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Brendan Fraser, quien estuvo años alejado del cine, interpreta a un solitario profesor de inglés con obesidad severa que intenta reconectar con su hija adolescente en una última oportunidad de redención.
En La Ballena de Darren Aronofsky, Brendan Fraser da una actuación virtuosa como Charlie, un profesor de inglés que vive con obesidad severa cuyo tiempo se acaba. Mientras hace un último intento de reconciliarse con su familia rota, Charlie debe confrontar, con todo su corazón y feroz ingenio, traumas enterrados hace mucho tiempo y el amor silencioso que lo ha perseguido durante décadas.
Pero La Ballena ofrece mucho más que solo oscuridad. Es un estudio de carácter sobre un hombre que lucha con un gran arrepentimiento, el deber de la paternidad y la viabilidad de la bondad misma. En esencia, La Ballena es una historia sobre transformación y trascendencia, la odisea de un hombre dentro y fuera de su cuerpo, un viaje a través de las profundidades de dolor hacia la posibilidad de salvación.
A través de Charlie, la película nos da acceso a una vida que rara vez es retratada con ternura o inteligencia en la gran pantalla. Fraser se vierte en el caleidoscopio del mundo interior de Charlie, todas sus contradicciones y anhelos y miedos, con un ingenio chispeante, casi travieso. Es una actuación brillante, profundamente cálida; una que crucialmente no ve la empatía como el enemigo de la honestidad, sino como dos caras de la misma moneda.
Esta intimidad entre audiencia y protagonista es el corazón palpitante de la película, que transcurre a lo largo de cinco días en el mundo de Charlie mientras busca la conexión con varias personas en su vida: una hija distanciada, una ex esposa, su mejor amiga, sus estudiantes en línea, e incluso el misionero con los ojos muy abiertos en su puerta principal. A través de cada uno de estos encuentros, se enfoca el retrato de la vida de Charlie, y la severidad desgarradora de su situación se vuelve clara. Lo que comenzó como un departamento de un dormitorio, se convierte en un campo de batalla, donde pasado, presente y un futuro incierto convergen y combaten.
Darren Aronofsky ha querido adaptar La Ballena como película desde aquella vez que vio por primera vez la obra, escrita por Sam D. Hunter, casi hace una década. Inmediatamente quedó impresionado por su inteligencia, y la manera audaz en que interroga la condición humana sin ofrecer una respuesta fácil.
Aronofsky dice: "Lo que me encanta de La Ballena es que invita que veas la humanidad de personajes que no son del todo buenos o del todo malos, que verdaderamente viven en tonos grises como lo hace la gente, y que tienen vidas interiores extremadamente ricas e intrincadas, todos han cometido errores, pero lo que comparten son corazones inmensos y el deseo de amar incluso cuando los demás son aparentemente desagradables. Es una historia que hace una pregunta simple pero esencial: ¿podemos salvarnos unos a otros? Eso es importante en el mundo en este momento, especialmente cuando la gente parece más que nunca volverse de espaldas unos a otros". "Para mí, de eso se trata el cine", continúa. "Mediante el poder de la emoción, una historia como esta nos puede poner en los zapatos de un hombre del que de otro modo nunca nos habríamos preguntado, y recordarnos que toda promesa de amor y redención están ahí en toda existencia humana."
De alguna manera, La Ballena es una cacería, una búsqueda para captar la naturaleza resbaladiza de la compasión: por qué la necesitamos y por qué nos alejamos, cuando podemos darlo y cuando no podemos. Pero el público también experimenta la emoción de que florezca en el curso de la construcción de la historia. En medio de reexaminar la confianza y sus límites, Charlie rompe sus propios límites. Ha estado en una espiral desde la muerte de su pareja, pero ahora, ha pasado del cansancio a un optimismo palpable que ilumina estos días urgentes.
En el clímax de la historia, Charlie se pregunta qué ve Aronofsky como una de las preguntas más profunda de la historia: "¿Alguna vez has tenido la sensación de que las personas son incapaces de no importar?
Toda la esperanza que le queda a Charlie, especialmente por su aparente hija misántropa Ellie, está enraizada en esta cualidad más humana. Porque si sus convicciones sobre la empatía son ciertas, todo es posible para Ellie. "Charlie es una persona con muchos defectos, pero entiende el poder de la imaginación. Él cree que, si te tomas el tiempo, cualquiera podría imaginar y tal vez incluso entender, el mundo de otra persona", dice Aronofsky.
La actuación de Fraser se convirtió en una rara fusión entre el actor y extenso maquillaje protésico. Aronofsky había imaginado el peso de Charlie para estar en el extremo humano más lejano, lo suficiente severo para poner en riesgo la vida, pero también quería asegurarse que la cara de Fraser no estaría cubierta de una manera que ofuscaría sus expresiones emocionales.
