas. Incluso la risa incontrolable e inapropiada de Arthur, que gana ímpetu en su afán por contenerla, no despierta la simpatía de aquellos con los que se topa en su vida diaria, exponiéndolo a un mayor ridículo y distanciamiento de la sociedad de Gótica. "Hoy en día, lo que tiene es un síndrome reconocido, pero en el momento en que se desarrolla nuestra historia, no estaba realmente diagnosticada, aunque era una condición real", explica el cineasta.
Phoenix admite que, incluso durante el rodaje, "Hubo momentos en los que me encontré sintiendo por él, incluso sintiendo que entendía su motivación, y en el momento siguiente me repugnaban las decisiones que él tomaba. Hacer de este personaje fue un reto para mí como actor, y sabía que también desafiaría al público y sus ideas preconcebidas sobre el Joker, porque en su mundo ficticio, como en nuestro mundo real, no hay respuestas fáciles".
"A menudo hablamos de la punta del iceberg, pero rara vez hablamos de lo que hay debajo, de lo que te lleva allí", afirma Phillips. "Arthur es el tipo que ves en la calle y con el que te cruzas... o lo pasas de largo. Con esta película esperamos echar un vistazo a lo que hay debajo de la superficie".
Fueron esos temas, junto con la pasión del cineasta por su medio, los que evocaron la noción no solamente de cualquier película del Joker, sino de esta película del Joker. "Me inspiraron los estudios de personaje que vi cuando era más joven. El aspecto, la vibración, el tono de esas películas tenían sentido para esta historia".
Para Phillips, eso supuso los años 70 y 80, la era de grandes películas como "Serpico", "Taxi Driver" y "Network". Dice: "Incluimos algunos elementos del canon y lo ambientamos en una Ciudad Gótica en ruinas alrededor de 1981, porque eso nos transporta a esa época y lo sacaría del mundo del cómic con el que estamos tan familiarizados en el cine hoy en día".
Phillips no sólo eligió a Phoenix, sino que escribió el papel pensando en él. "El trabajo anterior de Joaquín siempre se me quedó grabado, pero lo que más me gusta de él es su estilo y su imprevisibilidad, que a nuestro juicio encajaría mucho en este personaje", comenta Phillips. "Mientras otros hacen matemáticas, Joaquín toca jazz. Es uno de los mejores, no tiene miedo; su trabajo es valiente y vulnerable, y pensé que si podíamos tenerlo, podríamos hacer algo especial".
Aunque en el pasado se había resistido a todo tipo de proyectos inspirados en el género, el actor se sintió intrigado cuando leyó el guion. "Pensé que era audaz y complejo y que no se parecía a nada de lo que había leído antes. Creo que Todd tiene una manera única de ver las cosas que es realmente perfecta para esta película", observa Phoenix. "Cuando trabajo con un director, quiero a alguien que tenga una visión singular del material, y nadie más que Todd podría haber hecho esta película".
La historia de Arthur es a la vez rica y sobria en detalles, alternativamente enfocada y sesgada. Diseñada con Silver a lo largo de, según recuerda Phillips, "un año en una pequeña oficina en Nueva York", comenzaron por determinar el camino por el que un hombre tan común y corriente podría convertirse en un personaje tan malvado y notorio. "En la versión de la historia que estábamos contando, no funcionaba que un tipo se cayera en una tina de ácido, aunque me parece interesante, así que intentamos pasar todo a través de una lente del 'mundo real'", dice. Para tener sentido en el mundo de nuestra película, pensamos: "Bueno, ¿por qué se pondría este maquillaje cuando finalmente se convierte en Joker? ¿De dónde sacó este maquillaje y por qué lo tiene? ¿Y si fuera un payaso?".
Luego, por supuesto, tuvimos que preguntarnos por qué trabajaba como payaso", continúa, "lo que determinamos fue porque su madre siempre le decía que tenía que llevar risas y alegría al mundo. Todo se acomodó a partir de ahí".
Además de las expectativas visuales que acompañan al personaje, hay un rasgo distintivo de personalidad común a lo largo de casi 80 años de historietas y en cada iteración de imágenes en movimiento, un rasgo que Phillips y Silver querían utilizar en su narración: el clásico narrador poco fiable a quien nunca se le puede creer del todo. "Tienes una gran libertad con un narrador poco fiable, y más aún cuando es el Joker", dice el director sobre el famoso y engañoso depravado, cuya afición por mezclar hechos y ficción informa cada fotograma de la película. "Incluso dice en la historieta de Batman: The Killing Joke, 'Si voy a tener un pasado, prefiero que sea de opción múltiple''. Así que, lo que realmente sucedió, y lo que piensas que es al final, depende de la lente a través de la cual ves la película. No te irás con todas las respuestas y eso es lo que creo que es intrigante de un personaje como éste".
Para lograr todo lo que pretendía con el "Guasón", Phillips y su socio productor Bradley Cooper optaron por realizar la fotografía principal, primordialmente en lugares prácticos dentro y alrededor de la ciudad que inspiró a la propia Ciudad Gótica: La ciudad natal de Phillips, Nueva York, así como la ciudad vecina de Nueva Jersey. Para ello, contrataron a la productora Emma Tillinger Koskoff, una experta en filmar en la región que tiene contactos con el talento oculto más fuerte de la ciudad. "Emma es una de las grandes productoras de Nueva York y tuvimos la suerte de tenerla", afirma Phillips.
Además de reunir y gestionar todos los aspectos de la producción física, Tillinger Koskoff dice: "Todd tenía una visión única e inspirada de cómo quería que se viera y sintiera la película. Mi papel fue ayudar a facilitar esa visión y crear una atmósfera favorable para él, de modo que pudiera centrarse en los actores y concentrarse en lo que estaba sucediendo en una escena determinada. Todd y yo tuvimos la suerte de trabajar con un equipo fantástico, el mejor de Nueva York. Había un nivel de confianza y respeto en nuestro set que le permitía trabajar rápida y creativamente. Fue un privilegio ver a Todd y Joaquín colaborar en esta impactante película".
El equipo creativo de Phillips también incluyó al director de fotografía, Lawrence Sher, siendo esta su sexta película en conjunto; al veterano diseñador de producción Mark Friedberg; al diseñador de vestuario Mark Bridges, quien ha trabajado varias veces con Phoenix; al editor Jeff Groth, un colaborador habitual; y al compositor Hildur Guðnadóttir, quien comenzó a enviar piezas de partitura a Phillips basándose únicamente en páginas de guion, antes de que se rodara siquiera un cuadro de la película.
"Siempre es increíble estar haciendo una película cuando tienes compañeros creativos tan brillantes", dice Phillips, "y realmente tuvimos lo mejor que hay en esta película".
Esas palabras podrían ser usadas fácilmente para describir su talento en la pantalla también, comenzando con lo que literalmente podría calificarse como un casting de ensueño para cualquier cineasta: Robert De Niro. El legendario actor aparece como el presentador de televisión nocturno Murray Franklin, lo más cercano que tiene Arthur a un héroe y, aunque es un extraño, alguien a quien ve como un alma gemela en la comedia. Como muchos aspirantes a cómicos sabrán, ser invitado al sofá de un programa como el de Murray después de tu actuación es más que un simple cambio de juego, es un cambio de vida y el mayor deseo de Arthur…
"...Ella me dijo que tenía un propósito: llevar risas y alegría al mundo."
-Arthur Fleck
El elenco y los personajes
En una escena inicial en el "Guasón", Arthur se reúne con una trabajadora social, que le pregunta si le es útil tener a alguien con quien hablar. Independientemente de cuál sea su respuesta, la expresión de la cara de Arthur deja claro que ella no es ese alguien. Pero es igual de incierto quién sí, si es que existe alguien. "Arthur siempre está luchando con lo que quiere decir y con cómo quiere decirlo", dice Phoenix. "Sus instintos no encajan con el estándar aceptado de conversación o interacción....o con cualquier otra cosa, en realidad."
El por qué es como es no siempre será un misterio para Arthur, dice Phillips, pero cuando lo conocemos por primera vez, dice: "Arthur es un hombre muy del tipo, `Voy a ser la persona que tú quieres que sea. Voy a ser correcto, voy a tomar el autobús y sentarme aquí en silencio y no interactuar,' y ese tipo de cosas". Pero, al igual que un perro que ha sido pateado reiteradamente por su dueño, tarde o temprano "esta vez" será la última. "Siempre hay una parte íntima de él que tiene que tratar de ser fiel a sí mismo, a lo que se está convirtiendo, y a lo largo de la historia la vemos salir, poco a poco."
La verdad de Arthur es compleja. Intenta hacer stand-up, su vocación de ensueño y para la cual se prepara viendo a otros cómicos, esperando captar el tono y el tiempo, y adoptarlo como propio. Esperando que él, al igual que ellos, logre cautivar a una audiencia con observaciones ingeniosas y encontrar una forma aún mayor de aceptación en los aplausos del público.
"Desafortunadamente, la forma en que ve el mundo y, francamente, lo que le parece gracioso no funciona del todo. Describe Phoenix. "No entiende el tipo de humor que tienen los demás y tampoco es capaz de imitarlo."
Sirviendo a la profecía auto-realizada de la denominación "Feliz" que le dio su madre y mucho antes de que Arthur se atreva a probar suerte en el escenario del club de la comedia, lo encontramos en su trabajo diurno como payaso de alquiler a través de un servicio llamado Ha-Ha's. El trabajo lo lleva a varias partes de la ciudad, pero no importa a dónde vaya, la caminata de regreso a casa inevitablemente implica un largo tramo de escaleras al aire libre.
