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Escape Room 2: Reto Mortal, el nuevo estreno @sonypicturesarg, constituye la secuela al taquillero thriller psicológico que aterrorizó al público alrededor del mundo.
En este episodio, seis personas se ven involuntariamente encerradas en otra serie de cuartos diseñados para buscar una escapatoria, develando lentamente todo aquello que tienen en común y que podría permitirles sobrevivir… cobrando a la vez consciencia de que ya habían participado previamente en este juego.
Columbia Pictures Presenta una Cinta Original, Escape Room: Reto Mortal. La película está estelarizada por Taylor Russell y Logan Miller. Dirigida por de Adam Robitel. Producida por Neal H. Mortiz. El guion es de Will Honely y Maria Melnik & Daniel Tuch y Oren Uziel, con una historia escrita por Christine Lavaf & Fritz Bohm. Los Productores Ejecutivos son Adam Robitel, Karina Rahardja y Philip Waley. El director de fotografía es Marc Spicer ACS. El diseñador de producción es Edward Thomas. Los editores son Steven Mirkovich, ACE y Peter Pav. La música es de Brian Tyler & John Carey. Oren Uziel es coproductor.
Escape Room 2: Reto Mortal ha sido clasificada para "Adolescentes y Adultos" (PG-13) por The Motion Picture Association a causa de su Violencia, Terror/Peligro y Lenguaje Fuerte.
Tras sobrevivir los eventos de la primera parte, Zoey (Taylor Russell) y Ben (Logan Miller) retornan, resueltos a desenmascarar a quien sea que se encuentre detrás de la malignidad de Minos. "Cuando Zoey va a Nueva York ella misma se expone ante el cubil de los leones", dice Robitel. "Le obsesionan la resolución de este acertijo y la verdadera identidad de Minos".
Para Russell, la cinta más reciente refleja los cambios de los personajes tras los eventos de la primera cinta. Al principio de la primera parte, Zoey era obviamente inteligente, pero débil e insegura. El hecho de sobrevivir a las habitaciones asesinas de Minos puede cambiar a una persona- y la actriz constató estos cambios en el guion para Reto Mortal. "Lo que resaltaba en esas páginas era, en mi opinión, que las probabilidades en contra habían incrementado mucho", rememora Russell. "En la primera cinta no sabíamos en lo que nos metíamos. Pero esta vez, Zoey lo hace voluntariamente, con una meta. La intensidad es mayor, así como la ambición y la lucha interna. Ha salido de su caparazón y en verdad quiere cambiar muchas cosas".
"La última cinta forzó a Zoey y Ben a confrontar sus traumas anteriores", dice Moritz. "El arco de Zoey, en particular, giraba alrededor de un desplazamiento afuera de su zona de confort. Por ello, al principio de la secuela, ella se encuentra en un sitio proactivo, deseando acabar con los malos a fin de conquistar sus propios miedos".
Pero si los cambios se avecinan, la cosa no será fácil. "No hay duda de que Minos tiene varios ases bajo la manga", dice Russell. "Saben bien que ella quiere acabar con ellos, por esta razón han ideado algunas habitaciones increíblemente diabólicas".
"Todos estos cuartos son verdaderamente intensos", prosigue Russell, "pero yo diría que la apuesta mayor estriba en el costado emocional mientras ella intenta completar el rompecabezas de un modo distinto. Ella sabe bien que no puedes ganar si obedeces a Minos. La única manera de salir con vida consiste en no seguir sus reglas".
Tal y como ocurre con Zoey, Ben muestra una palpable mejoría tras lo transcurrido en la última cinta. "En la primera parte, Ben comienza sumido en una espiral descendente pero hacia el final notamos un chispazo que le conmina a luchar nuevamente; cuenta con un motivo para vivir", dice Robitel. "El crecimiento de Ben desde la primera película es algo grandioso- su vida es más sobria, intenta ponerlo todo en orden, su amistad con Zoey se ha afianzado. Creo que hay algo muy llamativo en esa actitud solícita que irradia durante el viaje que emprende junto a Zoey; claramente es el portador de la antorcha, pero no sabemos si Zoey está de acuerdo con esto o si son sólo amigos".
El personaje es interpretado nuevamente por Logan Miller. "Logan lo tiene todo", explica Robitel. "Se trata de un sólido protagonista, es fuerte, pero asimismo posee un gran sentido del humor, de la acción e incluso de la improvisación".
"Los desafíos físicos de esta cinta son harto rigurosos. La energía debe estar a tope constantemente", dice Miller. "El reto consiste en saber mantener la calma mientras actúas sumergido en este caos. Esto genera, ocasionalmente, una verdadera tensión mental".
"Los nuevos personajes han aportado una dinámica novedosa a la franquicia", dice Miller. "Al igual que Zoey y Ben, todos ellos han lidiado previamente con las habitaciones, por esta razón tomamos en cuenta sus experiencias e incluso las nuestras, combinándolas con la esperanza de que funcionen. Somos un enigma que debe confrontar otro enigma",
Para estar a la altura de la misión de esta nueva cinta, los realizadores diseñaron unos personajes al nivel de Zoey y Ben. "No podíamos arrojar a los protagonistas junto con unos novatos", dice Rahardja.
"Deseábamos personalidades diferentes. Personajes capaces de poner algo único sobre la mesa- participantes interesantes, divertidos, redondeados", explica Robitel.
Los personajes novedosos incluyen a Nathan, un sacerdote perseguido por la culpa del superviviente. Cuando Minos quiso comprobar si la fe ayudaría a los clérigos participantes a sobrevivir, Nathan fue el único que consiguió escapar. "Sus creencias han sufrido una sacudida y esto le sumerge en la desesperación", señala Robitel. "Y esto no hará sino meterlo en problemas, e incluso meter a otros en problemas, a lo largo de la cinta".
"Ha tenido que luchar contra el remordimiento desde su primera escapatoria", dice Thomas Cocquerel, el intérprete de este papel. "Existe una tremendo diálogo interno contra el que batalla durante toda la película. Su viaje es complejo- ese fuete diálogo interno lo externa mediante una comunicación directa con dios. Es raro que a uno le toque actuar con estos elementos, pero ha sido un placer".
Cocquerel puede no representar lo que el público piensa cuando toma en cuenta la palabra 'sacerdote'. (En una palabra, el actor es todo un galán.) Pero esto forma parte del diseño. "Hemos visto a demasiados sacerdotes viejos y salitrosos- a nosotros nos pareció que valía más la pena seleccionar a un protagonista y a un actor líder, para ir contra el estereotipo. Thomas es devastador", dice Robitel.
Cocquerel se sintió atraído por el proyecto porque ya era admirador de la primera parte. "No me gusta mucho ver cine de horror, pero la primera parte me encantó", dice. "Lo que separa a esta franquicia es su ángulo intelectual; como espectador intentarás resolver los acertijos al mismo tiempo que los personajes. Es como una cinta de detectives: lo divertido estriba en adelantar a los personajes e intentar resolver los rompecabezas antes que ellos".
Rachel, es decir, el personaje de Holland Roden, poseía una habilidad peculiar que la hacía genéticamente más apta para sobrevivir a los 'servicios' de Minos- su condición médica le impide sentir dolor físico. "Hollando ha hecho de estos rasgos algo muy interesante", dice Robitel. "Las habitaciones son aparentemente más eficaces cuando ocasionan dolor físico. Pero Holland y yo charlamos acerca del dolor físico como opuesto al dolor mental-hay cosas que ella no puede dejar de ver y experiencias que no puede dejar de vivir. Todo ello constituye un obstáculo muy interesante para su personaje".
Según Rahardja, "Zoey es quien todo mundo quisiera ser en el juego de las escapatorias; les lleva la delantera, es muy brillante, resuelve una gran cantidad de problemas. Rachel supone un buen contrapunto a todo esto; tiene los pies en la tierra y en vez de buscar una manera de romper con el juego y largarse, lo que anhela es hallar un camino para transitarlo. Creo que esto ha sido un viaje sumamente emotivo para Rachel, personaje cuyo arco consiste en aprender a sentir emociones ya que no puede sentir nada físicamente".
"No puede sentir dolor y la prueba está en todas esas perforaciones metálicas que adornan su cuerpo", dice Roden. "Asimismo, el personaje se ubica en el costado sarcástico del asunto- su apariencia es poco refinada en lo tocante a su manera de hablar y moverse".
Roden se sintió atraída por la cinta gracias a la oportunidad que ofrecía para potenciar lo expuesto en la primera parte. "Asusta, pero a la vez es una historia muy aterrizada", explica. "Existe una sensación similar a la de una habitación para escapatorias en la que acabas de adentrarte por casualidad- algo en primera instancia muy accesible. La cinta revela que Minos es mucho más grande de lo que pensábamos y lo revela a través de un torneo para campeones. Esto me pareció fascinante".
Indya Moore encarna a Brianna, una influencer en redes sociales- lo que no quiere decir que se trate de un mero estereotipo. "Tomando en cuenta que es creadora de blogs para viajeros, Brianna no es sólo una cara bonita sino asimismo una exploradora que suele enfrascarse en aventuras alrededor del mundo", dice Rahardja. "Yndia arribó en el set con una presencia y una actitud tremendas- en sus manos, el personaje resulta divertido e inspirador".
"Brianna es una viajera", explica Moore. "Adora explorar el mundo y mostrarse sumamente asertiva- sabe lo que quiere, se conoce, no siente la necesidad de ser complacida o tranquilizada por nadie. Ha logrado convertir esto en una carrera gracias a los que pagan por sus publicaciones. Ha desarrollado aptitudes para la supervivencia a través de los viajes realizados- pero le apasiona la vida, no sólo la supervivencia".