Para llevar a cabo esta tarea monumental, el cineasta recurrió a un colaborador de confianza y profundamente creativo: el nominado al Oscar® Adrien Morot, quien trabajó con Aronofsky en The Fountain, Noah, y mother! Para La Ballena, Morot sería pionero en el primer maquillaje protésico totalmente digital, entre otras innovaciones. El llamado "traje gordo" (fat suit) ha tenido una historia complicada en el cine, a veces utilizado para estigmatizar o burlarse, lo que estimuló Aronofsky y Morot para profundizar en cómo crear el cuerpo completo de Charlie de manera orgánica y respetuosa, acercándolo como una extensión de la representación de Fraser.
"Adrien fue una de las primeras personas a las que contacté cuando comencé a pensar en La Ballena. Sabía que sin él la película no sería ser posible. Estuvo a la altura del desafío con una investigación interminable y finalmente quedó claro que necesitaba reinventar la rueda, incorporando nuevas tecnologías", dice Aronofsky. "Él fue un socio notable para entender cómo crear la ilusión del cuerpo real de Charlie".
Fraser se conmovió hasta la médula la primera vez que vio el conjunto completo de prótesis que Morot había creado. "Pensé: esto debería estar en un museo", recuerda. "El detalle era tan intrincado; la técnica del aerógrafo realmente hizo relucir la transparencia de la piel y el azul de las venas debajo, hay fue una profunda preocupación por la física y por cómo la gravedad afecta la piel, pero también podías sentir el amor y la compasión que puso al crearlo."
Durante el rodaje de 40 días, Fraser desarrollaría una intensa relación amor-odio con el arduo proceso de maquillaje, que podía llevar hasta cuatro horas por sesión, y para entrar en el traje necesitaba la ayuda de cinco personas para colocarlo y quitarlo al final de cada día. Una vez que estaba dentro del traje, Fraser podía sacar un brazo para poder comer, pero incluso dejar el set momentáneamente para un descanso requería la ayuda de otros. El traje tenía incorporado sistema de refrigeración muy parecido a los que se utilizan para conductores de coches de carreras fórmula uno, e incluso asi daba un calor increíble. Fraser finalmente se acostumbró tanto a usarlo, que cuando se lo quitaba, empezaba a sentirse mareado, sin equilibrio, de la forma en que se siente inestable pisar tierra después de navegar en un barco.
"La parte que no puedes ver en la pantalla es cuánto tuve que ensayar para aprender a moverme dentro de él", dice Fraser. "Desarrollé un conjunto completamente nuevo de músculos que ni siquiera sabía que existían. Fue, por lejos, el desafío físico más duro que he realizado como actor. Correr a través del desierto cuando era más joven fue un juego de niños comparado con esto, te lo prometo".
El traje también tenía un peso más simbólico. "No fue solo el peso físico sino también el emocional, lo que era muy importante", Fraser refleja "Cuando todo lo que haces requiere un esfuerzo monumental, hace que tus elecciones se sientan mucho más importantes".
Morot ya sabía que a Aronofsky le gusta jugar con los límites técnicos y la vez buscando la perfección, una combinación bastante complicada. Dsfrutó empujando los límites, pero no estaba completamente preparado para lo que La Ballena presionaría a su conjunto de habilidades. Había hecho prótesis de aumento de peso antes, pero fue claro desde el principio que la tecnología y las prácticas actuales no iban a cumplir con el estándar que esta película requería. Tuvo que labrarse su propio camino.
Morot comenzó a estudiar detenidamente cada ejemplo de trajes de peso que pudo encontrar a lo largo de la historia del cine, pero rápidamente se sintió frustrado por el hecho de que casi todos los ejemplos se utilizaron con fines cómicos o de fantasía.
Entonces cambió de táctica y se dio cuenta de que lo que quería no existía todavía, y que necesitaba estudiar cuerpos reales para entender la tarea en cuestión.
Cuando Morot comenzó sus primeros diseños, quedó claro que Fraser también tendría que usar prótesis faciales para que la línea entre el actor y el cuerpo fuera invisible. "Darren quería una clara vista de las expresiones de Brendan, entonces encontramos formas de fusionar la prótesis en su cara que permiten el movimiento completo de los músculos", dice Morot.
Esto llevó a la decisión de hacer todas las prótesis digitalmente- algo nunca antes intentado para una película. A diferencia del método estándar de comenzar con un molde de la cara de Fraser y luego esculpir la cabeza manualmente con arcilla antes de crear las piezas en silicón, Morot simplificó todo el proceso dentro de un computadora. Usó el modelado 3D para crear una escultura digital y luego saltó directamente a la impresión 3D, saltándose la escultura de arcilla por completo.
"Había estado probando esto por un tiempo, y le dije a Darren que sería muy arriesgado", explica Morot, "pero tenía sentido intentarlo. Las ventajas para La Ballena fueron numerosas, especialmente porque Darren es un perfeccionista. No solo fue más rápido llegar a la escultura inicial, también fue mucho más fácil hacer los diversos cambios que Darren requería a la escultura. Fuimos capaces de obtener la versión con la que él estaba más feliz, incluso en el tamaño de los poros y arrugas."