Los escalones, tanto físicos como metafóricos, entran con regularidad en el mundo de Arthur, desde los que asciende hasta los que le toma aplicar su maquillaje Feliz. Ambos son sólo indicadores de los muchos pasos que dará mientras se transforma en su verdadero yo a lo largo de la película.
Gran parte de esa construcción del personaje se originó a través de los preparativos de Phoenix para el papel, teniendo una preparación cerebral y volviéndola corporal. En la película, por consejo de su trabajadora social, Arthur lleva un diario, que también contiene sus dibujos, prosa e imágenes. A lo largo de la pre-producción, el propio Phoenix hizo varias entradas en este. El actor afirma: "Estaba escribiendo en el diario de Arthur cuando Todd me envió una nota sobre la serie de pasos de la historia. Eso me inspiró a escribir 'paso a paso, paso a paso', una y otra vez y línea a línea a través de las páginas, y luego se convirtió en algo que nos enviábamos por mensajes de texto".
Al principio de la película, vemos la forma marchita en que Arthur se conduce mientras sube las escaleras, construyendo sobre otra idea que Phillips implantó en Phoenix, de que Arthur camina con "zapatos pesados", llevando el peso del mundo consigo. Sin embargo, cuando más tarde los desciende, vemos no sólo un Arthur muy diferente, sino un carruaje totalmente distinto.
Independientemente de la preparación, Phillips observa: "Toda la preparación desaparece en la ejecución. Joaquín es tan metódico que no hay un solo momento en el que lo veas cambiar de Arthur a Joker, todo se hace a un ritmo muy mesurado".
Otra parte de la dedicación del actor a la presentación de Arthur fue bajar 25 kilos de peso consumiendo apenas una manzana al día. Phillips confiesa que fue idea suya, diciendo: "Quería que el personaje pareciera hambriento e insano, como un lobo desnutrido".
Phoenix y Phillips desarrollaron una estrecha relación durante el rodaje mientras trabajaban para descubrir y definir los puntos más sutiles de la naturaleza dual de Arthur. Con una cuidadosa atención a lo largo de la historia y un narrador tradicionalmente poco confiable como el Joker preparando la escena para que emerja de entre la crisálida de este hombre socialmente torpe y cada vez más desesperado, dejaron la verdad misma de la historia de Arthur Fleck abierta a la interpretación, como si fuera una experiencia propia de Arthur.
"Hubo momentos en los que pensé que a Arthur le gustaría alterar su historia debido al efecto que tendría en la forma en que alguien se sentiría con respecto a él, y hubo otros momentos en los que pensé que él la alteraría porque es lo que realmente cree", dijo el actor. "Normalmente con los personajes eso resulta frustrante, no entender sus motivos; pero con este personaje se volvió liberador saber que podía ir en cualquier dirección. Al trabajar con Todd en una escena, si no encontrábamos una manera sorprendente de explorarla en el momento, sentíamos que no la estábamos haciendo bien".
Esas discusiones se prolongaban durante toda la producción y mucho después del rodaje de cada día. "Cuando terminábamos de rodar, nos llamábamos o escribíamos mensajes de texto durante horas y hablábamos de las escenas del día siguiente, y los fines de semana nos reuníamos y repasábamos las escenas que íbamos a rodar esa semana", recuerda Phoenix. "Sentía que estábamos tan unidos durante todo el proceso; si uno de nosotros llegaba a un punto en el que no se sentía inspirado, confiábamos en el otro para que lo hiciera, y eso fue realmente satisfactorio".
Arthur vive con su frágil madre, Penny Fleck, y se dedica a cuidarla. Penny vive en su pequeño departamento, pero en realidad vive en su propio mundo, a pesar de la compañía de Arthur. Su atención se divide entre la televisión y todo lo que está mal en Ciudad Gótica, escribiendo cartas a Thomas Wayne. Habiendo trabajado para él hace 30 años, está segura de que el acaudalado hombre de negocios que está considerando postularse para alcalde la ayudaría si tan sólo se enterara de sus circunstancias actuales.
La veterana actriz Frances Conroy, que interpreta a la delicada mujer, admiró al dedicado Phoenix, señalando: "Es callado, está al unísono con su papel y con el otro actor en la escena". Es casi como si " Yo conociera a Arthur, no a Joaquín. Él es el personaje solamente, se abandona a sí mismo y vive sólo en la realidad de la escena".
Criado casi exclusivamente por su madre narcisista, Arthur lucha por ser visto y es dolorosamente consciente de que es invisible para la mayoría, incluso para su madre, que lo sigue llamando Feliz aunque probablemente nunca lo haya sido. Arthur anhela relacionarse con alguien, con quien sea, y busca el reconocimiento, aquel que conduce a la validación. Él y Penny ven "Live with Murray Franklin" juntos cada noche, y sueña con ganarse un lugar en el programa. Un gesto de ese hombre es todo lo que un cómico necesita para triunfar en Ciudad Gótica. Pero un profesional experimentado como Murray siempre se reirá... a costa de quien sea.
Robert De Niro interpreta el papel de Franklin, una fisión de anfitriones de la vida real, desde Joe Franklin hasta Johnny Carson. Phoenix recuerda su primer día juntos en el plató, durante el cual él y De Niro tuvieron una larga escena que filmar. "Tienes la fantasía de que le vas a hacer tantas preguntas porque, por supuesto, es Robert De Niro. Estás muy emocionado cuando esa oportunidad se te presenta, pero luego te das cuenta de que tienes una escena de nueve páginas y no hay tiempo ni posibilidad de que puedas preguntarle todas las cosas que te gustaría".
Phillips adoptó un enfoque muy diferente cuando conoció al icono por primera vez. "Había ido a su oficina antes de rodar y le dije muy claramente: 'Escucha. Tengo que pasar diez minutos conversando sobre todas estas preguntas que tengo para ti, y luego juro que seré un profesional'. Y terminaron siendo al menos 20 minutos, y fue genial".
En su búsqueda de una conexión emocional, Arthur también sueña con su vecina, Sophie Dumond. Está enamorado de ella, pero es el tipo de amor adolescente que lo tiene solo observándola.
Zazie Beetz, que interpreta a la madre soltera de una niña de cinco años, dice: "Sophie y su hija viven al final del pasillo de los Flecks y se encuentra con Arthur en el ascensor, en lugares como ese. Está criando a su hijo sola y probablemente lo está pasando mal. Ella puede ver, sin embargo, que él tiene dificultad para interactuar con la gente y parece algo inseguro, así que ella lo tolera y es amable, y le sonríe a Arthur como lo haces con cualquier vecino".
Beetz disfrutó mucho de trabajar con Phoenix y afirma: "He sido un gran fanático del trabajo de Joaquín durante mucho tiempo y creo que es uno de los mejores actores de esta generación". Con los mismos elogios para Phillips, añade: "Nunca antes había tenido una experiencia como ésta. Fue increíblemente colaborativo".
Brett Cullen protagoniza también como candidato a la alcaldía, Thomas Wayne, una figura paterna solitaria con la que Arthur intenta conectarse sólo para ser rechazado a cada oportunidad. Douglas Hodge es Alfred Pennyworth, el hombre empleado de Wayne que protege los intereses de la mansión, grandes y pequeños, de alguien como Arthur.
Completan el impresionante elenco Shea Whigam y Bill Camp como detectives de la policía de Ciudad Gótica, Burke y Garrity; Glenn Fleshler como Randall y Leigh Gill como Gary, compañeros de Arthur en Ha-Ha's donde Josh Pais interpreta a su jefe, Hoyt Vaughn; Brian Tyree Henry como Arkham Clerk Carl y Marc Maron como el productor de The Murray Franklin Show, Gene Ufland. Los cómicos de la vida real, Gary Gulman y Sam Morril, aparecen en escena en un club de comedia.
"¿Soy yo, o se está poniendo más loco ahí fuera?"
-Arthur Fleck
Diseño de Producción / Locaciones / Cámara
Con el fin de acentuar las luchas internas de Arthur con su propio sentido del realismo, Phillips intentó contrarrestarlo basando la película misma en una estética lo más auténtica posible. "Como cineasta, hay muchas herramientas con las que tienes que pintar, y las locaciones y la escenografía son muy importantes en esta película. El entorno en que se mueve representa mucho en la vida de Arthur, así que quisimos usarlo al máximo".
Trabajó en estrecha colaboración con el diseñador de producción Mark Friedberg, quien, al igual que Phillips, creció en la ciudad de Nueva York y estaba muy familiarizado con la paleta de colores que buscaba el director. "Mark buscó entre viejas fotos de Nueva York para encontrar el nivel adecuado de graffiti, la cantidad adecuada de basura y los coches que queríamos. Su atención a los detalles fue asombrosa", comenta.
"Lo que me conmovió de la creación de Gótica de Todd y Scott es que es un mundo que entiendo, un mundo que es duro, un mundo que es duro con las personas para las que la vida es más dura", dice Friedberg. "La disfunción, la desconexión de los poderes....esa es la ciudad de Nueva York de mi juventud". Era sucia, todas las agencias de la ciudad estaban en huelga en algún momento y las que no lo estaban eran corruptas. Eso es lo que me pareció que hizo que esta pieza fuera tan impactante cuando la leí por primera vez y ahí es donde comenzó nuestra conversación sobre este mundo del "Guasón", una Ciudad Gótica que no es Nueva York, sino su propia ciudad urbana oscura, arenosa y dura arraigada en nuestro pasado colectivo".