Y Robitel añade que, "Ella encarna la noción del viajero mundial que carga una pesada historia sobre sus hombros", dice Robitel. "Mientras que Zoey y Ben van contra Minos a fin de acabar con la organización, Brianna está huyendo. Por casualidad se encontraba de vuelta en Nueva York por un día, pero enseguida se ve atrapada nuevamente en el juego. Indya es neoyorquina así que ha logrado conferirle seriedad y mucha diversión a su papel".
Moore disfrutó mucho de esta colaboración con Robitel. "La intensidad que aporta es contagiosa", dice Moore. "Debes creer que estas habitaciones pueden arrebatarte la vida. Adam canaliza esta intensidad a través de nosotros, los actores- realizó un denodado esfuerzo a fin de garantizar que nosotros pudiéramos aportar esto mismo día tras día".
Carlito Olivero redondea este grupo de jugadores interpretando a Theo, un neoyorquino de origen puertorriqueño. El actor confiesa que, en la vida real, él mismo es un apasionado de los cuartos para escapatorias. "Creo que participé en por lo menos en unos trece el año pasado", dice. "A esto me dedico, pero soy realmente malo para escapar de ellos en la vida real".
"Theo puede ser silencioso, pero cuando algo le conmueve pierde la cabeza. En la cinta, todo mundo tiene una historia con Minos, pero Theo los detesta verdaderamente y no teme ensuciarse las manos, quiere romper cosas. Se trata de una respuesta de macho alfa", prosigue Olivero.
Robitel comenta que la gran personalidad de Olivero es completamente infecciosa. "Es el tipo más bullicioso del tren, el público no podrá evitar enamorarse de él", dice. "Reacciona del mismo modo que muchos de nosotros reaccionaríamos- golpeando ventanas y pateando asientos, completamente exasperado. Pero, a decir verdad, Carlito es muy fuerte- consiguió destrozar un vidrio a prueba de rotura".
Las otras estrellas de la cinta son, por supuesto, las habitaciones que, cual acertijos, los protagonistas deben resolver a fin de poder escapar. "Quisimos conferir a estos cuartos un mayor rango, tornándolos impredecibles sin perder de vista la idea medular de que cada uno contiene una amenaza que, dentro del espacio, resulta sumamente orgánica", dice Mortiz. "El reto consistió en poder hallar nuevas maneras de volverlos letales sin tener que recurrir a un exceso de violencia o sangre. También nos pareció importante poder conectarlos de una u otra manera. En la primera parte, cada habitación estaba vinculada al pasado de algún personaje; en la secuela, cada uno contará su historia, hecho que nutre el misterio central de nuestra trama".
"Cada habitación debe semejar una película particular", explica Robitel. "En la primera parte, los cuartos representaban el historial de cada personaje; nosotros los desplegamos para revelar de qué manera y por qué estas personas habían sido agrupadas, qué era lo que tenían en común. Pero esta vez optamos por otro enfoque".
Así, los realizadores lograron que cada habitación contara una historia- una extraña narrativa que se despliega lentamente y en donde las piezas encajan perfectamente sólo al final. "Discutimos simultáneamente acerca de la historia y de estas habitaciones", dice Rahardja. "Los cuartos tenían que contar una historia que viniera al caso, sin perder su propia narrativa. Algo similar al misterio clásico".
El Diseñador de Producción Edward Thomas, quien diseñó la primera cinta, retornó a fin de encarar el desafío consistente en la creación de habitaciones nuevas y originales, que no fueran una mera derivación de lo visto en la primera parte. "La creación del guion y el diseño de los sets ocurrieron al unísono y por esta razón pudimos nutrir la redacción con nuestras ideas como diseñadores", dice Thomas. "Sostuvimos conversaciones acerca de las mejores maneras de consumar la visión del director, así que, a decir verdad, esta cinta fue levantada desde cero".
"Creo que la primera vez dimos totalmente en el blanco, por ello quisimos asegurarnos de que esta vez podríamos hacer lo mismo", prosigue Thomas. "Este nuevo episodio constituye un paso adelante; los sets son complejos y muy detallados, y todos ellos han sido diseñados con el fin de propulsar tanto a la narrativa como a los personajes. En el viaje que emprenden, cada cuarto les conduce a otro, sumergiéndoles en un peligro cada vez más inmediato. No quisimos que se pasearan por lugares transitorios- la acción es sostenida, el miedo jamás decae".
Claro que los realizadores se concedieron el derecho a divertirse de cuando en cuando. Incluso antes de que los seis campeones se encuentren atrapados nuevamente en la habitación de Minos, Ben se ve de pronto asediado por la pesadilla literal de una habitación de motel cuyo techo comienza a descender hacia él gradualmente, amenazándole con aplastarle. Además de los retos habituales tanto para Thomas como para el Director de Fotografía Marc Spicer, Robitel añadió uno más: quiso incrementar la tensión de la escena filmándola de una sola toma.
"¿Dónde podremos colocar las trampas para la cámara, y cómo podemos crear un cielo capaz de descender en un solo movimiento, con una pared que salte sin poner en evidencia al equipo de operadores que labora en medio de todo esto?", rememora el director, añadiendo que su deseo era que las camas colapsaran un momento antes de realizar un acercamiento.
"Esto supuso sin duda un desafío para la ingeniería; todo eso de un techo que baja aunado a la sensación de un cuarto que realmente se pulveriza", dice Thomas.
La captura de la acción al interior de la pequeña habitación implicó la intrincada coordinación de numerosos departamentos con señales y pautas divergentes: a fin de arrojar las luces desde los muros, para destrozar la televisión, para permitir el desplome de un techo que debe estrellarse contra el suelo. "Incluso las camas fueron creadas sobre módulos inflables para poder así expeler el aire que permitiría al techo caer hasta el suelo", dice Thomas.
El equipo de Efectos Especiales utilizó cuatro motores para la caída en secuencia del techo sobre una plataforma niveladora y sobre las camas. La secuencia fue coordinada minuciosamente junto con Annali Muller, Coordinadora de Acribacias. Y la escena exigía que Logan Miller desempeñara las acrobacias sin doble alguno. "Tuvimos mucha suerte con Logan, tanto en Escape Room 1 como en este secuela", asegura Muller. "Físicamente es muy capaz, desea participar en todo momento, así que conseguimos extraer mucho de él".
Pero Miller no lo intentó a solas: "En realidad, yo me encontraba acostado en el suelo, observando el descenso del techo, así que en cualquier momento pude haber gritado para que detuvieran la toma", dice Brandon van der Merwe, supervisor de efectos especiales.
Tras sobrevivir al techo del cuarto del motel, Ben, junto con Zoey y los cuatro nuevos campeones, se encuentran de pronto inmersos en los acertijos y las trampas de la Corporación Minos. En primer lugar tenemos una habitación que constituyó una de las primeras ideas que Robitel aportó al desarrollo del proyecto: un tren subterráneo fuera de control, electrificado de tal manera que cualquier objeto metálico dentro del vagón pueda soltar una descarga letal.
"Primero pensamos en una tormenta eléctrica", dice Robitel. Esto le puso a pensar en la manera como podría generar electricidad y así arribó al tren subterráneo. "Tú sabes bien que los trenes son eléctricos; todo mundo sabe que no debe tocar el tercer riel", continúa. "Así que me dije, 'Si conseguimos tomar la electricidad de afuera del tren para llevarla a su interior, ¿qué tan interesante podría resultar esto?'"
"Adam sugirió que comenzáramos en el tren, lo descarriláramos y así el permitiéramos convertirse en una habitación de escape", dice Rahardja. "Nos encantó la idea- a la cinta le otorga un rango considerable- ya no se trata de meterse a un edificio abandonado o a algún montaje creado por Minos".
De este modo, el terror comienza en una Estación del Metro de Nueva York, cuando uno de los vagones se electrifica tras descarrilarse en una estación abandonada. "Me parece que ésta es una manera muy divertida de adentrarse en el juego porque implica un toque de realidad", explica Rahardja. "Es una especie de conexión con la vida diaria de cada personaje, pero que, a la vez, los arroja en el juego de la manera más inesperada".
Edward Thomas buscó los esquemas de los verdaderos vagones del metro de Nueva York con el fin de crear su set. "Construirlo desde cero supuso un verdadero reto para todos los departamentos de esta producción, de diseño a construcción, de utilería a decoración de sets", comenta.
Y una vez construido, Efectos Especiales tuvo que tomar las riendas. Los efectos, diseñados y ejecutados por un equipo comandado por Max Poolman y Brandon van der Merwe, desempeñaron un papel medular: "El set fue construido sobre pivotes a fin de propulsar su oscilación de derecha a izquierda", dice van der Merwe. "Además, los frenos de emergencia no funcionan y el tren se estrella contra una barrera. Todas las entradas para cables se desprenden y el tren se electrifica- y para nosotros, ésta es la señal para la iluminación. Soltamos chispazos por todos lados. Jalamos el tren con un motor gigantesco, porque el tren pesaba más de veinte toneladas, un peso colosal como para poder ser detenido fácilmente. Existía sólo una brecha de cien milímetros entre el tren y la plataforma de la estación, y cuatro puertas neumáticas trabajando en secuencia. Una complicada maquinaria, que debía ser construida y ejecutada con mucho cuidado".
"Con todas esas sacudidas de las piezas hidráulicas, los efectos de iluminación y el detrito generado, por un momento nos sentimos como si estuviésemos encallando en la estación de metro abandonada de la Corporación Minos", dice Roden.
Una decisión tomada por Robitel consistió en tornarse selectivo durante aquellos momentos en los que la cámara se encuentra fuera del vagón de metro. "En ciertos momento saltamos fuera del tren con el fin de calibrar todo lo que deben confrontar, pero sólo muy cuando en cuando", dice. "Con los jugadores ahí encerrados, mi anhelo no era otro que la posibilidad de que el público se sintiera encerrado junto con ellos".