Morot dice que no importa cuán cuidadoso sea el maquillaje, solo funcionó porque Fraser trajo esa alquimia emocional que lo llevó a la vida. "Esta es la primera vez en mi carrera que he tenido lágrimas en mis ojos mientras trabajaba, y sucedió varias veces mirando a Brendan. Es una actuación fuera de este mundo, y espero la gente no vea tanto al maquillaje, como vea a Charlie", dice.
Cuando se estrenó la versión teatral original de La Ballena en 2012, hubo cierta preocupación inicial. Incluso en el paisaje compacto de un escenario, ¿aparecería el público del teatro para ver un espectáculo donde el protagonista está tirado en el sofá todo el tiempo de ejecución? ¿Y qué hay de ese título?
Al final resultó que toda la preocupación fue en vano. La obra de Hunter fue un éxito. En lugar de sentirse demasiado confinado, el público lo elogió por su amplia y panorámica interrogación del espíritu humano, por la autenticidad y el humor de sus personajes, y su meditación profundamente conmovedora sobre el dolor, la compulsión, y redención
Cualquier inquietud sobre la posible insensibilidad del título también se disipó rápidamente una vez que se entendió que Moby-Dick tuvo un lugar destacado en el programa, tanto literalmente y temáticamente. Charlie y Ahab no eran tan diferentes, debajo de todo; ambos hombres atrapados en la búsqueda de un sueño, intoxicados con lo que podría haber sido, obsesionados con la fantasía de otro futuro.
Después de su exitoso y animado debut en Denver, La Ballena se mudó fuera de Broadway en enero de 2012 a través de Playwrights Horizons, donde obtuvo una catarata de premios, incluido el Lucille Premio Lortel a la Mejor Obra, el Premio GLAAD Media y un Premio especial Drama Desk por contribución significativa a Teatro. También selló la creciente reputación de Hunter como un importante dramaturgo de estos tiempos, en sintonía con las complejidades de la identidad moderna y las grandes cuestiones clásicas del espíritu y la existencia.
Aronofsky tomó la obra al comienzo de su carrera en Nueva York, recién terminada su última película y pensando en su próximo proyecto. Ya se consagró como un cineasta con una singular voz cuyo trabajo desafió la categorización. Comenzó su carrera con el alucinante thriller Pi, antes de pasar a adaptar y dirigir la desgarradora fábula sobre adicciones Réquiem por un sueño. El clásico de culto de ciencia ficción alucinante The Fountain fue el siguiente, seguido de dos incursiones consecutivas en el thriller psicológico con The Wrestler y Black Swan. Aunque muy diferentes en tema y tono, las películas de Aronofsky (incluidas las que vendrían: la epopeya bíblica revisionista Noah y la mordaz parábola ecofeminista Mother!) compartía el hilo de exploraciones en la subjetividad, y la ruptura de barreras entre el yo y la historia.
Aronofsky sabía muy poco sobre La Ballena al comenzar; había comprado las entradas por capricho, intrigado por el título. Sólo después de que se encendieron las luces, en el resplandor del viaje de Charlie, supo que tenía que conseguir los derechos del espectáculo.
"Me conecté con los temas e ideas, y la forma en que encontró belleza en las cosas que nuestros prejuicios a menudo hacen inhumanas", dice Aronofsky. "Me dolió el corazón, me hizo reír y me sentí inspirado por la valentía y la gracia que encuentra cada personaje. Asumí una pregunta que me gusta explorar en mi propio trabajo: ¿cómo transportas al público hacia personajes que nunca podrían imaginar ser? No sabía entonces sí podría ser una película, pero me reuní con Sam y conectamos de inmediato".
El vínculo instantáneo entre Aronofsky y Hunter puso las cosas en movimiento. Ambos acordaron que Hunter debería adaptar su propio trabajo, el único problema era que él nunca había escrito un guion. Pero alentado por Aronofsky y por haber recibido una beca MacArthur Genius, Hunter comenzó a aprender por sí mismo la forma desde cero, estudiando lenguaje cinematográfico y estudiando cómo transformar su trabajo del escenario a la pantalla. "Sam es tan increíblemente talentoso que sabía que encontraría su camino", dice Aronofsky.
Como ávido amante del aprendizaje, Hunter saboreó el desafío. "Eso fue una oportunidad de mirar la historia de nuevo con nuevos ojos y crecer como persona a medida que crecía la historia", dice.
También significó volver a sumergirse en algunos de los días más oscuros de su vida... El ímpetu para escribir La Ballena provino en parte de la propia experiencia de Hunter con la obesidad en la universidad. Aunque él desde que perdió gran parte de ese peso, sabía de primera mano lo que la gente como Charlie pasan física y socialmente. Mientras son muchas las causas de la obesidad, una enfermedad multifactorial que afecta más del 40% de los estadounidenses, Hunter trazó un vínculo directo en su caso entre su exceso de peso y sentimientos no abordados.