Phillips y su equipo creativo hablaron ampliamente sobre lo que Ciudad Gótica significaba para ellos, ya sea a partir de la tradición de los cómics o bien de otras interpretaciones visuales. Para apoyar sus discusiones y más tarde la producción física en términos de adónde llevaron a Arthur sus recorridos diarios y cómo llegó allí, Friedberg elaboró un mapa de tránsito de Ciudad Gótica muy parecido a los que se encuentran en las terminales de metro de la ciudad de Nueva York y, de hecho, el mapa del diseñador apareció de esa manera durante el rodaje.
Aunque se abstuvieron de incorporar demasiados elementos del canon, los que sí incluyeron fueron alterados ligeramente para reflejar la ciudad que estaban concibiendo. "Todo es una repetición de algo", sonríe Friedberg.
Phillips elabora, "Arkham Asylum en nuestra película se llama Arkham State Hospital, porque eso nos parecía que así lo llamarían en realidad".
El Hospital Metropolitano de Harlem se utilizó para los interiores de Arkham y las escenas dentro de una sala de hospital infantil, mientras que los exteriores fueron filmados en Sunset Park, Brooklyn, en la Terminal del Ejército de Brooklyn, un ejemplo de arquitectura de estilo industrial de 100 años de antigüedad.
Identificar todos los lugares prácticos necesarios para una película con una Ciudad Gótica de los años 70 y 80 fue un desafío, dice Friedberg, porque "el mundo físico que estábamos tratando de retratar no es tan accesible como lo es convertir nuestras ciudades en rascacielos y centros comerciales de cristal". Para encontrar la versión de la ciudad que necesitábamos, terminamos yendo a Newark -donde construimos Gótica Square- y Jersey City, Nueva Jersey, y a los barrios".
Para ayudar a vestir la Plaza Gótica en Newark, se contrató a un joven artista local, Malcolm A. Rolling, para que pintara murales en los costados de los edificios a lo largo de las calles donde los cineastas estaban filmando exteriores. Los murales reflejaban los temas representados en la película, y algunos tenían casi una cuadra de longitud.
La producción también filmó secuencias en Brooklyn en el legendario Kings Theater. El palacio de cine se inauguró en 1929, pero había sido renovado recientemente, y en la película representa a Wayne Hall. Los distritos de clase trabajadora de Highbridge y Kingsbridge en el Bronx sirvieron como el vecindario donde vive Arthur en un edificio con su madre, Penny, y la vecina a quien admira, Sophie.
Un local cercano al Bronx, que se repite varias veces en la película, es un largo conjunto de pasos donde encontramos a Arthur haciendo la escalada a casa una y otra vez, simbolizando la monotonía a la que está regresando. "La idea de Todd fue poner a Arthur en el colinoso South Bronx, uno donde está subiendo por las escaleras públicas y a través de callejones, en calles desalineadas, lo que confunde a su mundo de una manera que realmente funciona para esta historia", afirma Friedberg. "La gente no piensa en colinas cuando piensa en Nueva York, piensa en calles planas, así que eso nos dio una topografía inesperada y un estilo visual específico." Ese estilo visual fue definido en conjunto con el director de fotografía, Lawrence Sher. "Larry es probablemente mi socio creativo de mayor confianza, hemos viajado juntos por el mundo rodando películas", dice el director.
Sher relata, "Todd tiene habilidades que son realmente únicas en muchos sentidos. Se preocupa por la creación, las interpretaciones, las imágenes y la edición de manera desmedida, y es capaz de mezclar los cuatro elementos a la perfección de una manera en la que no está poniendo mayor énfasis en uno que en el otro. Muchas veces se filma mucha cobertura y tomas amplias y, en cada película que hemos hecho juntos, él siempre permite que la actuación brille primero y ante todo, pero también entreteje en la cobertura de una manera que siempre da el alcance de la película, lo que permite que sea realmente cinematográfica. Todd y yo nos desafiamos mutuamente cada día y es una experiencia muy satisfactoria trabajar con él. Es el tipo correcto de empujar y tirar, el tipo de presión que produce diamantes. No queremos sentir que dejamos algo en la mesa después de un día de rodaje".
Esa estrecha relación de trabajo ha creado naturalmente el tipo de vocabulario entre ellos que proporciona una verdadera colaboración. "Debido a que esta es nuestra sexta película juntos, las discusiones que tenemos son mucho más sobre ideas dentro de escenas individuales, que luego construyen y crean la visión general", dice Sher. "En esta película, recuerdo que en un momento dado Todd me habló de la idea del yo-sombra, de la sombra que representa el otro lado de nosotros mismos, y de la transformación de Arthur en el Joker. Esos dos términos, transformación y sombra, realmente me inspiraron y me dieron una primera idea de los temas que iba a explorar a lo largo de la película, para que yo pudiera determinar la mejor manera de expresarlos visualmente a través de las imágenes.
"Gran parte de nuestro enfoque," continúa, "fue averiguar cómo se toma lo que básicamente es un estudio de personaje y contarlo visualmente de una manera que no tiene que depender del diálogo. Una manera en que incluso se pueda ver la película en silencio y obtener el mismo impacto emocional, porque la actuación de Joaquín es tan mesurada y dice tanto sin decir una palabra".
Sher dice que la decisión de usar 65 Alexa fue clave en ese sentido. "Una cámara de gran formato como esa te da mucha separación a través de la poca profundidad de campo. Eso nos permitió aislar a Arthur en su mundo, convirtiéndolo en el único personaje dentro de él y realzando la idea de que es un marginado, y a veces se ve a sí mismo como si ni siquiera existiera. La cámara nos ayudó a contar ese lado de su historia, ya sea en la intimidad de su departamento o en escenas más grandes, porque podíamos separarlo de su entorno".
Muchas de esas grandes escenas tienen lugar en el exterior. Sher dice: "Todd, Mark y yo crecimos en Manhattan y sus alrededores y estuvimos allí en el tiempo en que se desarrolla esta película, así que la recordamos vívidamente y pudimos aprovechar eso todos los días". Pero, ¿adónde ir en esta ciudad que no hayan venido a levantar altas edificaciones? Desde el primer cuadro, queríamos que la gente fuera transportada instantáneamente a nuestra versión de Ciudad Gótica alrededor de 1981 y que nunca pensaran: 'Oh, está en Newark'. Mark encontró lugares que estaban casi intactos y que todavía representaban una época anterior. Por supuesto, añadió un montón de basura y cambió la señalización y así sucesivamente, para darle una sensación de tiempo y lugar que no es sólo período, sino que también tonal. Una Ciudad Gótica mucho más sucia, infestada de basura, en un punto de inflexión".
"Desde grandes tomas de la Plaza Gótica hasta un tipo sentado en el autobús o caminando por la Avenida Jerome bajo las vías elevadas hasta la pequeñez de su departamento, a Larry le interesaba mucho contrastar a esta pequeña persona en un mundo grande, y luego a este pequeño mundo con esta persona en él", señala Friedberg. "Para mí, eso significaba pasar de composiciones generales a texturas específicas, de una pequeña pulga anónima que se mueve por las grandes calles de nuestra ciudad hasta el más mínimo detalle de un cigarrillo encendido. Por ejemplo, si entras en edificios viejos de viviendas en el Bronx, verás una textura extrema, olerás una textura extrema, y fotográficamente eso es hermoso para mí. Todd estaba abierto a que yo pusiera ese contraste extremo con la textura de una manera que lo hiciera sentir muy real".
Un ejemplo es un baño público al que Arthur huye en un momento crucial de la historia, que resultó ser un momento crucial para Sher y su operador de cámara "A" /Steadicam, Geoff Haley también. Sher explica: "Filosóficamente como director de fotografía, y como elemento primordial para Todd en la forma en que fotografiamos las películas, es que iluminamos el entorno y dejamos que los actores existan dentro de todo ese entorno, lo que les permite una total libertad de movimiento. En esta película como nunca antes, mi equipo entraría en una escena y no sabría nada de lo que Joaquín iba a hacer. Todd y Joaquín lo habían discutido, pero mi operador y yo lo preparábamos de una manera que le permitía hacer lo que él quisiera, simplemente dejar que sucediera. Eso comenzó con la escena del baño, y Todd y yo adoramos los baños sucios, encontrarás escenas de baño y de ascensor en las seis películas que hemos hecho juntos. Colocamos las luces mixtas, fluorescentes sin corregir, no teníamos ensayo para la cámara, y cuando rodamos, nos quedamos sólo con Joaquín.
Joaquín está extremadamente presente e inmensamente conectado en el momento", continúa, "así que, como director de fotografía o como operador, quieres elevarte a ese nivel de estar presente y ver a dónde va". Mi operador y yo estábamos cada uno en una cámara y dejamos que las cosas se desarrollaran, bailando alrededor de JP mientras él descubría la escena en tiempo real. Ese enfoque se convirtió en algo que hicimos en muchas escenas, como la de su departamento cuando Arthur se sube al refrigerador. Eso fue completamente imprevisto y en el momento. Fue una experiencia emocionante hacer una película así: precisión, en términos de tomas que sabíamos que queríamos conseguir, e improvisación absoluta en términos de actuación".
Siguiendo su regla de autenticidad, Friedberg y Sher trabajaron juntos para construir y dar luz a otro escenario clave de la película, el programa "Live with Murray Franklin". "Los diseños de Mark y todo lo que usamos para iluminar el set eran propios de la época, no se usó ninguna de las tecnologías modernas de iluminación", afirma Sher.