"Soy de Nueva York, por ello nuestra participación en el set del metro me pareció interesante", dice Moore. "Por un lado, el tren subterráneo es un sitio en el que mi personalidad es realmente auténtica. Pero, por otro lado, creo que la posibilidad de quedar atrapado en un vagón así supone algo que he temido en el pasado- quizás desde la infancia. Así que esto fue como la materialización de mi peor pesadilla neoyorquina".
Robitel trabajó muy de cerca con el director de fotografía Marc Spicer y los editores Steven Mirkovich y Peter Pav a fin de crear una secuencia que tuviera la garra y el ritmo de una película bélica. "Las cosas explotan, partes del techo caen al suelo, la gente se electrocuta. Esto es sumamente visceral", dice.
Y entonces - ¡bam! - el avance de los supervivientes les arroja contra una tensión muy distinta. "Pasamos de una escena escandalosa, casi rítmica, muy agresiva, al silencioso tic-tac del reloj bancario", describe el director. "Una escena que no tiene que ver con la acción sino con el suspenso- 'no dejes caer esa granada'".
Con el Edificio Mutal, tan art-decó, como locación en Cape Town, Thomas comenta que el espacio debía ser realmente imponente. "Queríamos que los actores se adentraran y sintieran realmente la escala del lugar, pero sin saber de dónde podría provenir la amenaza", dice.
El equipo de Efectos Especiales construyó baldosas comprimidas y capaces de disparar rayos láser (creadas en posproducción por el equipo de Kyle Menzies, Supervisor de Efectos Visuales). Este tablero de ajedrez exige a los jugadores desplazarse sobre un sendero específico a lo largo del vestíbulo- un paso en falso dispara los abrasadores rays. "No se trata de los típicos punteros láser", dice Rahardja. "Los nuestros podrían rebanarte por la mitad. La idea consistía en incrementar la tensión mientras los personajes intentan maniobrar con cautela a través de este espacio monstruoso".
"Tomando en cuenta que los elementos generados por computadora fueron incorporados tiempo después, el banco constituyó una escena particularmente dificultosa para los actores", dice Thomas. "Detallamos enormemente, ante todos ellos, lo que debía ocurrir".
"Efectos Visuales introdujo algodón en las piezas de madera a fin de ocultar la ubicación de los rayos", dice van der Werwe. "En determinado momento había tanto algodón que era virtualmente imposible caminar en el set. Esto exigió una colaboración particularmente intensa".
Robitel deseaba que la sensación capturada por la cámara de Spicer fuese matemática, como de computadora. "Dimos cabida a la arquitectura y a las hermosas y límpidas líneas del banco", explica. "Los rayos láser, la red de energía- su procedencia y su manera de encenderse- todo esto nos enfrascó en un prolongado proceso de pre-producción". Los realizadores capturaron ángulos específicos utilizando paneos nodales- esto es, movimientos de cámara creados para que el fondo se mueva a la misma velocidad que el primer plano, sin paralajes.
Debido a los movimientos precisos exigidos por esta escena- sobre todo tomando en cuenta que los rayos láser no eran visibles en tiempo real- los actores en general señalan la escena del banco como la más difícil de toda la filmación. "Podrías creer que es complicado actuar cuando a la vez intentas recordar la ubicación que tendrán los láser", dice Miller. "Pero se suponía que debíamos sudar profusamente mientras realizábamos movimientos precisos y cautelosos. Fue necesario mostrar una extrema concentración y un cierto temor a lo que podría pasar si cometíamos un error".
Así que, claro, el banco no constituye exactamente un día en la playa. Pero tampoco la siguiente habitación, que no es otra cosa que una playa, justamente- pero con un giro muy a la Minos.
"Los jugadores desembocan en lo que parece ser, al menos por un momento, una playa auténtica", dice Robitel, "pero cuando el personaje de Indya toma una fotografía polaroid, los muros se tornan análogos súbitamente, y así podemos constatar que se trata de otra ilusión de Minos. La planeación de este espacio resultó harto meticulosa".
Y, nuevamente, el cambio de ritmo entre esta escena y lo que vino antes es notorio. Mientras que el banco es calculador, metódico y mecánico, la playa es, según Thomas, "orgánica, con una metodología mortífera muy distinta. Es como el recuerdo de infancia de una playa, con el sol brillando sin cesar, como esas postales deslumbrantes de los años cincuenta con colores pastel. Un sitio en el que no esperarías hallar ningún peligro".
Los realizadores construyeron un set enorme en los Estudios Cape Town, relleno con veinte toneladas de arena. Arena común y corriente… que para tornarse movediza requirió de los efectos especiales prácticos del equipo de van der Merwe. "Nos tomó semanas de trabajo manual, porque debíamos tender capas de arena de sesenta metros cúbicos y ponerlo todo a prueba mientras que los del taller se desgastaban creando los dispositivos hidráulicos y los pivotes que permitirían el hundimiento del espacio. El gran reto consistió en hallar una manera de airear la arena, porque si bombeas aire a través de ésta, obtienes burbujas, todo se torna acuoso y te hundes en el proceso". Un hundimiento durante el proceso- siempre y cuando los dispositivos hidráulicos no paren. Porque si cesan su actividad, la arena se cierra en torno tuyo e impide el movimiento.
"La seguridad supuso nuestra máxima prioridad", comenta el productor Philip Waley. "No sólo la seguridad física, sino asimismo la claustrofobia. Los actores tenían que sentirse realmente cómodos en este espacio si lo que deseábamos era una ejecución adecuada".
Y desde esta soleada playa, los actores creen - por unos instantes- que han escapado del edificio y desembocado en una lluviosa calle neoyorquina.
Pero se equivocan. "Nos metimos en las cabezas de los personajes con el propósito de desequilibrarles y, esperanzadamente, pasará lo mismo con los espectadores", dice Edward Thomas.
Porque, obviamente, esto no es sólo una calle neoyorquina, algo que los personajes descubrirán en cuanto el cielo se abra. ¿Recuerdan el tema de la lluvia ácida tan en viga en los años setenta? Está de regreso, gracias a Minos.
"Cuando leí las palabras 'lluvia ácida' en el guion pensé, 'Ah, vaya, finalmente algo más sencillo'", dice Thomas. Famosas últimas palabras.
"Nos formulamos muchas preguntas: ¿Podríamos crear una verdadera lluvia ácida? ¿Por qué no podemos derretir ciertas cosas en el set?", rememora van der Merwe.
A pesar de que las mentes más claras lograron imponer la utilización de agua pura, los desafíos persistieron. "En cuanto comenzamos a probar la plataforma para lluvias, los realizadores se decidieron por las tormentas y esto exigió una intrincada coordinación a fin de lidiar con la ingente cantidad de agua que tenía que caer en interiores. Además construimos varias versiones del set- el taxi, las fachadas de los negocios, las flores- para así poder mostrar el deterioro tras la caída del 'ácido'".
No había manera de realizar la fotografía principal en una verdadera calle neoyorquina. Por ello, los realizadores crearon la suya sobre un escenario en Sudáfrica, gracias a la magia del cine. Filmaron ciertas escenas específicas en las calles de Nueva York por el lado de Central Park. "Nos aseguramos de capturar distintas perspectivas callejeras, luego entrelazamos las tomas para que los vehículos pudiesen viajar sin fisuras de un proyecto a otro".
"La implementación de imágenes proyectadas funcionó mejor que los intentos de replicar una calle entera, porque queremos que el público siga sintiéndose atrapado dentro de una caja", dice Thomas.
"Creamos fonos muy al estilo de las películas de vieja escuela, con imágenes neoyorquinas proyectadas sobre el espacio de una fábrica- y la cosa lució increíblemente", dice Robitel.
En 2019, el público cinéfilo se formó en las filas para encerrarse en una habitación de la que no podrían salir, con una inminente sensación de peligro envolviéndolo todo… pero este peligro provenía del interior del cuarto. La popularidad mundial de los cuartos de escape- que ponía a funcionar la creatividad para la resolución de problemas de los jugadores, así como sus más desconcertantes habilidades contra reloj y ante una puerta atrancada- fomentó el apetito para Escape Room, cinta de Columbia Pictures que no tardó en convertirse en éxito mundial.
Ahora, justo cuando Zoey (Taylor Russell) y Ben (Logan Miller) - los dos supervivientes del retorcido juego creado por la Corporación Minos- han decidido denunciar a la compañía por los asesinatos y el mal que ha cometido, algo los seduce para llevarlos de vuelta a otra tanda de mortífera diversión en Escape Room 2: Reto Mortal… pero, además, se les unirán otros sobrevivientes.
Y ahora que Minos ha reunido un grupo conformado por jugadores que han sobrevivido retos previos, los realizadores de la cinta tenían como tarea la creación de nuevos y complicados problemas para los personajes. "La idea de 'Reto Mortal' eleve inherentemente las probabilidades en contra", comenta el productor Neal H. Mortiz. "Todos nuestros personajes han jugado previamente, y asimismo han ganado, así que se trata de expertos en lo atinente a la detección de pistas y a las solución de acertijos. Tuvimos que crear habitaciones que pudieran sorprenderles y retarles legítimamente, pero creo que lo más emocionante no fue otra cosa que la posibilidad de aclarar que el juego no se reduce a habitaciones convencionales- puede ocurrir en cualquier lugar.
Claro que el reto para los realizadores consistió en superar sus ideas previas. "En la primera cinta matamos a la gente de manera aparatosa", dice el director Adam Robitel, quien retoma su puesto para esta secuela. "Utilizamos fuego, frío, gravedad, gas letal y, hacia el final de la cinta, dimos a entender que la corporación estaba a punto de secuestrar un avión. En esta ocasión, Minos ha elevado las apuestas, así que nuestros sets debían de ir más lejos":
Este bono de energía creativa es lo que un fanático espera de esta franquicia, que ha logrado desprenderse de su propio género. "Las cintas de Escape Room son thrillers psicológicos y no precisamente cine de horror", dice Robitel. "La presión en las habitaciones reales no es otra cosa que el reloj- sólo cuentas con una hora para resolver todos los acertijos y largarte de ahí. Nos hemos apoyado en este hecho a fin de sofisticar la cinta un poco más- presentamos más suspenso y menos sustos y descuartizamientos".