"Conozco a muchas personas que son grandes, felices y saludables, pero yo no lo era", dice Hunter. "Tenía muchas emociones sin procesar de asistir a una escuela cristiana fundamentalista donde mi sexualidad se manifestó de una manera fea, y eso emergió en una relación enfermiza con la comida. Cuando comencé a escribir La Ballena, creo que todo salió de mí". A través de Charlie, Hunter encontró un lugar para explorar el trauma y la ira que tenía en torno a su crianza. Cuando conocemos a Charlie, está en una especie de limbo literal y emocional; físico porque su tamaño le impide moverse muy bien, emocional del enorme dolor arremolinado que tiene hacia su difunta pareja, Alan. Incapaz de perdonarse a sí mismo por su propio papel en la muerte de Alan y profundamente culpable por haber abandonado a su joven hija y esposa, Charlie comienza a autodestruirse a través de compulsivos atracones.
"El dolor no procesado es la base de todo para Charlie. Está sufriendo de insuficiencia cardíaca congestiva, pero tal vez esté realmente muriendo del dolor que nunca ha reconciliado", dice Hunter.
Justo antes de escribir la obra, Hunter comenzó a dar clases en la Universidad de Rutgers, abordando la clase que todo estudiante de primer año ama temer: escritura expositiva. Su experiencia como profesor inspiró la elección de hacer de Charlie un profesor en línea, un trabajo que le permite a él esconderse físicamente del mundo sin dejar de ser capaz de comprometerse socialmente. Y fue esta elección de carrera para Charlie que eventualmente ayudó a Hunter a desarrollar las motivaciones de Charlie en el programa, y por qué está tan desesperado por volver a conectarse.
Como profesor de secundaria, Charlie estaría íntimamente familiarizado con lo importante que es, tanto en los ensayos como en la vida, tener una visión clara; defender la propia posición, omitir la pelusa innecesaria, para llegar al meollo del asunto tan claramente y de la forma más concisa posible. Es este sistema de creencias el que sustenta el deseo de Charlie de volver a conectarse con las personas en su vida, para atar hilos sueltos en la anticipación de una conclusión fuerte: lo que él cree que son sus últimos días en la tierra. "A nadie le gusta la escritura expositiva, pero recuerdo que llegué a un punto donde les estaba rogando a mis alumnos, que por favor solo escriban algo veraz. Escribe cualquier cosa en la que realmente creas. Esto fue cuando uno de mis alumnos escribió lo que ahora es una línea tanto en la obra y película: 'Creo que necesito aceptar que mi vida no va a ser muy emocionante'. Nunca olvidaré haber leído eso porque fue como si un rayo de luz se abriera repentinamente en la página, y pude ver a esta persona y su humanidad iluminada", Hunter explica. "Charlie está buscando eso, de sí mismo y de otros."
La búsqueda de la verdad por parte de Charlie es lo que lo vuelve a poner en contacto con su hija distanciada, Ellie, quien disfraza sus heridas del abandono de Charlie con la gruesa y oscura armadura de su furia. Inicialmente, reprende cualquier intento por parte de Charlie de pasar tiempo juntos, solo cede cuando acepta ayuda en escribir sus ensayos escolares. "Como maestro, la única forma en que Charlie puede esperar conectarse con Ellie es a través de su ensayo de Moby-Dick", dice Hunter.
Cuando Hunter comenzó a escribir su obra y a profundizar en la dinámica entre Charlie y Ellie, la experiencia se sintió extraña, casi aterradora para él. Nunca se había sentido tan abierto y expuesto antes de eso. "Me sentí completamente diferente porque estaba mucho más desnudo, sin esconderse detrás de nada, y se sentía realmente vulnerable".
Esta vulnerabilidad se convirtió en parte de la mecánica misma de la obra, un tipo radical de honestidad y apertura que obligó a o al menos consolaron a las audiencias lo suficiente como para que estuvieran dispuestas para seguir el espectáculo por la madriguera del conejo. Pero una vez Aronofsky estaba involucrado y la idea de una adaptación cinematográfica estaba sobre la mesa, había una nueva pregunta al frente. ¿Podría la historia de Charlie efectivamente ser contada en la pantalla? ¿Era posible hacer una sola ubicación y un personaje mayoritariamente estático, cinemático? Había una tentación inicial de jugar con la geografía, de trasladar algunos de la acción más allá de la casa de Charlie y hacia el mundo exterior con personajes nuevos e inventados, pero tanto Hunter como Aronofsky finalmente desecharon esa idea. "Darren y yo nos sentimos atraídos por el desafío de mantenerlo todo en este espacio donde los personajes están tratando de salvarse el uno al otro. Pero no tenía que sentirse claustrofóbico", dice Hunter.