"Soy un fanático del cine y he pasado mi vida tratando de evitar hacer televisión, pero he terminado diseñando varias veces programas de televisión que existen en las películas que estoy haciendo", se ríe Friedberg. "Uno de los decorados más significativos de esta película es para el show de Murray Franklin. No copiamos a Carson como tal, pero usamos esa fórmula: un escritorio, una silla, otra silla y un sofá, un tipo que anuncia y se sienta, asientos para una audiencia en vivo, una banda... todas esas cosas y un cuarto de control, y también los camerinos. Lo que fue interesante para nosotros fue construir este set de estilo'antiguo' que resultó ser el primero en un nuevo escenario en los Estudios Steiner".
El equipo de Friedberg también compró cámaras de televisión de época auténticas para esas escenas, en el Museo de Tecnología de Transmisión de Rhode Island. Se instalaron monitores funcionales a la antigua usanza en las cámaras de modo que hubiera imágenes en los lentes mientras simulaban la filmación.
Durante la producción también se utilizaron vagones de metro de la década de 1970 a 1980, obtenidos del Museo de Tránsito de la Ciudad de Nueva York y operados por personal certificado de la Autoridad Metropolitana de Tránsito (MTA). El rodaje tuvo lugar en líneas de Brooklyn y el Bronx, en lo profundo de los túneles, en vías elevadas y en plataformas, muchas de las cuales estaban abiertas al público, por lo que los actores actuaban como verdaderos pasajeros que desembarcaban y subían a bordo de los coches.
Las escenas en las que encontramos a Arthur primero entre el público, y luego actuando en su primer show de stand-up, fueron rodadas en el famoso club de comedia Dangerfield's en el Upper East Side de Manhattan. Nombrado en honor al famoso cómico Rodney Dangerfield, abrió sus puertas en 1969 y es el lugar más antiguo en funcionamiento de su tipo en la ciudad.
~ Convirtiéndose en el Joker ~
Diseño de vestuario
Para crear la apariencia de Arthur, y la del Joker por partes, Phillips buscó al diseñador de vestuario Mark Bridges, quien había diseñado para Phoenix tanto en "The Master" como en "Inherent Vice". Bridges señala: "Esas películas también se desarrollan en períodos de transición, una en la década de 1950 y la otra en la década de 1970".
Al igual que en la primera, el físico de Phoenix se volvió bastante delgado cuando comenzó la filmación. "Honestamente, no sé cómo lo hace", afirma Bridges sobre la disciplina de Phoenix, "pero comenzamos los ajustes seis meses antes de la filmación, por lo que también se convirtió en parte de mi colaboración con él, no solo adaptar las cosas para que encajaran, sino que no sabíamos si escondíamos su apariencia, o si la estábamos resaltando".
Phillips nunca antes había trabajado con Bridges, pero admiraba mucho sus diseños. "Mark es increíble", comenta el director. "Tan solo hacer que el traje de Robert De Niro le quedara, fue una experiencia. Y debido a que había trabajado con Joaquin varias veces antes, ya tenían una gran relación".
Bridges se sintió halagado cuando Phillips lo contactó. "Todd envió una nota encantadora que decía que tenía este proyecto en puerta y que debía considerar trabajar con él. Desde luego recibir una nota como esa de alguien del calibre de Todd y, claro, trabajar con un viejo amigo como Joaquin, realmente es un placer para mí, tenemos una maravillosa relación y confío en él. Hablamos y él está bastante abierto a mis sugerencias sobre la mejor manera de representar exteriormente a esta persona en la que está trabajando interiormente. Por lo tanto, todas las piezas encajaron en función de la solicitud personal de Todd".
Para el período en el que tiene lugar "Guasón", Bridges observa: "Si eres fiel a, por ejemplo, 1981, había cierta gama de colores y combinaciones de colores disponibles en las tiendas. Usamos mucho azul, marrón, guinda, malva, gris, azul marino, caqui, nos alejamos de los naranjas y los verdes quemados de los setenta, aunque agregué aún más colores por el bien de la historia. Pero solo al adherirse a esa paleta, automáticamente se siente como en otra época, porque no son los colores que se usan en este momento".
En lo que respecta al sentido de la moda de Arthur, Bridges dice: "Es un gran John Q. , por así decirlo; no hay mucho estilo que no sea tan práctico. Se viste por comodidad, ha usado su ropa por mucho tiempo, y tiene un aspecto vago e infantil, así como de un anciano. No quiero revelar demasiado con las elecciones que hago con Joaquin, porque su desempeño es muy fuerte".
En los primeros cuadros de la película, sin embargo, vemos a Arthur en el trabajo que involucra un disfraz real del propio diseño de Arthur: un payaso de fiesta. "Sabiendo que algunos de los movimientos del personaje en la película fueron inspirados por algunos de los movimientos de Charlie Chaplin, trabajé un poco con esa silueta, así como el conocimiento de que sería algo que Arthur armó de una manera muy improvisada". Sin embargo, reconoce: "Una presunción personal mía es el pequeño bombín que usa, porque siempre me ha encantado eso de los payasos".
Y, por supuesto, Arthur también usa los tradicionales zapatos grandes de payaso, en los que Phoenix tuvo que correr varias veces, no es tarea fácil.
Cuando se trató del disfraz del Joker real para la película, Bridges felizmente informa que su diseño fue, en parte, descrito en el guion como "un deteriorado traje que Arthur había tenido por años". Aún así, confiesa: "Tienes un millones de pensamientos pasando por tu mente y hay un poco de presión externa de complacer tanto a los fanáticos, como al personaje. Pero en última instancia, mi trabajo se reduce a contar esta historia en particular, donde el atuendo tiene que ser algo muy orgánico para el personaje: prendas que hemos visto usar antes a Arthur, ahora están reensambladas para convertirse en lo que usa el Joker".
Trabajando hacia atrás, Bridges pudo determinar cuándo y cuánto de los bloques de construcción para la apariencia final aparecerían a lo largo de la historia. "Comencé desde el principio y luego fue todo un viaje, que es el personaje en el club de la comedia y cómo se recombina con diferentes elementos en diferentes ritmos, para llegar al resultado final. Cuando Joaquin y yo tuvimos nuestro ajuste final para el traje completo, todo quedó con la camisa correcta y el chaleco correcto. Era la moda en los setenta que tuviera una línea un poco más larga en el saco, y Joaquin tuvo la extraña confianza de que no era para Arthur, sino que era justo para el Joker. Para mí, eso fue realmente satisfactorio".
Phoenix agrega: "El Joker, camina con la cabeza en alto, con confianza. Antes de eso es como si fuera un caparazón de sí mismo".
A lo largo de la película, Arthur se pinta una cara de payaso de diversos grados para diversas actuaciones. Phillips y Phoenix diseñaron su aspecto del Joker definitivo como una versión exagerada del maquillaje regular de Arthur y ejecutado a la perfección por la jefa del departamento de maquillaje Nicki Lederman y su equipo, utilizando el rojo y el verde básicos del personaje de payaso de Arthur. La propia Lederman creó un tono único para las lágrimas de Arthur de varios pigmentos que tenía a la mano, y lo llamó azul antiguo.
"Solía pensar que mi vida era una tragedia, pero ahora me doy cuenta
de que es una comedia".
-El Joker
Para interpretar los muchos temas explorados a lo largo de la película, Phillips recurrió muy pronto a la compositora Hildur Guðnadóttir. "Hildur estaba escribiendo música desde la preproducción", recuerda Phillips. "Le estaba enviando sus páginas de guiones y ella ya estaba escribiendo música incluso antes de filmar, y lo que hizo para la película es único".
Guðnadóttir dice: "Todd me pidió que escribiera algo de música basándome en mis sentimientos al leer el guion, lo cual me inspiró a hacer porque realmente me identifiqué". Ella le envió una muestra y dice: "Pensó que realmente había capturado el ambiente de la película".
Lo que más sorprendió al compositor: "Fue Arthur, este personaje con una especie de simplicidad multidimensional, tan abierto e infantil, que está tratando de encajar, pero sus circunstancias y la forma en que la gente reacciona ante él no permiten que eso suceda. Musicalmente, eso se tradujo en melodías que son muy simples y monótonas, porque esa es la forma en que ve las cosas. Luego traté de expandir dentro de esa simplicidad la orquestación a su alrededor no con acordes o cualquier música complicada, sino con una textura que sentí resonó con la melancolía de su personaje".
Su composición presenta el violonchelo como la pieza central de la partitura, liderando las melodías basadas en cuerdas. Guðnadóttir revela: "A menudo hay una orquesta sinfónica completa de noventa músicos que tocan lo mismo, pero está escondida detrás del violonchelo. Sentí que iba bien con el personaje, se le ve de cierta manera y hay muchas capas de complicaciones detrás de él, pero él no lo ve. Pensé orquestarlo de esa manera, para que los instrumentos no siempre sean audibles, pensarás que solo estás escuchando un violonchelo pero, como Arthur, hay capas detrás de él".
Guðnadóttir comenzó a trabajar mucho antes que Phillips lo presentó durante la producción y le reprodujo una pieza a Phoenix solo unas semanas después de la filmación como un medio para inspirar su trabajo en una escena crucial, en la que el público verá el primer indicio de las cosas que sucederían. "Joaquin y yo estábamos en el set y en un punto muerto", relata el director. "Realmente no habíamos descubierto la escena, pero recordé que acababa de recibir esta gran pieza musical de Hildur que había estado escuchando la noche anterior. Se la puse a él, le encantó, y comenzó a bailar lentamente, y de la nada surgió esta gracia de Arthur, la aparición de su sombra. Comenzamos a filmarlo, y eso se convirtió en el comienzo de su transformación".