Asimismo, la apariencia de la cinta le permite destacar y dejar a la competencia muy atrás. "La retroalimentación que propició la primera parte, sobre todo en territorios internacionales, indica en gran medida que nuestro film no semeja una cinta tradicional del género", explica Robitel. "La película ostentaba colores brillantes- un vestíbulo convertido en un horno, un cuarto repleto de hielo- poseía una estética grandiosa; esto supuso nuestro punto de partida en esta ocasión".
"Adam se sumergió en la primera cinta - y de igual manera en ésta última- con una visión redondeada de lo que la cinta tenía que ser. Ahí donde muchas otras películas son oscuras y herméticas, él señaló desde el principio que nuestra franquicia debía ser cinemática, tener amplio rango y belleza, a pesar del objetivo, que no es otro que asustar a la gente", dice la productora ejecutiva Karina Rahardja.
"Nuestra meta consiste siempre en otorgarle una sensación particular a cada habitación", dice Robitel, añadiendo que, si en el proceso las expectativas del público quedan subvertidas, tanto mejor. "Podemos tomar un espacio hermoso, por ejemplo una playa bajo el sol, podemos hacer de este sitio algo bello y nostálgico, pero enseguida lo pondremos de cabeza para convertirlo en una máquina letal. Eso es lo divertido- tomar todo aquello que te complace observar y transformarlo en algo mortífero".
De hecho, Escape Room 2: Reto Mortal imprime nuevamente un carácter de alto riesgo a una industria del entretenimiento que crece a tremenda velocidad actualmente. En una habitación creada para escapar de ella, tanto uno mismo como la gente ahí metida debe ajustar el ingenio y balancear una gran variedad de acertijos, códigos y candados, develando así la trama secreta pieza por pieza, en una hora o menos- o bien soportar lo vergonzoso que resultaría que el amo del juego te muestre cada una de las cosas que pasaste por alto.
Y Robitel comenta que a pesar de su trabajo como el hombre con las respuestas en el set de Escape Room 2: Reto Mortal, esto no tendría por qué ocurrir necesariamente en la vida real. "Por lo general tomo asiento en un rincón con los brazos cruzados, diciendo, 'Avísenme cuando podamos salir de aquí'", comenta burlonamente.
Las habitaciones cuentan con un número ilimitado de posibilidades para escapar. Por ello, las cintas de la franquicia poseen una variedad igualmente amplia de locaciones a elegir - una bendición pero a la vez un verdadero reto, según Robitel.
Para la cinta más reciente, Robitel y su equipo de cabezas de departamento idearon toda una serie de escabrosos retos: un tren subterráneo sacudido por la misma electricidad que normalmente lo activaría; un hermoso banco art-decó, con rayos láser para proteger su atractivo; una hermosa playa como de postal a todo color, con todo y arenas movedizas; una calle neoyorquina sobre la que cae lluvia ácida. "Todo esto tiene que ver con saber hallar la médula- locaciones muy conceptuales, en las que es posible identificarla amenaza, pero que como un asunto práctico irradien la sensación de una habitación para escapatorias", dice Robitel.
"Además de nuestro maravilloso elenco, estos cuartos son las estrellas de la película", señala Rahardja. "Son asombrosamente hermosos y al mismo tiempo letales- serán algo nunca antes visto por el gran público".
El hombre que los ha vuelto letales es el galardonado (un BAFTA) diseñador de producción Edward Thomas, aclamado previamente por el diseño de la primera parte y que ahora regresa para la secuela. "No miento, me paso la noche en vela pensando cómo aniquilar a los personajes", explica. "Pero no soy el único; existen diseñadores de sets, tenemos artistas conceptuales, todos aquellos que se reúnen alrededor de una mesa a fin de dar forma a todo esto. Es un trabajo tremendamente complicado el que se requiere para diseñar una película como ésta; hay tanto movimiento, tanto engranaje, y todo ello puede resultar peligroso cuando los actores o la cámara no dan en el clavo. Ocurren muchas cosas simultáneamente, por ello esto debe ser nada menos que una máquina bien ensayada y aceitada. Los cuartos son asesinos".
Escape Room 2: Reto Mortal desarrolla asimismo de otra forma lo que la primera parte llegó a ser: a través de la exploración de la trama general. Tras haber sobrevivido a las letales habitaciones de la Corporación Minos, Zoey y Ben han resuelto dar con los responsables de la muerte de los demás, a fin de que algo así no se repita jamás. "Los seguimos mientras investigan a Minos y desarrollan una mejor comprensión de lo que esta oscura y extraña organización hace en realidad", dice Rahardja.
"Minos es misteriosa y poderosa", dice Robitel. "Tras la escapatoria de Zoey, fue muy sencillo desacreditarla, haciéndola ver como una demente. En cierto sentido, el involucramiento de Zoey en la nueva serie de habitaciones resulta inevitable- los está buscando, por la sola razón de que desea acabar con ellos. Se rehúsa a jugar según las reglas".
La actriz canadiense TAYLOR RUSSELL (Zoey) se ha convertido rápidamente en uno de los talentos más emocionantes del cine y la televisión.
Russell se desempeñó estelarmente como Emily en Waves, del director Trey Edward Shultz, compartiendo pantalla con Sterling K. Brown, Kelvin Harrison Jr. y Reneé Elise Goldberry. La película, lanzada por A24 el 27 de noviembre de 2019, narra el viaje de una familia suburbana que debe manejar el amor, el perdón y la tristeza en la época posterior a cierta tragedia. Peter Travers, de Rolling Stone, describió a Russell como "…un talento fenomenal que escarba dentro de su personaje permitiéndote escuchar sus propias terminaciones nerviosas". Como resultado de su innovador desempeño, Russell ganó un premio Gotham al Mejor Actor Incipiente. Asimismo fue honrada con un Premio Virtuosos durante la edición 2020 del festival Internacional de Cine en Santa Bárbara; fue nominada en 2020 a un Independent Spirit; y su desempeño fue reconocido por Time como una de las Mejores Actuaciones de 2019.
Próximamente, Russell iniciará la producción de Bones & All, una cinta de Luca Guadagnino en la que ella se desempeñará estelarmente junto a Timothée Chalamet. La historia gira alrededor de Maren Yearly (Russell), quien busca y rebusca en los rincones olvidados de Estados Unidos a fin de dar con su padre con el fin de comprender la ocuridad de su propio pasado.
Actualmente, Russell puede ser vista compartiendo pantalla con Judy Robinson en la serie original de Netflix, "Lost in Space". Basada en el adorado clásico de televisión creado por Irwin Allen en los sesenta, esta nueva versión se centra en la familia Robinson, que debe luchar con muchas probabilidades en contra a fin de sobrevivir y escapar de los peligros ocultos en el espacio. La plataforma lanzó la segunda temporada el 24 de diciembre de 2019. Y la tercera y última temporada será estrenada este año.
En enero de 2021, Russell encarnó a Sophie en la cinta de misterio de Relativity Media, Dr. Bird's Advice for Sad Poets. Basada en la novela del mismo nombre, la película cuenta la historia de James Whitman (Lucas jade Zumann), quien busca los consejos terapéuticos de una paloma imaginaria con el fin de sobreponerse a los estragos ocasionados por la ansiedad y la depresión tras la desaparición de su hermana. La cinta está protagonizada asimismo por Jason Isaacs, David Arquette y Lisa Edelstein. En agosto de 2020, Russell interpretó a Maya, el personaje femenino principal, en la cinta Word son Bathroom Walls, lanzada por Roadside Attractions y coprotagonizada por Charlie Plummer.
Russell fungió como productora y debutó como directora con el corto The Haert Still Hums Along, codirigida por Savanah Leaf. El documental de veintinueve minutos de duración es en realidad la crónica de cinco mujeres que luchan por sus hijos a través de un ciclo de drogadicción, vida en la calle y el trauma del desdén manifestado por otros padres. La cinta fue estrenada el 17 de junio de 2020 en el Festival Internacional de Cine en Palm Springs, en donde fue honrada con un premio al Mejor Corto Documental. Tras su lanzamiento, Searchlight Pictures se interesó por el documental a través de su Departamento para Cortos. Asimismo, el proyecto ganó un premio al mejor Corto Documental durante la edición 2020 del Festival de Cine en Nashville y fue nominado en la misma categoría en el Festival de Cine en Atlanta. Más recientemente, el corto ganó un premio al Mejor Corto otorgado por la Hollywood Critics Association.
Considerado una de las Diez Nuevas Estrellas por The Wrap gracias a dos cintas presentadas en Sundance en 2015, LOGAN MILLER (Ben) ha proseguido la curaduría de una carrera tanto en aclamados films independientes como en taquilleros lanzamientos de estudio.
Recientemente, Miller protagonizó el largometraje ESCAPE ROOM, de Sony, que recaudó más de 150 millones de dólares alrededor del mundo. La cinta constituyó uno de los lanzamientos más exitosos de 2019.
Millr fue visto por última vez en la independiente Shithouse, ganadora de la competencia en el plano narrativo en el Festival SXSW 2020. Asimismo estelarizó recientemente la muy aclamada Love, Simon, cinta de Foz protagonizada por Nick Robinson, Jennifer Garner, Josh Duhamel y Katherine Longford.
Versado en cine independiente, Miller protagonizó Night Moves, cinta de Kelly Reichardt estrenada en Venecia y que cuenta asimismo con las actuaciones de Peter Sarsgaard, Jesse Eisenberg y Dakota Fanning . Asimismo participó en el thriller de ciencia-ficción Plus One, estrenado en SXSW, y el drama Deep Powder, estrenado en Tribeca y en donde el actor comparte pantalla con Shiloh Fernandez y Haley Bennet.