"La atmósfera necesitaba sentirse lo suficientemente atractiva como para que el público pudiera perderse en su interior. Los sutiles pero significativos cambios de Hunter entusiasmaron a Aronofsky. "Sam no tenía miedo de ser innovador", dice. "Un ejemplo es la incorporación del repartidor de pizzas [interpretado por Sathya Sridharan], quien crea uno de los momentos emocionales más grandes de la película. Cuando leí la escena en la que ve a Charlie, estaba completamente convencido de que lo había visto en la obra, pero era nuevo. Cuando tu cerebro convierte una imagen en la página en algo crees que lo viste antes, sabes que es poderoso".
Como un papel que exige total vulnerabilidad y exposición de su actor, interpretar a Charlie sería una experiencia única e intensa para cualquier actor. Quizás aún más para Brendan Fraser, quien dice que tuvo que traer absolutamente todo lo que tenía: inteligencia emocional, sentido del humor bromista, un sentimiento de pérdida e ira, para dar en el blanco con su desempeño como un hombre al borde de la ruina y la revelación.
Uno de los actores más queridos de Hollywood, la carrera de Fraser ha tomado muchas vueltas, desde epopeyas taquilleras, comedias amadas, y un papel muy aclamado junto a Ian McKellen en "Dioses y monstruos", ganador del Oscar®. Pero La Ballena era algo completamente diferente, con un conjunto de demandas que harían un retorno particularmente valiente a un importante papel dramático. Eso no fue sólo la transformación física épica: convertirse en Charlie también se trataba tanto del aspecto psicológico. Era crucial que Charlie pudiera superar las expectativas de la audiencia o estereotipos sobre su apariencia, para obligarlos a seguir Charlie en su viaje y eventual trascendencia, y para en última instancia, hacerles sentir el peso de esa experiencia en tiempo real.
Fraser se abre sobre el hecho de que luchó con dudas antes de la producción: "Admito que me sentí intimidado, tenía miedo de verdad entrar en esto, pero eso me subrayó la importancia de cavar aún más profundo de lo que sabía que podía. Tal vez fue una elección antitética, pero nunca antes me habían pedido que hiciera algo como esto: combinar todo lo que he aprendido en mi vida profesional, para adaptarme a todos los elementos de formación del carácter juntos en un todo unificado, sino también para poner todo dentro en la línea de esta manera", dice. "Y estaba agradecido por la oportunidad."
En el set, se tomó muy en serio los consejos que le dio el magistral McKellen: tienes que hacer esto como si fuera la primera vez y también como si fuera lo último que harás. Esto encendió su disposición para ir para romper, arrojar cada capa de defensa, y sumergirse de frente en el espacio entre la duda y la esperanza. "Todo lo que tengo lo he puesto en la pantalla", dice Fraser emocionado. "No hubo nada que me contuviera. Está todo ahí.
Mientras agarraba a Charlie por el alma, Fraser no retrocedió ante su lado oscuro, ni sentimentalizó nada sobre un hombre cuya vida como padre, maestro, esposo y novio se ha deshecho en sus manos. "Charlie no es un ángel, pero es increíblemente humano. Por dentro creo que es Walt Whitman", dice Fraser, refiriéndose a la celebración del poeta de la capacidad humana de ser "grande y contener multitudes." Agrega el actor, "Charlie es un amante de la vida y toda su belleza, pero también está escondido".
Charlie se esconde en parte del odio que le lanzan por su apariencia externa, pero más aún por los errores que ha cometido y las pérdidas que no puede reconciliar o superar. Fraser observa, "La incapacidad de Charlie para superar el dolor se debe a no poder ser la persona que quería ser. Está lleno de culpa por la muerte de Alan, culpa por irse de la vida de su hija, la culpa por todas las cosas que podrían haber sido."
Fraser cree que Charlie nunca quiso lastimar a nadie, ciertamente ni a su hija ni a él mismo tampoco. "Él no está calculando, pero Charlie ha hecho un gran daño sobre todo por no ser directo, no ser auténtico. Y ahora está en una batalla contra sí mismo. Ha pospuesto arreglar las cosas con sus seres queridos durante demasiado tiempo, y es casi demasiado tarde. Cuando él les dice a sus alumnos que deben encontrar una manera de decir la verdad, él está predicando tanto a sí mismo como a cualquiera. Así que ahora ha venido hasta estos pocos días, y no tiene idea de si encontrará alguna redención o no."
Como muchas personas en crisis, Charlie está lleno de ideas contradictorias e impulsos, aunque sabe que se está muriendo, rechaza activamente la atención médica que podría salvar su vida o aliviar su dolor, todavía está muy vivo y asombrado por las maravillas del mundo. Tiene un innegable apetito por la vida, aun cuando esencialmente se condena a sí mismo a la muerte en cámara lenta.