Phoenix atestigua: "Todd puso esta música de violonchelo y fue realmente efectiva. Le dije: 'Entonces, tal vez hay un movimiento', y él dijo: 'Bueno, comenzaría con tus pies, ese es tu movimiento'. Eso es todo lo que dijo y todo lo que teníamos. La preparación fue estudiar los movimientos y el baile durante los ensayos, pero lo que resultó de todo eso fue un punto de inflexión para el personaje, para mí y para Todd trabajando juntos y entendiendo a Arthur".
SOBRE EL REPARTO
JOAQUIN PHOENIX (Arthur Fleck) es un actor tres veces nominado al Oscar que obtuvo su primero en el 2000 por Mejor Actor de Reparto junto a Russell Crowe en la ganadora del Oscar por Mejor Película de Ridley Scott, "Gladiator". Además de las nominaciones para el Oscar, el Globo de Oro y el Premio de la Academia Británica (BAFTA) por esa actuación, Phoenix recibió premios como Mejor Actor de Reparto de la National Board of Review y The Broadcast Films Critics Association.
Phoenix recibió su segunda nominación al Oscar como Mejor Actor en 2006 por su fascinante actuación como el legendario cantante y compositor Johnny Cash, junto con la actriz ganadora del Oscar, Reese Witherspoon, en la fascinante película biográfica de James Mangold, "Walk the Line". Por su actuación, también ganó el Globo de Oro como Mejor Actor en una Película de Comedia o Musical, así como también obtuvo nominaciones para los premios BAFTA, SAG, BFCA y Chicago Film Critics.
Recibió su tercer nominación al Oscar por Mejor Actor en su trabajo en la película de Paul Thomas Anderson en 2012, "The Master", frente al fallecido Philip Seymour Hoffman. Phoenix también ganó la Copa Volpi en el Festival de Cine de Internacional y fue nominado para un Globo de Oro y un BAFTA.
En 2014, protagonizó la galardonada película de Spike Jonze, "Her", junto a Scarlett Johansson, y en 2015, volvió a formar equipo con el director Paul Thomas Anderson para "Inherent Vice", protagonizada junto con Josh Brolin, Benicio Del Toro, Owen Wilson, Katherine Waterston y Eric Roberts. Ese mismo año también protagonizó "Irrational Man" de Woody Allen, junto con Emma Stone.
Más recientemente, Phoenix fue galardonado como Mejor Actor en el Festival de Cine de Cannes 2017 por su papel en la aclamada película dirigida por Lynne Ramsay, "You Were Never Really Here" y protagonizó " Don't Worry, He Won't Get Far on Foot" de Gus Van Sant, ambas para Amazon. Y el año pasado protagonizó "The Sisters Brothers" con John C. Reilly, dirigida por Jacques Audiard, y coprotagonizó "Mary Magdalene" junto con Rooney Mara, del director Garth Davis.
Phoenix nació en Puerto Rico y comenzó su carrera como actor a la edad de ocho años. Durante ese tiempo, hizo numerosas apariciones episódicas en televisión y en un papel recurrente en una serie de CBS de 1986, haciendo su primera aparición en el cine en "Spacecamp". Al siguiente año, protagonizó "Russkies" con su hermana Summer y Carole King. Dos años después, el director Ron Howard seleccionó al adolescente como el hijo de Dianne Wiest en su popular comedia familiar "Parenthood".
En 1996, el joven actor presentó una impresionante y aclamada actuación junto a Nicole Kidman en "To Die For" de Gus Van Sant. Luego coprotagonizó "Inventing the Abbotts" junto con Liv Tyler, Billy Crudup y Jennifer Connelly en 1997. Ese mismo año, coprotagonizó "U-Turn" de Oliver Stone, junto con Claire Danes, Sean Penn y Jennifer Lopez.
En 1998, Phoenix coprotagonizó "Return to Paradise" y "Clay Pigeons" junto con Vince Vaughn y luego se llevó la ovación frente a la búsqueda de Nicolas Cage en el oscuro thriller de Joel Schumacher, "8mm". En 2000, protagonizó la película nominada al Oscar de Philip Kaufman, "Quills", junto con Kate Winslet y Geoffrey Rush, una película basada en la obra de Douglas McGrath sobre el Marqués de Sade, por la cual Phoenix ganó el Premio Broadcast Film Critics como Mejor Actor de Reparto. También ese año, protagonizó "The Yards" de James Gray junto con Mark Wahlberg, James Caan, Faye Dunaway, Ellen Burstyn y Charlize Theron. Ha trabajado con Gray tres veces más, en "We Own the Night" de 2007, "Two Lovers" de 2008 y "The Immigrant" de 2013.
A principios y mediados de la década de 2000, protagonizó junto con Mel Gibson la película "Signs" de M. Night Shyamalan y dos años más tarde volvió a trabajar con Shyamalan en el thriller gótico "The Village". También participó con su voz en la película animada, "Brother Bear" y apareció en" It's All About Love" de Thomas Vinterberg; "Buffalo Soldiers", "Ladder 49", "Reservation Road" y "Hotel Rwanda".
El 27 de octubre de 2008, Phoenix anunció su retiro de la pantalla grande para centrarse en su música rap, pero el anuncio resultó ser parte de su actuación en el falso documental "I'm Still Here", dirigido por Casey Affleck. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Venecia y el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2010. Cuando regresó a la actuación en 2011, fue para protagonizar "The Master".
Como activista social, Phoenix ha prestado su apoyo a una serie de organizaciones benéficas y humanitarias, en particular el River Phoenix Center for Peacebuilding, PETA, Amnistía Internacional, The Art of Elysium, y forma parte de la junta directiva de The Lunchbox Fund. Narró la película "Earthlings" para Nation Earth, un video sobre la investigación del abuso de animales en granjas industriales, fábricas de mascotas, en la industria y la investigación.
Phoenix también ha dirigido videos musicales para Ringside, She wants Revenge, People in Planes, Arckid, Albert Hammond Jr. y Silversun Pickups.
ROBERT DE NIRO (Murray Franklin) lanzó su prolífica carrera cinematográfica en "The Wedding Party" de Brian De Palma en 1969. En 1974, había ganado el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York al Mejor Actor de Reparto en reconocimiento a su actuación aclamada por la crítica en "Bang the Drum Slowly" y el Premio de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine por "Mean Streets" de Martin Scorsese. En 1975, De Niro ganó el Oscar al Mejor Actor de Reparto por su interpretación del joven Vito Corleone en "The Godfather: Part II".
En 1981, ganó su segundo Oscar como Mejor Actor por su extraordinaria interpretación de Jake La Motta en "Raging Bull" de Scorsese. De Niro ha ganado nominaciones al Oscar por su trabajo en cinco películas adicionales como: Travis Bickle en el aclamado "Taxi Driver" de Scorsese, como veterinario de Vietnam en "The Deer Hunter" de Michael Cimino, como un paciente catatónico traído a la vida en "Awakenings" de Penny Marshall, en 1992 como Max Cady, un ex convicto que busca venganza en el remake de Scorsese del clásico "Cape Fear" de 1962, y como padre de un hijo bipolar en "Silver Linings Playbook" de David O. Russell.
En 2009, De Niro recibió el codiciado Kennedy Center Honor por su distinguida carrera como actor, también recibió el Hollywood Actor Award del Hollywood Film Festival, que ganó nuevamente en 2012 y el Stanley Kubrick Award de los BAFTA. Además, AARP The Magazine le otorgó a De Niro el Grownups Lifetime Achievement Award 2010. De Niro fue honrado con el Premio Cecil B. DeMille en los Premios Globo de Oro 2011. También se desempeñó como presidente del jurado del 64° Festival de Cine de Cannes.
Recientemente se le vio en "Wizard of Lies" de HBO protagonizada por Bernie Madoff, por la cual recibió una nominación al Emmy como Mejor Actor en una Miniserie o Telefilme. Su próxima película será "The War with Grandpa" y en 2019 se estrenará "The Irishman", en el que De Niro y Scorsese trabajan juntos de nuevo después de 22 años. Al Pacino coprotagoniza este drama, una saga épica del crimen organizado en los Estados Unidos de la posguerra.
De Niro también protagonizó recientemente "The Comedian", "Hands of Stone", "Joy", "Dirty Grandpa", "The Intern", "Grudge Match", "American Hustle" de David O. Russell, "Last Vegas" y "The Family". Sus otros créditos cinematográficos recientes incluyen: "The Killing Season", "The Big Wedding", "Being Flynn", "Freelancers", "Red Lights", "New Year's Eve", "Limitless", "Little Fockers" la tercera entrega de la exitosa franquicia "Meet the Parents", la comedia romántica italiana de Filmauro, "Manuale d'amore 3", el thriller psicológico "Stone" y "Machete".