También protagonizó el drama The Stanford Prison Experiment, estrenado en concurso y posteriormente adquirido por IFC Films para su distribución. El elenco de ensamble incluye a Billy Crudup, Ezra Miller, Olivia Thirlby, Michael Angaraon, James Walk, Tye Sheridan, Nicholas Braun, James Frecheville y Thomas Mann. Ese mismo, en el mismo festival, Miller desempeñó el papel principal en el debut de Matt Sobel como escritor/director, Take Me To the River, de la que IndieWire señaló que: "El descubrimiento destacado no es otro que el advenedizo Miller".
En 2017, Miller encarnó a la pasión amorosa de Zoey Deutch en la adaptación cinematográfica de la exitosa novela Before I Fall, dirigida por Ry Russo Young; y participó en el largometraje A Dog's Purpose (DreamWorks), protagonizado por Dennis Quaid y Britt Robertson bajo la dirección de Lasse Hallström.
En 2016, Miller protagonizó la comedia de horror de Paramount, Scouts Guide to the Zombie Apocalypse, compartiendo pantalla con Tye Sheridan, David Koechner, Cloris Leachman, Halston Sage y Blake Anderson. Asimismo fue visto junto a James Caan y Keir Gilchrist en The Good Neighbor, presentada por vez primera en SXSW y posteriormente adquirida por Vertical Entertainment. Asimismo llevó a término su participación en la producción de la independiente The Scent of Rain and Lightning, estelarizada por Maika Monroe, Maggie Grace y Mark Webber. También desempeñó un papel principal en el thriller Prey, dirigido por Franck Khalfoun para Universal / Blumhouse.
Sus créditos televisivos incluyen papeles en la exitosa serie "The Walking Dead" (AMC) así como en la nueva versión de "Veronica Mars". Además, continúa siendo la voz de Sam en la serie animada "Ultimate Spider-Man". Asimismo, en 2018 prestó su voz para la serie animada "Guardians of the Galaxy".
Nacido en Englewood, Colorado, Miller vivió más tarde en Nuevo México y en Minneapolis antes de asentarse en Flower Mound, Texas con su familia. Actualmente vive en Los Ángeles.
Graduado de la prestigiosa escuela dramática NIDA, con sede en Sydney, THOMAS COCQUEREL (Nathan) se encuentra actualmente inmerso en la filmación de la serie "The Gilded Age" (HBO), creada por el equipo responsable de "Downtown Abbey". Thomas fue visto recientemente en el papel principal de la cinta independiente Alive, en donde comparte pantalla con Angus MacFayden, y como protagonista tanto en In Like Flynn, una coproducción australiano-estadunidense, como en la independiente The Divorce Party. Recientemente llevó a buen puerto el arco de una temporada de duración de su personaje en la exitosa serie "The 100", de CW. Sus créditos previos incluyen la cinta Table 19 (Fox Searchlight), estelarizada por Anna Kendrick; Tribes of Palos Verdes, protagonizada por Jennifer Garner; y Billionaire Boys' Club, en donde comparte pantalla con Ansel Elgort y Taron Egerton. Otros créditos incluyen la cinta independiente Life at These Speeds, dirigida por Leif Tilden y coprotagonizada por Billy Crudop y Tim Roth, y Kidnapping Mr. Heineken, dirigida por Daniel Alfredson y estelarizada por Anthony Hopkins.
YNDIA MOORE (Brianna) es una reconocida actriz. Nacida y criada en el Bronx, Moore ha aparecido en las portadas de publicaciones tan prestigiosas como Vogue España, Another, L'Officiel y Vogue Italia, así como en colaboraciones con diseñadores como Ralph Lauren, Louis Vuitton y Calvin Klein. Moore fue seleccionada por la revista Time para su Lista de las Personas Más Influyentes de 2019. Asimismo, hizo historia cuando se convirtió en la primera persona trans en aparecer en la portada de la revista Elle. Moore ha sido mencionada también en la Lista 2019 de la Siguiente Generación del periódico Hollywood Reporter y en la lista 30 Menores de 30, de Forbes.
Recientemente apareció en la innovadora serie "Pose" (FX), que ha sido nominada para un Emmy. La serie debutó en junio de 2018 y enseguida recibió grandes comentarios. Moore interpreta a Angel, una mujer trans que busca amor y se mueva por el mundo del baile neoyorquino de los años ochenta, hallando por fin su fortaleza en una familia. Vanity Fair describió así el desempeño de Moore: "La actriz es tremenda cuando comunica el cansancio y los anhelos de Angel, cuando expresa su necesidad de intimidad y estabilidad… El historial de Angel es manejado con detalle y sensibilidad, todo ello maniobrado expertamente por Moore, con una sutil claridad emocional". La serie fue nominada para seis premios Emmy en 2019, incluyendo uno a la Serie Dramática Más Destacada. Este drama de FX fue nominado también para un Globo de Oro y un Critis Choice a la Mejor Serie Dramática, y recibió un premio AFI al Programa Televisivo del Año. Asimismo en 2019, la serie se llevó un GLAAD al Mejor Programa Dramático así como un premio Peabody. La segunda temporada fue estrenada en junio del año pasado y la tercera y última temporada debutó en mayo de 2021.
A lo largo de 2020, Moore se sumergió en el trabajo caritativo, recaudando y distribuyendo dinero entre las comunidades marginadas durante la pandemia de COVID-19. En las navidades pasadas, Moore creó una campaña conocida como Trans Santa junto con Kyle Laskey y Chase Strangio: su misión consistió en apoyar y llevar regalos a la juventud trans más necesitada. Por otro lado, Moore se asoció con Jane Fonda para la iniciativa Fireside Chat y la entrevistó para la revista Interview. Su activismo llamó la atención del diseñador Tommy Hilgiger, quien invitó a Moore a participar en su campaña de primavera 2021. Recientemente, Moore, Julianne Moore y Chloe Sevigny filmaron un corto para Yves Saint Laurent.
En la pantalla, Moore fue vista recientemente en la cinta A Babysitter's Guide to Monster Hunting, de Netflix. En 2019, Moore fue vista en Queen and Slim, de Universal. Dirigida por Melina Matsoukas y escrita por Lena Waithe, la cinta está coprotagonizada asimismo por Daniel Kaluuya, Jodie Turner-Smith y Chloe Sevigny.
En 2018, Moore apareció en la aclamada producción Saturday Church, estrenada en Tribeca y distribuida por Samuel Goldwyn Films. El New York Times le llamó "una cinta conmovedora y consistentemente sensible".
HOLLAND RODEN (Rachel) fue vista recientemente como Erin en la exitosa serie de FX, "Mayans M.C.". Holland es mejor conocida por su interpretación de Lydia Martin en "Teen Wolf", de MTV. Auténtica nómada hollywoodense, Roden vive en una camioneta Sprinter 144 remodelada en la hermosa comunidad de Topanga Canyon e incluso cuenta con un canal en YouTube que le sirve para narrar sus viajes.
CARLITO OLIVERO (Derek) encarna a Davis Jiménez en "Step Up: Highwater", de Starz. Olivero es un actor versátil y un cantante nacido y criado en Chicago, Illinois. Alcanzó la fama en una reconfiguración de la banda infantil latina Menudo, que contaba con un contrato con Epic Records para la grabación de numerosos discos. Tras el éxito de esta banda, Olivero se convirtió en finalista de la tercera temporada en "American X-Factor".
Tras este éxito inicial como músico, Olivero se mudó a Los Ángeles e inmediatamente comenzó a trabajar como actor, apareciendo en "Rizzoli & isles", de TNT, y en "Modern Family", de ABC, antes de conseguir un papel estelar en We the Party, de Mario Van Peebles. A esto le siguió un papel protagónico en la tremenda exitosa serie "East Los High", original de Hulu. Esta serie supuso para muchos su introducción a dicha plataforma. Su trabajo cinematográfico incluye un papel estelar en Bad Samarithan, de Dean Devlin.
ADAM ROBITEL (Director / Productor Ejecutivo) es graduado de la Escuela de Artes Cinemáticas de la Universidad de California.
Robitel causó sensación en el mundo de los géneros como autor de horror y escritor-director de The Taking of Deborah Logan, un thriller de horror creado a partir de material supuestamente hallado previamente. La cinta fue nombrada Gema del Horror estilo Netflix por The Wrap y ganó un premio iHorror al Mejor Lanzamiento Directo de 2014.
En 2017, Robitel fue elegido para dirigir la espeluznante franquicia de Blumhouse, Insidious: The Last Key. La película fue taquillera desde su estreno, recaudando $330mdd a lo largo de su primer fin de semana en salas, así como más de $167mdd alrededor del mundo, lo que hizo de esta producción el más redituable de todos los episodios de la franquicia.
La cinta más reciente de Robitel, Escape Room- que él mismo desarrolló y dirigió para Original Films y Sony Pictures- recaudó más de $165mdd alrededor del mundo.
Actualmente, Robitel trabaja con el productor Darren Aronofsky en el guion de una serie de género para Netflix, así como en una alucinante cinta compensatoria y de gran presupuesto para Village Roadshow.
WILLIAM HONLEY (guion para pantalla) cuenta con créditos tanto en The Hive como en Bloodline. Su guion original para pantalla grande, Blood, se encuentra en posproducción bajo la dirección de Brad Anderson y con la actuación estelar de Michelle Monahgan. El guion que ha escrito para Blacklist, Flashback, se encuentra en pre-producción bajo la dirección de F. Javier Gutiérrez. En 2019, un piloto original de Honley, "Rest", fue vendido a NBC. Además de este trabajo solista, Honley adaptó recientemente la novela Verity para Amazon Studios junto con su colega April Maguire. El año pasado, este par vendió un proyecto original a NBC. El thriller de Honley y Maguire, Amelia, ha cobrado forma gracias a Stampede Ventures y Ghost House Pictures (de Sam Raimi), y su drama de ciencia-ficción, Gateway, ha quedado establecido por Cavalry Media.