Fraser no ve las acciones de Charlie como puramente autodestructivas hasta el final. En el momento en que lo conocemos, él ha aceptado su situación por lo que es. "Charlie sabe que es demasiado tarde para regresar el barco", sugiere, "pero también sabe que puede hacer que las personas respondan a su vulnerabilidad".
Fraser se relacionó en un nivel profundamente personal con la irregularidad y cicatrices internas de Charlie y señaló que sentía que muchas personas pueden terminar sintiendo lo mismo. "Sé muy bien lo que se siente ser burlado y ridiculizado sin piedad", señala. "Pero tal vez no más que nadie en este mundo hoy, o cualquier persona en las redes sociales o medios de comunicación. Todos tuvimos que aprender cómo apagar este dolor".
Aronofsky tardó diez años en encontrar a su Charlie. "Consideré todos: estrellas de cine, desconocidos, no actores, pero nadie se sentía correcto", recuerda. "Necesitaba a alguien que pudiera creer que era Charlie pero tenga una profundidad increíble. Y luego vi a Brendan en un pequeño papel en un tráiler de un Journey to the End of the Night y me encendí".
En febrero de 2020, Aronofsky reunió a Fraser y al resto de los miembros del elenco para una lectura escena por escena en el St. Mark's Theatre en Nueva York. Algo mágico sucedió allí. "Desde el momento uno, tuve escalofríos", recuerda Aronofsky. "Sabía que esto era una película, y sabía que quería hacerlo con Brendan".
Hunter, que observaba la lectura, tenía la misma sensación de desarrollo del destino. "Se podía ver el ADN de Charlie en Brendan", dijo. "Él realmente entendió lo que es sentir la pérdida como Charlie lo hace. Y entendió que si hacía de Charlie de una manera oscura y melancólica, la historia podría morir en vida. En cambio, lo que hizo Brendan fue conectarse directamente con la alegría y el amor en Charly".
En la lectura también estuvo el editor dos veces nominado al Oscar® Andrew Weisblum, que entraría en su quinta colaboración con Aronofsky en La ballena. Él también fue convencido por como Charlie lleva a la audiencia de la confrontación, a la aspiración. "Lo que elevó la historia fue el optimismo de Charlie y determinación de hacer una conexión con la única persona que más importaba en su vida, su hija. Este lazo emocional y fuerte es lo que te lleva a través de la oscuridad", dice.
Poco después, Aronofsky le dijo a Fraser que planeaba seguir adelante con la película. "Me sentí muy afortunado de estar donde estaba, tengo la más profunda admiración por Darren y su trabajo, y vi las posibilidades de lo que podría ser esta película", recuerda Fraser. "Mi corazón saltó por la alegría de ser parte de esto."
Solo dos semanas después, los bloqueos de Covid detendrían todo movimiento de producción de imágenes. Pasaría un tiempo antes de que la filmación pudiera comenzar con seguridad, pero una vez que lo hizo, Fraser recuerda que lo sintió como un bálsamo para el aislamiento. "Simplemente viniendo al set todos los días en estos tiempos, y dedicándonos a este mundo, parecía unirnos de manera necesaria", observa.
Antes de eso, Fraser se sumergió en lo que él llama "hiper-investigación enfocada": aprender directamente de las personas que viven con obesidad, ver todas las películas existentes con una persona de tamaño más grande para ver cómo los diferentes actores lo abordaron. Aquí leyó Melville y luego aprendió, con la ayuda del entrenador de movimiento, Beth Lewis, para navegar por el apartamento como lo hace Charlie. Él también tuvo que acostumbrarse a usar el innovador traje de 100 libras y maquillaje protésico que transformó su cuerpo.
Abundan los mitos sobre la obesidad. A pesar de ser una enfermedad extremadamente común, también es muy individual en su composición, con aspectos genéticos, metabólicos, ambientales y psicológicos dimensiones que contribuyen a la forma en que afecta a una persona. Tres millones de personas son diagnosticadas con obesidad cada año y, sin embargo, el estigma en su contra sigue siendo rampante. Esto se refleja en la falta de representación honesta de las personas con obesidad en el cine y la TV, y más aún cuando se trata de personajes protagónicos.
Hunter no se propuso desentrañar todas las complejidades del peso cuando escribió La Ballena. Pero la historia de Charlie fue profundamente conmovedora, y el programa provocó conversaciones dondequiera que fuera. Profundamente consciente de la importancia de una representación adecuada, Aronofsky se comprometió a aprender tanto como fuera posible sobre las realidades de la enfermedad. Él y Fraser consultaron con la Dra. Rachel Goldman, psicóloga especializada en alimentación, comportamientos y el tratamiento de la obesidad, y con la Obesidad Action Coalition (OAC), el principal grupo de defensa de la nación.
Además de asesorar sobre el idioma y la logística dentro del guion, la OAC los puso en contacto con personas dispuestas a hablar sinceramente y en profundidad sobre su experiencia vivida con la obesidad.