Su distinguido cuerpo de trabajo también incluye actuaciones en "The Last Tycoon" de Elia Kazan, "1900" de Bernardo Bertolucci, "True Confessions" y "Falling in Love" de Ulu Grosbard, "Once Upon a Time in America" de Sergio Leone, "King of Comedy" de Scorsese, "Nueva York, Nueva York", "Goodfellas" y "Casino", "Brazil" de Terry Gilliam, "The Mission" de Roland Joffe, "The Untouchables" de Brian De Palma, "Angel Heart" de Alan Parker, "Midnight Run" de Martin Brest, "Jacknife" de David Jones, "Stanley and Iris" de Martin Ritt, "We're No Angels" de Neil Jordan, "Awakenings" de Penny Marshall, "Backdraft" de Ron Howard, "This Boy's Life" de Michael Caton-Jones, "Mad Dog and Glory" de John McNaughton, "Frankeary Shelley's Frankenstein" de Kenneth Branagh, "Heat" de Michael Mann, "Sleepers" y "Wag the Dog" de Barry Levinson, "Marvin's Room" de Jerry Zaks, "The Fan" de Tony Scott, "Copland" de James Mangold, "Great Expectations" de Alfonso Cuarón, "Jackie Brown" de Quentin Tarantino, "Ronin" de John Frankenheimer, "Analyze This" y "Analyze That" de Harold Ramis, "Flawless" de Joel Schumacher, "The Adventures of Rocky and Bullwinkle" de Des McNuff, "Men of Honor" de George Tillman, "Fifteen Minutes" de John Herzfeld, "The Score" de Frank Oz, "Showtime" de Tom Dey, "City By the Sea" de Michael Caton-Jones, "Godsend" de Nick Hamm, "Hide and Seek" de John Polson, "The Bridge of San Luis Rey" de Mary McGuckian, "Shark Tale", "Meet The Parents" y "Meet the Fockers" de Jay Roach, "What Just Happened" de Barry Levinson, "Righteous Kill" de Jon Avnet y "Everybody's Fine" de Kirk Jones.
De Niro se enorgullece del desarrollo de su productora Tribeca Productions, el Tribeca Film Center, que fundó con Jane Rosenthal en 1988, y el Tribeca Film Festival, que fundó con Rosenthal y Craig Hatkoff en 2001 como respuesta a los ataques al World Trade Center. El festival fue concebido para fomentar la revitalización económica y cultural del Bajo Manhattan a través de una celebración anual de cine, música y cultura; la misión del festival es promover la ciudad de Nueva York como un importante centro de filmación y ayudar a los cineastas a llegar al público más amplio posible.
A través de Tribeca Productions, De Niro desarrolla proyectos en los que sirve en una combinación de capacidades, incluyendo productor, director y actor. "A Bronx Tale" de Tribeca, en 1993 marcó el debut como director de De Niro. Más tarde dirigió y coprotagonizó "The Good Shepherd" con Matt Damon y Angelina Jolie.
Otros filmes de Tribeca incluyen: "Thunderheart", "Cape Fear", "Mistress", "Night and the City", "The Night We Never Met", "Faithful", "Panther", "Marvin's Room", "Wag the Dog, "Analyze This", "Flawless", "The Adventures of Rocky and Bullwinkle", "Meet the Parents", "Fifteen Minutes", "Showtime ", "Analize That" y "Meet the Fockers".
En 1992, Tribeca TV se lanzó con la aclamada serie "Tribeca", De Niro fue uno de los productores ejecutivos.
Tribeca Productions tiene su sede en el Tribeca Film Center de De Niro en el distrito TriBeCa de Nueva York.
ZAZIE BEETZ (Sophie Dumond) es una actriz nacida en Alemania y nominada al Emmy, mejor conocida por su papel coprotagonista como la novia intermitente de Donald Glover, Vanessa, en la serie ganadora del Globo de Oro de FX Networks, "Atlanta", que ha sido anunciada para una tercera temporada. También tiene un papel recurrente como Noelle en "Easy" de Joe Swanberg para Netflix.
Recientemente, Beetz fue nombrada una de 10 Actors to Watch de Variety en 2018 por su actuación como Domino en "Deadpool 2", junto a Ryan Reynolds y Josh Brolin. En 2019, se puede ver a Beetz en "High Flying Bird" de Steven Soderbergh, "Wounds" de Babak Anvari, junto con ArmieHammer y Dakota Johnson, así como en "The Undiscovered Country", "Seberg" y "Lucy in the Sky".
Beetz es nativa de Nueva York.
FRANCES CONROY (Penny Fleck) asistió a Neighborhood Playhouse School of the Theatre de la ciudad de Nueva York cuando era adolescente y estudió en Juilliard donde aprendió de los grandes del teatro, John Houseman y Marian Seldes. Después de papeles dramáticos en producciones clásicas como: "Mother Courage...and Her Children", "King Lear", "All's Well That Ends Well", "Measure for Measure" y "Othello" (como Desdemona) a finales de los setenta, hizo su debut en Broadway con "The Lady from Dubuque" en 1980.
Ella pasó a Broadway y al éxito fuera de Broadway durante la década de 1980 en obras teatrales como "Our Town", como la Señora Gibbs, "The Little Foxes" como Birdie y "In the Summer House". También apareció con Seldes en "Ring Round the Moon" y "A Bright Room Called Day". Ganó un Premio Drama Desk por "The Secret Rapture" y un Premio Obie por "The Last Yankee". En 2000 recibió el Outer Critics Circle Award y una nominación al Premio Tony por "The Ride Down Mt. Morgan". Vino a California en 1985 por invitación del director Houseman y apareció en más obras, en particular "Richard III" en el Old Globe Theatre de San Diego.
Conroy comenzó su carrera frente a las cámaras con partes en "Manhattan" de Woody Allen, "Another Woman" y "Crimes and Misdemeanors". Luego pasó a causar una impresión indeleble con su serie como la directora de funeraria y viuda deshonesta y emocionalmente frágil en la exitosa serie de culto "Six Feet Under". Durante las cinco temporadas en HBO, ganó los Premios Globo de Oro y Screen Actors Guild y fue nominada cuatro veces para el Emmy.
Posteriormente se le ha visto en una gran variedad de películas, incluyendo "Die, Mommie, Die!", "Catwoman", "The Aviator" de Martin Scorsese y "Shopgirl" junto con Steve Martin. Más recientemente, Conroy ha hecho apariciones memorables en una variedad de programas, incluida la comedia negra de HBO, "Getting On", junto con Laurie Metcalf, la exitosa comedia de culto de Hulu, "Casual", "The Real O'Neals" de ABC, varias temporadas de la Serie de Antología de Fox de Ryan Murphy, "American Horror Story"; "Arrested Development" de Fox y "Young Sheldon" de CBS. Recientemente se le puede ver en "Castle Rock" de Stephen King en Hulu, y en la temporada actual de "American Horror Story".
SOBRE LOS REALIZADORES
TODD PHILLIPS (Director/Coguionista/Productor) comenzó su carrera como documentalista mientras estudiaba en la Tisch School of the Arts de la NYU. Comenzó a escribir y dirigir largometrajes en 2000 con la comedia clásica de culto "Road Trip". Phillips fue nominado para un Oscar al Mejor Guion Adaptado por su trabajo en "Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan" en 2006.
Phillips fue productor de la película nominada al Oscar, "A Star Is Born", con Bradley Cooper y Lady Gaga, que se estrenó en octubre del año pasado. La película fue nominada a ocho Premios Oscar y ha recaudado más de $400 millones de dólares en todo el mundo.
Phillips escribió, dirigió y produjo el drama cómico "War Dogs", que fue lanzado en 2016 protagonizado por Miles Teller y Jonah Hill, quien fue nominado para un Globo de Oro por su actuación.
En 2009, Phillips dirigió y produjo la exitosa comedia "The Hangover", protagonizada por Cooper, Ed Helms y Zach Galifianakis, que ganó el Globo de Oro a la Mejor Película-Comedia o Musical. Luego escribió, dirigió y produjo las secuelas, "The Hangover Part II" en 2011 y "The Hangover Part III" en 2013. En conjunto, la trilogía recaudó más de $1.4 mil millones de dólares a nivel mundial.
En 2003, Phillips escribió, produjo y dirigió el éxito de taquilla de comedia "Old School", protagonizada por Luke Wilson, Will Ferrell y Vince Vaughn. Phillips ha escrito, dirigido y producido éxitos cómicos como "Starsky & Hutch", "Road Trip" y "Due Date", protagonizada por Robert Downey Jr. y Galifianakis. También se desempeñó como productor en la escandalosa comedia negra para adolescentes, "Project X".
Al principio de su carrera, Phillips se inspiró para la realización de documentales en el humor tomado de la realidad cotidiana y la creencia de que la verdad es a menudo más extraña que la ficción. En 1993, cuando todavía era estudiante en La Tisch School of the Arts, Phillips hizo "Hated: GG Allin and the Murder Junkies", que retrata las travesuras repugnantes del cantante de punk y rock extremo, GG Allin, y que se convirtió en una sensación underground instantánea. Se estrenó en 1994 y se convirtió en la película estudiantil más taquillera de su tiempo. Phillips después hizo "Frat House" en 1998, un documental que produjo y dirigió para la serie "America Undercover" de HBO. La película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 1998 y ganó el Gran Premio del Jurado por sus documentales. La exposición inquebrantable de la vida en las fraternidades creó una controversia pública que finalmente hizo que HBO archivara la película. En 1999, Phillips produjo y dirigió su tercer documental, "Bittersweet Motel", que se centró en el fenómeno de culto musical, Phish.
Phillips actualmente reside en California.