MARIA MELNIK (guion para pantalla) es una guionista profesional, mejor conocida por su trabajo en la primera temporada de "American Gods", así como por haber coescrito la primera parte de Escape Room para Columbia Pictures- esta cinta ha recaudado más de $150mdd alrededor del mundo y generado una franquicia. Un largometraje musical animado escrito por Melnik, The Witch Boy, fue recientemente anunciado tras recibir la luz verde por parte de Netflix, con Haim aportando la música. Asimismo, Melnik ha escrito múltiples películas para Sony Pictures, Universal y Disney. Por el lado televisivo, Melnik ha desarrollado para Amazon e incluso ha escrito series para series como "Counterpart" (Starz), entre otras. Melnik estudió en afamado Laboratorio Episódico de Sundance. Creció en Magadan, un lejano puerto de Rusia Oriental infame por su oscura historia como punto de salida hacia los campos de trabajo de Stalin. Pero emigró a Alaska a los once años. Realizó estudios mediáticos en Vassar y cursó una maestría en producción impartida por la UCLA.
DANNY TUCH (guion para la pantalla) es un talentoso e inventivo escritor. Recientemente vendió su propuesta dramática original, "Goldbug", a NBC en una situación competitiva con UCP; Valhalla y Ben Watkins. Tuch desarrolló asimismo la adaptación para serie de "Ghost Fleet" junto con Blumhouse Television y el director Oded Ruskin. Por otro lado trabajó con el personal de cuarto reducido en "Gangsters of Shanghai", de ITV, y se desempeñó previamente en la serie dramática "Hand of God", protagonizada por Ron Perlman. Tras haber sido interno durante su época de estudiante en numerosos programas, Tuch puso en marcha su carrera gracias a "BURN NOTICE", de USA.
Los créditos como escritor de OREN UZIEL (guion para pantalla / coproductor) incluyen 22 Jump Street, The Cloverfield Paradox, Freaks of Nature, Mortal Kombat y Shimmer Lake, dirigida por él mismo. Actualmente trabaja en una serie de proyectos, incluyendo Clue! Para Ryan Reynolds y Fox.
CHRISTINE LAVAF (historia por) puso en marcha su carrera como creadora de guiones para pantalla a través de la serie de ciencia-ficción "Fringe", de Fox. Dos años más tarde, una guerra de ofertas por su guion piloto, "I, Human", le ayudó a lanzarse como creadora televisiva.
Tras seis ventas de pilotos originales, Lavaf ha trabajado en todas las plataformas y en todos los estudios de envergadura. Sus créditos recientes incluyen la serie animada de superhéroes "Invincible", de Amazon, así como el cuarto de escritores para la serie de fantasía "Amazing Stories" (Apple).
Por el lado de los largometrajes Lavaf escribió la nueva versión de Twilight Zone paraWarner, y fue parte del departamento de escritores para Godzilla: King of the Monsters, de Legendary. Actualmente, Lavaf produce su guion cinematográfico para The Boyfriend.
FRITZ BOHM (historia por) es un guionista, director y productor conocido por el drama de horror/fantasía Wildling, estelarizado por Bel Powley, Brad Dourif y Liv Tyler. En su nativa Alemania, Bohm escribió y dirigió la exitosa (en festivales) Moonman y produjo los galardonados dramas independientes A Family of Three y Desperados on the Block. actualmente escribe su siguiente largometraje The Damnation og Typhoid Mary.
NEAL H. MORTIZ (productor) es el fundador de Original Film y uno de los productores más prolíficos del Hollywood actual. Mortiz ha producido más de sesenta cintas de envergadura, y éstas, en conjunto, han recaudado más de diez billones de dólares alrededor del mundo.
Mortiz ha producido cada una de las cintas de la franquicia Fast and Furious, incluyendo el noveno episodio, Fast and Furious 9, a punto de ser estrenado en junio de 2021. Se encuentra actualmente inmerso en la producción de la secuela para Sonic the Hedgehog (Paramount), basada en el popular videojuego de Sega. También trabaja en la preproducción de The Princess, para Disney. Sus lanzamientos recientes incluyen Bloodshot, basada en la serie de cómics Valiant, para Sony, y Spenser Confidential, basada en las novelas de Spenser for Hire, para Netflix.
Otros créditos en cine incluyen Sonic the Hedgehog, Escape Room, The Art of Racing in the Rain, 21 and 22 Jump Street, Passengers, Goosebumps, Goosebumps 2, Jack the Giant Slayer, Total Recall, The Change-Up, Battle: Los Angeles, The Green Hornet, The Bounty Hunter, I Am Legend, Vantage Point, Made of Honor, Evan Almighty, Gridiron Gang, Click, S.W.A.T., Sweet Home Alabama, XXX, Out of Time, Blue Streak, The Skulls, Cruel Intentions, Urban Legend, I Know What Youd Did Last Summer, Volcano y Juice.
Mortiz goza de un próspero negocio televisivo, con numerosas series en transmisión, entre ellas la adaptación de las novelas gráficas de "The Boys", para Amazon- esta serie no tardó en convertirse en la serie más vista de Amazon; y "SWAT", en CBS. Actualmente trabaja en la producción de "I Know What You Did Last Summer" para Amazon, basada en su exitosa cinta de 1997, y a la vez labora en dos series derivadas de "The Boys". Sus previos créditos televisivos incluyen "Preacher", basada en la popular novel gráfica, para AMC; "Happy!", para SyFy; "Prison Break" para Fox; la cinta de HBO The Rat Pack, nominada para once premios Emmy; la muy aclamada "The Big C" (Showtime); y la serie de NBC, "Save Me".
Nativo de Los Ángeles, Mortiz estudió economía en la UCLA antes de obtener un título en el Programa para Producción de Peter Stark, en la Universidad del Sur de California.
KARINA RAHARDJA (productora ejecutiva) es una productora perteneciente a Original Film, de Neal Mortiz. Desde que se sumó a la compañía, en 2014, Karina ha trabajado en más de de una docena de proyectos televisivos y cinematográficos, de manera destaca en la supervisión de Sonic the Hedgehog para Paramount- la cinta recaudó más de $300mdd alrededor del mundo; Escape Room para Sony Pictures; y Spenser: Confidental, para Netflix- esta cinta es, de hecho, una de las producciones originales más vistas en dicha plataforma. Puso en marcha su carrera en 3 Arts Entertainment.
Originaria de Boston, Rahardja asistió a la Escuela Winsor antes de titularse en Neurociencia en la Universidad del Sur de California.
PHILIP WALEY (productor ejecutivo) ha trabajado en la industria del cine y la televisión por más de veinticinco años.
Produjo exitosamente cienos de comerciales y videos musicales alrededor del mundo. En Cannes recibió el codiciado León de Plata.
En el mundo del cine, Waley ha gozado trabajando para estudios tan renombrados como Warner Bros, 20th Century Fox, Netflix, Sony Pictures, Legendary y Universal. Algunas de sus cintas más recientes incluyen The Machine, The Nun, The Red Sea Diving Resort, The Empty Man, Columbus Circle, Solomon Kane, Jumper, Hostel 1 & 2; Pink Panther y The League of Extraordinary Gentlemen, entre otras.
En el campo televisivo, Waley produjo la galardonada "Joan of Arc" para el Canal de Hallmark, así como "The Genius of Mozart" para la BBC Television y algunos episodios de la galardonada "The Amazing Race". Recientemente produjo una serie original de Netflix: "Best Worst Weekend Ever".
La compañía productora deWaley, Shaken Not Stirred, tiene su sede en Los Ángeles, y él es socio de Baral Waley Productions, una compañía que proporciona servicios de producción completos a lo largo y ancho del mundo.
Waley es también productor para los Haas Silver Levene Film Studios, un grupo dedicado al desarrollo, producción y distribución con sucursales en Londres, Los Ángeles, Munich. Dichos estudios suelen producir catálogos de películas realistas desarrolladas y empaquetadas, así como películas televisivas, franquicias y docudramas para el mercado internacional bajo el slogan "Gente que Hace una Diferencia".
Waley es miembro activo tanto del DGA como de la PGA y es residente de Los Ángeles.
MARC SPICER ACS (director de fotografía) es un cinefotógrafo australiano que ha pasado toda una vida trabajando detrás de las cámaras, desarrollando una carrera realzada por numerosos premios internacionales.
Durante años operó en largometrajes para algunos de los Fotógrafos de cine más talentosos, entre ellos Bruno Delbonell AFC/ASC, Amir Mokri, Jeffrey Kimball ASC y Stephen F Windon ACS/ASC, para quien operó en ocho cintas y fungió como fotógrafo titular de la Segunda Unidad en otras cinco.
Su primera cinta estadunidense como Director de Fotografía fue Furious 7. Su relación con el director James Wan le llevó entonces a filmar Lights Out y le granjeó un premio otorgado por los Cinefotógrafos Australianos a la Cinematografía Destacada en un Largometraje.
Otros premios recibidos incluyen uno a la Cinematografía Destacada en una Serie Documental por "Nobody's Children" y Cinematografía Destacada en una Miniserie o Película por "Underbelly Razor". Asimismo dirigió la Segunda Unidad y la Cinematografía en la galardonada (un Premio de la Academia) Crouching Tiger, Hidden Dragon.
Spicer comenzó trabajando en televisión para la prestigiosa red Australian Broadcasting Corporation (ABC) como camarógrafo de noticias y documentales, filmando de este modo más de cincuenta documentales para ABC, BBC, Channel 4 Reino Unido y KCETV tanto en Australia como alrededor del mundo.