"El sesgo de peso es una de las últimas fronteras del ser humano para encontrar formas de disminuirse unos a otros", dice Fraser. "Con demasiada frecuencia, las personas del tamaño de Charlie son invisibles, conocidas solo por sus familias o sus cuidadores, y solo tenemos vislumbres de quiénes podrían ser. Lo que aprendí al hablar con la gente es que, como todo el mundo, quieren que se cuenten sus historias, y quieren ser tratados de manera justa y honesta. Y para mí eso fue otro impulso para aspirar a la autenticidad completa".
Hunter espera que la película ayude a romper la pared con otra narración. "Siento que no debería ser una novedad que alguien escriba un personaje con obesidad que también es hermoso, imperfecto, amoroso, un ser humano completo", dice. "Nunca diría que esta es una historia sobre todas las personas que luchan contra la obesidad, solo que llegó de mi propia experiencia personal. Hay muchas diferentes historias que contar, pero con suerte, Charlie será recibido por su cuenta en términos como alguien que fue escrito con compasión y amor."
Por mucho que el físico de Charlie sea un elemento central de la historia, Fraser esperaba que su actuación llevara al público a un lugar donde el aspecto del cuerpo de Charlie es, en última instancia, menos interesante que lo que Charlie piensa, siente y anhela en el transcurso de la película. "Tenemos menos de una semana para saber quién es este hombre", dice. "Sé que la gente buscará primero la línea entre el artificio y la realidad, pero espero que sea invisible. En última instancia, espero que el increíble maquillaje esté tan bien integrado que se desvanezca en el fondo a medida que te arrastra hacia la historia misma."
Aronofsky permaneció cerca de Fraser todo el camino protegiéndolo, lo que sabía que sería un estado mental muy delicado una vez que entró en la personalidad de Charlie. "Había una especie de matrimonio entre el poder de las palabras de Sam y la valentía de la actuación de Brendan que va más allá de la superficie, y se ve un ser humano completo en todas sus cualidades multicromática", dice. "Principalmente, Brendan y yo hablamos sobre dónde queríamos dejar entrar a la audiencia y donde dejarlos fuera. Brendan es un hombre increíblemente encantador e inteligente, pero Charlie puede ser egoísta e irracional a veces, por lo que fue encontrando ese equilibrio en cada momento.
Para Fraser, Aronofsky tiene una rara habilidad para concentrarse en los detalles más puntillistas. "Darren puede verlo todo. Él me dijo eso, si no hubiera sido cineasta, hubiera sido un árbitro de béisbol, y lo entiendo porque él siempre ve la llamada. Él fue muy amable conmigo, una guía alentadora, empujándome cuando lo necesitaba para profundizar un poco más y sacar todo para la cámara".
Igualmente, Fraser se enamoró del diálogo de Hunter. "Sam establece la vida real a la poesía", comenta. "Aporta valores y propósito a todas sus historias, pero también tiene un don sólo para las historias vibrantes, divertidas, lenguaje sincero. Estuvo allí en el set todos los días, y su entrada era indispensable."
Incluso cuando la actuación extrajo su precio de sudor y lágrimas, Fraser llegó a sentir un amor tan sincero por Charlie que lo extrañaba cuando terminaba el papel. "Nunca he tenido esa experiencia antes", confiesa. "Fue un viaje intensamente personal, y salí del otro lado transformado. Lo cual espero que también sea cierto para la gente que mira, espero que la gente acompañe a Charlie en esta búsqueda de autenticidad. Espero que ellos sientan que expresar la verdad honesta de quién es uno importa- le importaba a Charlie, me importaba a mí, y que importa en cada vida."
En los cinco días que pasamos con Charlie, somos testigos de su intento para volver a conectar con la hija que dejó cuando era un niño pequeño y que ahora no quiere tener nada que ver con él. Ahora diecisiete años, Ellie es una bola reprimida de furia absoluta, de lengua afilada, inteligente, con látigos, que se enorgullece de no necesitar a nadie y que arremete incluso violentamente contra cualquiera que intente acercarse a ella.
Su madre cree que podría ser irremediablemente malvada. Charlie está convencido de que es brillante y de que su perspicacia incisiva puede convertirse en algo especial, siempre y cuando ella no siga su camino de ocultar su dolor.
Charlie está convencido de que Ellie será la prueba positiva de su veredicto acerca de que a nadie es capaz de importarle. Está tan convencido de su potencial que él está dispuesto a capear su ira abrasadora, incluso para hacer su tarea por ella, si eso significa pasar tiempo juntos. Dice Fraser, "Ellie se burla de su padre, juega con él, ella es mala con él, se mete con él, y lo acusa a él. Sin embargo, ella es hermosa en su furia ardiente e incandescente en su desdén. Creo que Charlie piensa que resultará ser una gran escritora, una narradora de la verdad."