BRADLEY COOPER (Productor) fue siete veces nominado al Oscar e hizo su debut como director con "A Star Is Born" de 2018. La película obtuvo un total de ocho Premios Oscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Actor, y ganó la Mejor Canción Original por "Shallow", un dúo que Cooper realiza con su coprotagonista Lady Gaga en la película. Cooper también recibió dos nominaciones del Sindicato de Directores de Estados Unidos y fue galardonado tanto con el Director del Año como con Directors to Watch Awards del Festival Internacional de Cine de Palm Springs. También fue nominado a Mejor Guion Adaptado por el Sindicato de Guionistas de Estados Unidos, junto con Eric Roth y Will Fetters. La película aclamada por la crítica también recibió numerosos elogios de todo el mundo, incluida la película del año de AFI, nueve nominaciones a los Critics' Choice y dos ganadas, cinco nominaciones al Globo de Oro y una ganada, siete menciones BAFTA y una ganada, cuatro Premios del Sindicato de Actores, y muchos otros. También tuvo un gran éxito en taquilla, ganando más de $434 millones de dólares en todo el mundo.
En 2018, Cooper también apareció en "The Mule" de Clint Eastwood, y se le escuchó prestar su voz al personaje Rocket Raccoon en el éxito de taquilla "Avengers: Infinity War".
Hace cinco años, Cooper asumió el papel icónico de John Merrick en "The Elephant Man" en el Teatro Booth de Broadway, junto con Patricia Clarkson y Alessandro Nivola. La actuación aclamada por la crítica le valió una nominación a un Tony como Mejor Actor Principal en una Obra de Teatro, una nominación al Outer Critics Circle por Mejor Actor en una Obra, un Drama League Award por Outstanding Distinguished Performance y una nominación al Drama Desk por Mejor Actor en una Obra. La producción de Broadway recibió cinco nominaciones a los premios Tony, incluyendo el Mejor Reestreno de una Obra. Tras el éxito de la obra en Nueva York, Cooper repitió el papel de John Merrick en una actuación limitada de seis semanas en el Theatre Royal Haymarket en el West End, dirigida por Scott Ellis, junto con el elenco original de Broadway. Cooper originalmente interpretó el papel en el escenario Nikos en el Williamstown Theatre Festival en verano de 2012, también dirigido por Ellis junto con Clarkson y Nivola.
En 2014, Cooper produjo y protagonizó la película aclamada por la crítica y nominada al Oscar de Clint Eastwood, "American Sniper", que se convirtió en la película más taquillera de 2014 distribuida por Warner Bros. Pictures. La actuación de Cooper como el famoso sello naval, Chris Kyle, y su papel como productor, le valieron su tercera y cuarta nominaciones al Oscar y una nominación al Producers Guild Award. La película se basó en una adaptación de la autobiografía del militar de los SEAL, Chris Kyle, American Sniper: The Autobiography of The Most Lethal Sniper in US Military History. Cooper originalmente eligió el libro bajo su compañía de producción dos años antes de hacer la película.
También en 2014, Cooper fue nominado para un Oscar al Mejor Actor de Reparto por su interpretación como el desquiciado Agente del FBI, Richie DiMaso en el drama de David O. Russell, "American Hustle", protagonizada por Christian Bale, Amy Adams y Jennifer Lawrence. "American Hustle" fue nominada para diez Premios Oscar, incluyendo a Mejor Película. Cooper recibió nominaciones para un premio BAFTA al Mejor Actor de Reparto, un premio de la Broadcast Film Critics Association, un Premio Satellite y una nominación al Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto. El elenco recibió el Premio del Sindicato de Actores (SAG) por Mejor Interpretación del Reparto de una Película.
Ese mismo año, Cooper prestó su voz al personaje Rocket Raccoon en la sorprendente aventura de acción y aventura "Guardians of the Galaxy", dirigida por James Gunn. Lo dobló nuevamente en la secuela de 2017, "Guardians of the Galaxy Vol. 2", también dirigida por Gunn.
En abril de 2013, Cooper protagonizó junto con Ryan Gosling en la película aclamada por la crítica "The Place Beyond the Pines", dirigida por Derek Cianfrance. Cooper representó el personaje de Avery, un policía novato que navega por un departamento gobernado por un detective corrupto. La película fue reconocida por la National Board of Review como una de sus diez mejores películas de 2013.
A principios de ese año, Cooper protagonizó junto con Ed Helms y Zach Galifianakis, "The Hangover Part III", la tercera entrega de la trilogía de comedia. Cooper también protagonizó las entregas anteriores, todas dirigidas por Todd Phillips, que recaudaron en conjunto más de $1.4 mil millones de dólares a nivel mundial. "The Hangover Part II" batió récords de estreno de fin de semana de una comedia de clasifiación R, y "The Hangover" que recaudó $469.2 millones de dólares en todo el mundo, todavía se clasifica a nivel nacional como la comedia de clasificación R de mayor recaudación.
En 2012, Cooper fue nominado para un Oscar al Mejor Actor por su interpretación de Pat Solatano en la comedia dramática "Silver Linings Playbook". La película, dirigida por David O. Russell y protagonizada por Jennifer Lawrence y Robert De Niro, fue nominada para ocho Premios Oscar, incluida a Mejor Película. Cooper fue reconocido por la National Board of Review como Mejor Actor y ganó el Premio de la Asociación de Críticos de Retransmisiones Cinematográficas por Mejor Actor en una Comedia. Cooper también recibió una nominación al Premio Globo de Oro por Mejor Actor-Comedia o Musical y una nominación al Premio SAG por Outstanding Performance by a Male Actor in a Leading Role, así como nominaciones de los Premios Independent Spirit al Mejor Actor y los Premios BAFTA al Mejor Actor.
En marzo de 2011, Cooper protagonizó junto a Robert De Niro el éxito de taquilla "Limitless", que marcó el primer papel protagonista de Cooper en una película, dirigida por Neil Burger. Cooper también se desempeñó como productor de la película.
Los créditos cinematográficos adicionales de Cooper incluyen: "War Dogs" de Todd Phillips, "Joy" de David O. Russell, "Burnt", "The words", "The A-Team", "NewYork I Love You", "He's Just Not That Into You", "Hit and Run", "Yes Man", "All About Steve", "Wedding Crashes", "Wet Hot American Summer", "Aloha" y "Serena".
Cooper hizo su debut en Broadway en primavera de 2006 en la producción de Joe Montello de "Three Days of Rain", junto con Julia Roberts y Paul Rudd. En julio de 2008, se unió al elenco de la obra de Theresa Rebeck aclamada por la crítica, "The Understudy", que se estrenó en el Williamstown Theatre Festival con excelentes críticas y entradas agotadas.
En televisión, Cooper recientemente repitió su papel de Ben en el remake de Netflix, "Wet Hot American Summer: First Day of Camp". Sus otros créditos televisivos incluyen: "Alias", en el que Cooper interpretó a Will Tippin, el drama de FX, "Nip/Tuck", la comedia de cámara única de Fox, "Kitchen Confidential", basada en las pruebas y tribulaciones del reconocido chef Anthony Bourdain, "Jack y Bobby" y una aparición especial en "Sex and the City".
En 2012, Cooper firmó un primer acuerdo de dos años con Warner Bros. para su productora 22nd & Indiana Pictures, en virtud de la cual se produjo "American Sniper". Tres años más tarde, Cooper se asoció con su viejo amigo y colaborador Todd Phillips, y combinó sus compañías de producción para formar Joint Effort bajo Warner Bros., que ha producido "War Dogs", "Joy" y "A Star Is Born". Cooper y Phillips actualmente están desarrollando "Black Flags", una serie de televisión basada en el libro Black Flags: The Rise of ISIS, y serán productores ejecutivos.
Nacido en Filadelfia, Cooper se graduó con honores en el programa de inglés en la Universidad de Georgetown. Después de mudarse a la ciudad de Nueva York, obtuvo su maestría en el programa de Bellas Artes en la Actors Studio Drama School.
EMMA TILLINGER KOSKOFF (Productora) es Presidenta de Producción de Sikelia Productions y trabaja junto con el director ganador del Oscar, Martin Scorsese, en todos los aspectos de sus proyectos de cine y televisión.
Koskoff comenzó su carrera en la industria del cine ayudando al director/productor Ted Demme. Mientras estuvo con Demme, trabajó en la película aclamada por la crítica "Blow", protagonizada por Johnny Depp y Penélope Cruz, y también ayudó en el documental nominado al Emmy, "A Decade Under the Influence".
En 2003, Koskoff se convirtió en la asistente ejecutiva de Martin Scorsese, sirviendo en ese puesto por tres años. Durante este período, ayudó en "The Blues", "The Aviator" y "No Direction Home: Bob Dylan".
Scorsese nombró a Koskoff Presidenta de Producción en 2006. Luego, junto con los productores cinematográficos Graham King y Brad Gray, produjo "The Departed" de Scorsese. La película que recibió cuatro Premios Oscar, incluyendo al Mejor Director y Mejor Película, protagonizada por Leonardo DiCaprio, Matt Damon y Jack Nicholson.
Tras la emoción de "The Departed", Koskoff coprodujo la película de concierto de los Rolling Stones, "Shine a Light", protagonizada por Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Ronnie Wood y dirigida por Scorsese. También fue productora asociada del documental nominado al Oscar, "The Betrayal-Nerakhoon", dirigido por Ellen Kuras.
En 2008, Koskoff coprodujo el thriller psicológico "Shutter Island". La película está protagonizada por Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Michelle Williams, Patricia Clarkson y Max von Sydow, y fue producida por Mike Medavoy, Brad Fischer y Scorsese.
"A Letter to Elia", el documental de 2010 dirigido por Scorsese y producido por Koskoff sobre el cineasta Elia Kazan, triunfó al ganar el prestigioso Premio Peabody. Además, fue productora ejecutiva de otros documentales recientes de Scorsese: "Public Speaking", sobre el escritor Fran Lebowitz, y "George Harrison: Living in the Material World", por el que ganó un Emmy en 2011.