Vive en Los Ángeles y a lo largo de los últimos cinco años se ha dedicado a filmar largometrajes en EUA, Cuba, Reino Unido y Sudáfrica.
Nacido en Swansea, Gales del Sur, EDWARD THOMAS (diseñador de producción) se interesó con entusiasmo por el teatro y el arte desde muy temprana edad. En su adolescencia se convirtió en miembro del West Glamorgan Youth Theatre. Terminó un curso fundacional con distinción en Arte en el Swansea College of Art en 1989 y poco después, en 1992, se graduó con honores de la Wimbledon Scool of Art titulándose en Diseño Teatral Tridimensional. Su carrera en teatro se puso en marcha en la Royal Opera House, en donde fungió como Asistente de Diseñador en una producción de "Turandot".
Thomas se involucró en diversos comerciales antes de irrumpir en el cine. Su primera experiencia cinematográfica ocurrió en la cinta de época The Mystery of Edwin Wood, una adaptación de la historia de detectives que Charles Dickens jamás concluyó. Con esa nueva pasión por el cine, Thomas participó de lleno en doce largometrajes a lo largo de seis años, abordando géneros como el histórico, la ciencia-ficción y la fantasía. Filmando sobre todo en Sudáfrica, Thomas se tornó un profesional experimentado y consiguió expandir su reputación como diseñador de producción.
De vuelta en Gales, Thomas materializó un sueño cuando obtuvo la oportunidad de trabajar en casa con Russell T Davies en la serie "Doctor Who" (cinco temporadas) y la serie derivada de ésta, "Torchwood" (series 1-3), "The Sarah Jane Adventures" y el episodio piloto de "Sherlock". Su reputación en lo tocante a la creación de mundos nuevos le llevó a Sudáfrica en 2010. Ahí trabajó con Kudos en la serie dramática y de ciencia-ficción de la televisión británica, "Outcasts". Poco después fue contratado por World Productions para "United", que explora la historia del desastre aéreo en Munich. Recientemente trabajó en un drama policíaco de la BBC2, "Line of Duty".
En 2012, Thomas fue pieza clave en el traslado de Hollywood a Swansea a través de la serie histórica y fantástica "Da Vinci's Demons", creada por David Goyer para Starz TV. Asistió en la decoración del estudio y fungió como productor asociado y diseñador durante las primeras tres temporadas. Su siguiente proyecto fue Set Fire to the Stars, la cinta biográfica sobre Dylan Thomas estelarizada por Elijah Wood. Asimismo fue productor ejecutivo del documental de larga duración, Jack to a King: The Swansea Story. En 2014, Thomas fue nominado para 18 premios BAFTA Cymru gracias a su desempeño en todas estas producciones.
Thomas fue consultor de diseño para el Estudio BadWolf en Cardiff, pero poco después África le convocaba de nuevo. Regresó a trabajar en diversos proyectos, incluyendo Resident Evil: The Final Chapter con el aclamadísimo director Paul W.S. Anderson, Escape Room y una serie de ciencia-ficción creada por YouTube Originals: "Origin". Reunido con Anderson, Thomas diseñó Monster Hunter, un thriller de acción y fantasía basado en el juego del mismo nombre.
Thomas ha sido ampliamente reconocido por su trabajo: ha recibido nominaciones a premios BAFTA Cymru y RTS en la categoría de Mejor Diseño así como una nominación a un National BAFTA en la categoría de Nuevo Talento. En 2006 ganó un BAFTA Cymru al Mejor Diseño por su trabajo en Set Fire to the Stars; asimismo ganó un premio IWA Inspire Wales en la categoría de Arte y Cultura y obtuvo la votación más grande en la Lista de las Artes 2015 de Wales Online.
Thomas ha apoyado siempre el talento emergente. Fundó el así llamado Adjacent Educational Project, que recientemente se transformó en Screen Alliance Wales, y es director del esquema de entrenamiento It's My Shout. Asimismo es Vicepresidente y Miembro del Royal Welsh College of Music and Drama y Miembro de la Universidad de Gales Trinity St. David. En 2019, Thomas fue nombrado profesor de Prácticas en Arte y Diseño en el Swansea College of Art. Cuando no está creando otros mundos en otras partes del planeta, Thomas pasa el tiempo en Swansea con su esposa Nathalie y sus hijas Nell y Macy.
Escape Room 2: Reto Mortal es la más reciente añadidura verdaderamente cardíaca a los más de cincuenta créditos cinematográficos de STEVEN MIRKOVICH (editor) como editor de películas. Este thriller dramático supone su segunda cinta al lado del director Adam Robitel y su tercera colaboración con Neal H. Mortiz. Entre una parte y otra de la franquicia para Escape Room, Mirkovich centró sus esfuerzos en el thriller Unhinged, de Russell Crowe. Actualmente, Steven edita un thriller de Netflix: The Last Will and Testament of Charles Abernathy, para el director Alehandro Brugues. La carrera de Mirkovich incluye vetustos clásicos de culto, entre ellos Big Trouble in Little China, de John Carpenter, y cintas tan taquilleras como The Other Guys, Con Air, Broken Arrow, The Ghost and the Darkness y I Know What You Did Last Summer. Otros créditos incluyen Rings y Risen. En Hardcore Henry, Steven nos brindó la primera cinta POV, es decir, creada desde un punto de vista personal y apuntalada por el editor gracias a su estilo visceral y directo. Su experiencia es vasta y sus habilidades para la curaduría son siempre solicitadas.
Mirkovich nació en Oceanside, California, y es hijo de un capitán de los Marines que dedicó su vida al trabajo en la unidad cinematográfica. Su primer trabajo lo desempeñó en el departamento de correos de Warner Bros., y de ahí escaló y tomó su lugar en el departamento de edición. A sus veintitantos ya asistía a los mejores editores de la época. Recibió su primer crédito como editor cinematográfico a los 29 años de edad. Mirkovich es miembro de la Academia, específicamente del Ramo de Edición Cinematográfica, pero también figura entre los integrantes de los Editores Cinematográficos Americanos (ACE).
PETER PAV (editor) nació en Praga, Checoslovaquia. Se graduó de la UCSD con un título en bioquímica y biología celular con una asignatura secundaria en cine. Luego de seis años investigando la enfermedad de Alzheimer, cambió de planes y se mudó a Los Ángeles, en donde comenzó a desarrollar una carrera cinematográfica.
Tras haber puesto en marcha este viaje al interior del mundo del cine gracias a su desempeño en Gremlins 2 y Sister Act, finalmente fue aceptado en el Gremio de Editores por su trabajo en Austin Powers: The Spy Who Shagged Me. Desde entonces ha logrado acumular más de veinte años de experiencia trabajando al lado de renombrados editores, entre ellos Tony Lombardo, Peter McNulty, Dan Lebental y Steve Mirkovich; sus créditos más recientes incluyen Goosebumps 2: Haunted Halloween y Bad Boys for Life.
Formó mancuerna con Steve Markovich y así fungió como Editor Adicional en Escape Room.
Espera trabajar nuevamente con Adam Robitel en su próximo proyecto.
BRIAN TYLER (Música) es un compositor y conductor ha creado bandas sonoras para más de 180 cintas. Fue nombrado Compositor del Año en 2014 durante la celebración de los Premios Cue. Tyler compuso la banda sonora para éxitos taquilleros como Avengers: Age of Ultron, Furious 7, Iron man 3, Thor: The Dark World y la revelación Crazy Rich Asians, que presentó a una banda de jazz de salón y una banda sonora romántica creada con cuerdas incluida en la lista 2019 de los Óscar para la Mejor Banda Sonora Original. Además compuso la música para Eagle Eye, del productor Steven Spielberg, The Mummy, con Tom Cruise, y The Fate of the Furious, que en su momento tuvo la más grande apertura en taquilla de todos los tiempos. Asimismo compuso el tema para Fórmula 1, que suena durante las transmisiones globales de cada carrera ante una audiencia de cientos de millones. Tyler conduce a la Filarmónica de Londres y a la Philharmonia Orchestra of London, así como a la Sinfónica de los Estudios Hollywood, en la mayoría de sus proyectos. Fue nominado para un premio BAFTA 2014 y nombrado miembro del ramo musical de The Academy of Motion Picture Arts and Sciences en 2010. Sus películas han recaudado más de $13bdd alrededor del mundo, lo que le ha convertido en el compositor más recaudador de todos los tiempos.
Sus proyectos recientes incluyen la comedia What Men Want, dirigida por Adam Shankman, el conmovedor romance Five Feet Apart, dirigido por Justin Baldoni; Swamp Thing, de James Wan para DC Comics; el thriller de humor negro, Ready or Not, dirigido por Matt Bettinelli-Olpin & Tyler Gillet; Rambo: Last Blood, estelarizada por Sylvester Stallone; Charlie's Angels, dirigida por Elizabeth Banks para Sony Pictures; Clouds, dirigida por Justin Baldoni; Those Who Wish Me Dead, de Taylor Sheridan; y F9, dirigida por Justin Lin. Sus proyectos venideros incluyen Redeeming Love, dirigida por DJ Caruso. Además de sus películas venideras, Tyler está en proceso de lanzar su ambicioso proyecto We Are Dreaming, una experiencia audiovisual que invitará a sumergirse de lleno en ella.
Tyler comenzó a componer bandas sonoras tras completar su maestría en Harvard y licencirse en la UCLA. En 2003, luego de componer la música para The Hunted, del galardonado (Premios de la Academia) director William Friedkin, Tyler escribió la banda sonora para el drama de fin de siglo The Greates Game Ever Played para Disney en 2005- el drama está protagonizado por Shia LaBeouf. Asimismo compuso la música para The Expendables y todas sus partes, así como para Rambo (ambas franquicias dirigidas por Sylvester Stallone); para "Yellowstone", de Taylor Sheridan (cinta ganadora del premio SoundTrackFest 2018 a la Mejor Banda Sonora), cuya tercera temporada fue lanzada el 21 de junio de 2020; la exitosa Power Rangers, de 2017; y es coautor de One Strange Rock junto al artista pop Zedd para el director Paul Thomas Anderson. Asimismo compuso la banda sonora para una cinta de 2015, Truth, protagonizada por Cate Blanchett como Mary Mapes y Robert Redford como Dan Rather.