Fue nombrada productora ejecutiva de la película ganadora del Oscar 2011 de Scorsese, "Hugo", luego pasó a producir el muy esperado "The Wolf of Wall Street". La película dirigida por Scorsese, que se abrió a la aclamación de la crítica mundial, está protagonizada por Leonardo DiCaprio y Jonah Hill. Koskoff fue reconocida por sus contribuciones al recibir sus primeras nominaciones al Oscar, al Globo de Oro y al Producers Guild Award.
Luego se desempeñó como productora ejecutiva en "Vinyl", la serie de televisión de rock and roll de los setenta de HBO, con Scorsese al mando, así como "Free Fire" del escritor/director Ben Wheatley, que coejecutó y produjo junto con Scorsese.
En 2016 se lanzó el tan esperado proyecto de pasión de Scorsese, "Silence", que produjo Koskoff. La película, protagonizada por Andrew Garfield, Adam Driver y Liam Neeson, fue nombrada la Mejor Película por el Instituto Americano del Cine (AFI). Koskoff también produjo el drama de boxeo de 2016, "Bleed for This", del escritor/director Ben Younger, que fue producido por Scorsese. También fue productora ejecutiva junto con Scorsese del aclamado documental de Grateful Dead, "Long Strange Trip", dirigido por Amir Bar-Lev y lanzado por Amazon en 2017.
En 2014, Koskoff y Scorsese se asociaron con Rodrigo Teixiera de RT Features para lanzar el Emerging Filmmaker Fund, dedicado a apoyar a directores nuevos o por segunda vez en todo el mundo. La primera película de la asociación, "A Ciambra" de Jonas Carpignano, se estrenó con gran éxito en la Quincena de Realizadores en el Festival de Cine de Cannes en 2017 y se estrenó ese año. Su última película del romance transgénero de Danielle Lessovitz, "Port Authority", se estrenó este año en Cannes en Un Certain Regard. La estrella de la película, Leyna Bloom, fue la primera mujer transgénero de color en encabezar una película que se estrenó en Cannes. Su próxima película, "Murina", de la cineasta Croation Antoneta Kusijanovic, se filmará en verano de 2019.
Koskoff y Scorsese son productores ejecutivos en "Uncut Gems" de Josh y Benny Safdie, que está actualmente en post-producción, y "The Souvenir" de Joanna Hogg (Partes 1 y 2), donde la primera parte ganó el Gran Premio del Jurado en el Sundance 2019 y la segunda parte está actualmente en producción.
Koskoff actualmente está produciendo "The Irishman" de Scorsese, protagonizada por Robert DeNiro, Al Pacino y Joe Pesci, y ya está en post-producción. El siguiente paso para Koskoff es "Killers of the Flower Moon" de Scorsese, protagonizada por Leonardo DiCaprio y Robert De Niro.
LAWRENCE SHER (Director de fotografía) ha trabajado como director de fotografía durante más de quince años. Nacido en Nueva Jersey y graduado de la Universidad Wesleyana, trabajó como asistente de cámara antes de trabajar como director de fotografía en "Kissing Jessica Stein" y de ser ganador del Premio Independent Spirit por "Garden State".
Sher comenzó su colaboración con Todd Phillips en "The Hangover" y ha trabajado con él en "The Hangover II", "The Hangover III", "Due Date" y "War Dogs". Entre sus otros créditos están "The Dukes of Hazzard", "Dan in Real Life", "Trucker", "Love You, Man", "The Dictator", "The Secret Life of Walter Mitty", "Godzilla" y "Godzilla: King of the Monsters".
SCOTT SILVER (Coguionista) fue nominado para un Oscar y un BAFTA por su guion para "The Fighter" de David O. Russell. Otros guiones de Silver incluyen: "The Mod Squad", que también dirigió, "8 Mile" de Curtis Hansen, "The Finest Hours", entre otros.
MARK FRIEDBERG (Diseñador de producción) ha tenido una larga y distinguida carrera en cine y televisión. Entre sus créditos cinematográficos están: "If Beale Street Could Talk" de Barry Jenkin, "Wonderstruck" de Todd Haynes y "Carol", "Paterson" de Jim Jarmusch, "Billy Lynn's Long Half Time Walk" de Ang Lee, "Selma" de Ava DuVernay y "Noah" de Darren Aronofsky
Friedberg también diseñó la producción "Synecdoche, New York" de Charlie Kaufman, "The Amazing Spider-Man 2" de Marc Webb, "New Year's Eve" de Garry Marshall, "The Beaver" de Jodie Foster, "Morning Glory" de Roger Michel, "The Tempest" y "Across the Universe" de Julie Taymor, "State of Play" de Kevin McDonald, "The Darjeeling Limited" y "The Life Aquatic with Steve Zissou" de Wes Anderson, "The Producers" de Susan Stroman, "Broken Flowers" y "Coffee and Cigarettes" de Jarmusch, "Far From Heaven" de Haynes, "Kate & Lepold" de James Mangold, "Pollack" de Ed Harris, "Autumn in New York" de Joan Chen, "Ride with the Devil" y "The Ice Storm" de Lee, "Runaway Bride" de Marshall y "I'm Not Rappaport" de Herb Gardner.
Los créditos televisivos de Friedberg incluyen: "Mildred Pierce", "Sex and The City" y "Poodle Springs".
JEFF GROTH (Editor) ha editado películas como "War Dogs" de Todd Phillips, "The Hangover Part III" y "Project X", así como "Office Christmas Party", "Entourage", "The Wedding Ringer", "Man Made", "Religulous" y "So Goes the Nation".
Sus créditos televisivos incluyen: Deadly Class, Ballers, Entourage, Community, Tori and Dean. Groth también trabajó como editor asistente durante muchos años.
MARK BRIDGES (Diseñador de vestuario) es dos veces ganador del Oscar, en 2011 por "The Artist" de Michel Hazanavicius y, más recientemente, "Phantom Thread" de Paul Thomas Anderson en 2018.
Bridges también colaboró con Anderson en "Hard Eight", "Boogie Nights", "Magnolia", "Punch-Drunk Love", "There Will Be Blood", "The Master" e "Inherent Vice".
Sus otros créditos incluyen: "Jason Bourne" y "Capitain Phillips" de Paul Greengras, "Fifty Shades of Grey" de Sam Taylor-Johnson, "Silver Linings Playbook" de David O. Russell, "The Fighter" y "I Heart Huckabees", "Greenberg" de Noah Baumbach, "Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus" de Steven Shainberg, "The Italian Job", "8 Mile" de Curtis Hansen, "Showboy", "Blow" de Ted Demme, "Cirque du Soloeil: Viaje del hombre", "Deep Blue Sea" de Andrew Davies, "Blast from the Past" y muchas otras películas
También trabajó como asistente de diseñador de vestuario en "Nixon", "Natural Born Killers", "The Hudsucker Proxy", "Dave" y muchas otras películas.
Bridges obtuvo una licenciatura en Artes de la Universidad de Stony Brook y una maestría en Bellas Artes de la Tisch School of the Arts de la NYU.
HILDUR GUÐNADÓTTIR (Compositora) es una compositora islandesa, violonchelista y cantante nominada al Premio Emmy, que se ha inclinado a la vanguardia del pop experimental y la música contemporánea. En sus trabajos como solista, extrae un amplio espectro de sonidos de su instrumentación, desde simplicidad íntima hasta enormes paisajes sonoros.
Su trabajo para cine y televisión incluyen: "Sicario: Day of the Soldado", "Mary Magdalene" y la aclamada serie de HBO, "Chernobyl", por la cual recibió una nominación al Premio Primetime Emmy en la categoría Composición Musical para una Miniserie, Teleserie o Especial. Además, su trabajo incluyen partituras para películas como: "Tom of Finland", "Journey's End" y veinte episodios de la serie de televisión islandesa "Trapped", que se transmiten en Amazon Prime.
Gudnadóttir comenzó a tocar el violonchelo cuando era niña, ingresó a la Academia de Música de Reikiavik y luego pasó a los estudios musicales y composición musical, a los nuevos medios en la Academia de las Artes de Islandia y en la Universität der Künste Berlin.
Ha lanzado cuatro álbumes como solista aclamados por la crítica: Mount A (2006), Without Sinking (2009), Leyfðu Ljósinu (2012) y Saman (2014). Sus discos han sido nominados varias veces para los Icelandic Music Awards. Todos sus álbumes son lanzados en Touch.
Ha compuesto música para teatro, espectáculos de danza y películas. La Orquesta Sinfónica de Islandia, el Teatro Nacional de Islandia, el Tate Modern, el British Film Institute, la Ópera Real de Estocolmo y el Teatro Nacional de Gotemburgo se encuentran entre las instituciones que le han pedido nuevos trabajos. Fue nominada para el Premio del Consejo Nórdico de Música como compositora del año 2014.
Gudnadóttir ha interpretado música en vivo y ha grabado con Skúli Sverrisson, Jóhann Jóhannsson, múm, Sunn O))), Pan Sonic, Hauschka, Wildbirds & Peacedrums, Ryuichi Sakamoto, David Sylvian, The Knife, Fever Ray y Throbbing Gristle, entre otros.
En 2018, Gudnadóttir fue nominada para un premio Discovery of the Year en la World Soundtrack Academy en Gent, y recibió varios premios prestigiosos, incluido el Asia Pacific Screen Award a Mejor Banda Sonora por "Mary Magdalene" y a Mejor Banda Sonora en el Beijing International Film Festival por "Journey's End".
Gudnadóttir vive en Berlín, Alemania.
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