Conductor de orquesta y multiinstrumentista, Tyler es muy hábil para el piano, la guitarra, la batería, el bajo, el cello, las percusiones, la guitarra-viola, el charango y el bouzouki, entre otros. Este amplio rango lo supo exhibir en la cinta 'retro' sobre robos Now You See Me, así como en su secuela. Asimismo, Tyler conduce conciertos sinfónicos en los que presenta su música alrededor del mundo, incluyendo conciertos múltiples con la Orquesta Filarmónica de Londres en el Royal Festival Hall, la Filarmónica de Varsovia en la Arena Tauron y en el histórico Teatro Dolby con la Orquesta Nacional de China. Además de haber compuesto la banda sonora para Teenage Mutant Ninja Turtle, producida por Michael Bay en 2014, Tyler escribió y produjo la canción-tema de la cinta, "Shell Shocked", bajo el disfraz de su alter-ego electrónico, Madsonik. Este tema tiene como invitados a la artista multi-platino Wiz Khalifa, a Ty Dolla $ign y Kill the Noise. La canción fue certificada como disco de platino por la RIAA. También colaboró con Tom Morello, de Rage Against the Machine, en la exitosa "Divebomb".
Su banda sonora para Frailty, de Bill Paxton, le granjeó un Premio World Soundtrack en 2002, así como un World Sountrack al Mejor Nuevo Compositor del Año. Adicionalmente, Tyler ha recibido treintaidós premios IBM Music, cinco premios ASCAP, tres nominaciones para el Emmy y doce premios Goldspirit, incluyendo uno al Compositor del Año. Las bandas sonoras de Tyler suelen permanecer largo tiempo en las listas; su trabajo para Children if Dune se colocó en el cuarto lugar de la lista de álbumes de Amazon Music, mientras que Avengers: Age of Ultron, Furious 7, Thor: The Dark World, Iron Man 5 y Fast Five han logrado acaparar el primer lugar de la lista para bandas sonoras de iTunes.
Además de su currículum en el plano cinematográfico, Tyler arregló y condujo la música para el logo de Universal Pictures. Asimismo compuso la música para el logo de Marvel Studios en 2014. Ese mismo año, Tyler creó la música temática de la NFL en ESPN, así como el tema para el Abierto de Estados Unidos, transmitido anualmente por FOX. Sus créditos televisivos incluyen las series "Yellowstone", "Scorpion", "Magnum PI" y "Hawaii Five-0", aunque ha sido nominado para el Emmy por su trabajo en "Last Call", "Sleepy Hollow" y "Transformers: Prime".
JOHN CAREY (música) es un compositor para cine y televisión con una obra diversa, que abarca desde documentales hasta televisión episódica, pasando por las más taquilleras cintas de estudio. Sus cintas más recientes incluyen el documental culinario A Taste of Sky, dirigida por Michael Yuchen Lei, el documental político Ready for War, dirigido por Andrew Renzi, y el documental sobre boxeo They Fight, dirigido asimismo por Renzi.
Carey se ha desempeñado como arreglista al interior del equipo musical de Brian Tyler desde hace años, aportando su talento a cintas de la talla de Avengers: Age of Ultron, Teenage Mutant Ninja Turtles, The Fast and the Furious, The Mummy, Rambo: Last Blood, Charlie's Angels y Crazy Rich Asians. Fungió como arreglista para el compositor Keith Power en las series "Hawaii Five-0" y "Macgyver", transmitidas a lo largo de siete temporadas por la cadena CBS.
Carey se licenció en composición musical tras haber cursado estudios en la Capital University, y se graduó del mundialmente reconocido programa para la Musicalización de Películas y Televisión, impartido por la Universidad del Sur de California. En 2016 fue seleccionado para participar en el prestigioso taller de ASCAP para la musicalización de imágenes. Ahí trabajó con y a la vez aprendió mucho de algunos de los mejores compositores y músicos de sesión de la industria cinematográfica. Más allá de este historial en bandas sonoras, Carey es productor de música electrónica y antiguo guitarrista de heavy metal.
KYLE MENZIES (Supervisor de Efectos Visuales), quien ha sido nominado para el Emmy, se sumó a Spin en 2014. Menzies cuenta ya con veinte años de experiencia en la industria, abarcando una amplia gama de cintas y series de televisión, tanto de acción en vivo como totalmente animadas.
Sus créditos incluyen la exitosa serie televisiva "The Tudors" (Showtime), así como largometrajes de la talla de Blade II (New Line Cinema), Resident Evil: Apocalypse (Sony Pictures Entertainment) y Silent Hill (TriStar).
Tras sumarse a la familia SpinVFX, Menzies ha fungido como Supervisor de Efectos Visuales en la serie dramática y de aventuras "Marco Polo" (original de Netflix) y en la inmensamente popular "The Expanse", serie de ciencia-ficción transmitida por Amazon Prime. Ésta última fue nominada a un premio VES por su primera temporada. Asimismo supervisó la primera temporada de "Star Trek: Discovery" (CBS), la segunda temporada de "Siren" (Freeform) y la original de Netflix In the Tall Grass (2019)- una adaptación de la novela del mismo nombre escrita por Stephen King y Joe Hill.
Menzies es un experimentado supervisor de sets de filmación. Fungiendo así ha trabajado por todo el mundo.
WHITNEY RICHMAN (productora de efectos visuales) nació y creció en Studio City, CA, y actualmente trabaja como productora y supervisora de Efectos Visuales tanto en televisión como en cine.
Richman puso en marcha su carrera en 2010 como coordinadora de Efectos Visuales en The Creative Cartel. A lo largo de tres años, Richman cultivó su habilidad trabajando en una gran variedad de películas, entre ellas Priest, Ghost Rider 2; Spirit of Vengeance; Ted; After Earth.
Desde el principio, Richman pudo trabajar con algunos líderes de la industria, quienes compartieron con ella su pericia en lo atinente a las diversas facetas de los efectos visuales. Durante el rodaje de Ted, Richman disfrutó trabajando junto a Seth MacFarlane, quien no sólo es una inspiración por su variado trabajo como escritor, productor, director y actor, sino que asimismo le permitió a Richman embarcar en su siguiente proyecto, como freelancer para la cinta A Million Ways to Die in the West. En el set de esta cinta, en Nuevo México, el proyecto catapultó a Richman a un rol multifacético que le permitió expandir sus habilidades. De este modo comenzó a fungir como Administradora de Producción de Efectos Visuales.
Tras una estancia en Reino Unido para la tercera temporada de la serie "Da Vinci's Demons", Richman dejó atrás el puesto de manager de producción para asumir el rol tanto de productora como de supervisora. Richman acumuló mucha experiencia en preproducción, supervisión en sets y posproducción, lo que no ha hecho más que beneficiarla a lo largo de su carrera. Desde entonces, Richman ha fungido como productora y supervisora de Efectos Visuales en numerosos proyectos fílmicos y televisivos, con cintas como Alita: Battle Angel nominadas y ganadoras de toda una serie de premios gracias a sus efectos visuales.
Entre sus mayores logros a la fecha, en 2019 Richman fue invitada a participar en una cinta de Tom Hanks, Greyhound, en donde su apasionada manera de inyectar creatividad, visión y dirección general a una película le granjeó una nominación para un BAFTA.
Con una década de experiencia en una industria que reta a las mujeres a hallar su propio lugar en una arena predominantemente masculina, Richman se las ha arreglado para mantener su dedicación al desafío de las normas. Suele esforzarse conscientemente a fin de verse rodeada de mujeres con mentalidad similar en todos sus proyectos. "Las mujeres deben estar más dispuestas a ayudarse mutuamente con el fin de generar espacios para enseñar, aprender y crecer conjuntamente. Es importante que nos sepamos animar mutuamente en vez de pasarnos la vida creando muros y barreras con nuestras inseguridades y temores". Este compromiso de Richman con el empoderamiento de las mujeres constituye el propulsor principal detrás de su inquebrantable ética laboral. La posibilidad de trabajar en Efectos Visuales contribuye a su amor por el coleccionismo y creación de arte en su propia casa, en Los Ángeles.
GEORGE MACRI se unió al Spin VFX en 2009 como Productor Experimentado de Efectos Visuales. Supervisó en ese tiempo a todo el equipo de producción. Llegó a Spin tras haber pasado diez años en Los Ángeles desarrollándose como Productor experimentado en Efectos Visuales. Su manejo administrativo de la producción y su pericia técnica y creativa constituyen la fuerza propulsora del equipo de Spin.
Sus créditos incluyen largometrajes como la nominada para un Ves, The League of Extraordinary Gentlemen (20th Centur Fox); Battle: Los Angeles (Columbia Pictures); y la adaptación realizada por Vincenzo Natali de la novela de In the Tall Grass, una novela corta escrita por Stephen King y Joe Hill.
Sus créditos en el plano de las series incluye "Straneger Things 3" (Netflix); "Raised by Wolves" (HBO Max), "Lovecraft Country" (HBO Max) y The Umbrella Academy T1 y T2 (Netflix), por la cual fue nominado en 2019 a un Emmy a "Los Efectos Visuales Más Destacados".
No es ningún extraño ante la vida: Macri ha viajado por todo el mundo.
Macri es un papá dedicado y mantiene una vida activa en su tiempo libre- tanto como corredor ávido como buzo certificado. Asimismo es Alguacil Auxiliar de la Policía Regional de Halton.
Macri es miembro de VES y del Producer's Guild of America.
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