¿Charlie solo está proyectando a la hija que desearía tener? Hunter dice que era importante dejar esa pregunta abierta. "Darren juega con eso, y creo que necesitas tener la audiencia preguntándose quién es ella porque principalmente la vemos en la presencia de su padre. Es una situación tan cargada que tal vez nunca veas a la verdadera Ellie, al menos no hasta que últimos segundos", sugiere Hunter.
El papel exigía una actuación que desviaría todos los clichés de la angustia adolescente para convertirse en algo más feroz. Aronofsky descubrió que en Sadie Sink, mejor conocida como la favorita de los fanáticos Max Mayfield en 'Stranger Things'. "Me di cuenta por primera vez de Sadie, como la mayoría de la gente en la segunda temporada de 'Stranger Things.'
Estuvo espectacular e iluminó la pantalla cada vez que aparecía", dice Aronofsky. "Después de que Brendan fue elegido, yo comencé a pensar en cómo iba a encontrar una actriz lo suficientemente fuerte para enfrentarse a él. Sadie entró en mi imaginación y nunca lo dejó."
"Sadie tiene una gran carrera por delante", continúa Aronofsky. "Ella es muy inteligente y muy, muy instintiva, pero también es una actriz muy afinada técnicamente que sabe cómo trabajar con la cámara mientras aprovecha las emociones más crudas". Añade Fraser: "Creía absolutamente en ella, creía en su mundo interno que trajo a la puerta, y Sadie es tan increíble me hizo creer en el futuro de Ellie como lo hace Charlie".
Sink asumió el papel con la emoción de alguien que se enfrenta a su mayor desafío hasta la fecha. "Nunca me había volcado en algo tan de lleno", dice ella. Imaginó gradualmente ir dejando que la audiencia pasara el grueso escudo de Ellie poco a poco, abriendo diminutos destellos en el vasto pozo de sus sentimientos complejos sobre el padre que amaba de niña, el padre al que odiaba cuando era adolescente, y el hombre que pregunta por ella ahora.
"Disfruté la oportunidad de quitar lentamente todas las capas de Ellie", dice. "Cuando la conoces por primera vez, podrías pensar, oh, ella es solo otra adolescente angustiada, y he visto esto antes, pero luego ves que tiene este lado muy oscuro y venenoso asomando. Y luego, tan despiadada y mala como puede ser, tal vez comienzas a amarla cuando veas de donde viene todo este enfado. Sobre todo, espero que la gente tenga algo de simpatía por Ellie porque para mí, aunque ella es extrema en algunas de las elecciones que toma, es una chica que está completamente perdida buscando algo."
Sink percibe que Ellie está en una misión de empujar su dolor en la cara de su padre, para obligarlo a reconocerlo. "Ella ha villanizado a su padre la mayor parte de su vida", explica. "Tenían realmente un vínculo especial cuando ella era joven, pero su abandono la dejó ella y su madre en una espiral descendente que no ha parado. Creo que ella aparece en su casa en parte porque realmente quiere lastimarlo; ella quiere mostrarle, 'mira qué horror de persona en la que me he convertido gracias a vos'. Ella quiere causarle el tipo de dolor emocional que le ha causado. Y hay tal vez incluso algo de alivio para Ellie al ver que su padre no está en un buen lugar. Le da la ventaja solo por el sufrimiento, ella no está dispuesta a ceder. Ella tiene algo que decir, y ella lo va a decir".
Ellie pasa la mayor parte de la película absolutamente decidida a no sentir nada por su padre, ni siquiera piedad. Pero con el tiempo, una parte de ella comienza a disfrutar de sus conversaciones, incluso si la mayoría de ellas consiste en el peor insulto que se le ocurre, solo para sentirse frustrada cuando Charlie encuentra su ingenio encantador en lugar de hiriente. "El superpoder de Ellie siempre ha sido que ella tiene una habilidad real para ver en las personas y descifrarlas", señala Sink. "Y no creo ella alguna vez se ha equivocado acerca de una persona como si estuviera equivocada sobre Charlie pero tampoco creo que haya experimentado nunca el tipo de amor incondicional de cualquiera que él le muestre. Eso es lo que la hace perder el control". Para Sink, Ellie es la persona más expuesta que ha estado en su vida en los momentos finales de la película. Y como Charlie, Sink quiere creer que Ellie tiene el potencial para salir de su antipatía por la humanidad después de lo que ella experimenta. "Si Charlie lo tiene en él al perdonarla y amarla después de todo lo que ella le dice él, tal vez ella también pueda hacer eso", concluye Sink. "Tal vez ella puedo ver algo de lo bueno en las personas. La historia de La Ballena tiene mucho que ver con lo complicada que es la naturaleza humana, y Ellie puede interpretarse de varias maneras, pero me encuentro apoyándola" En completo contraste con el resentimiento enojado y la retención de Ellie, se encuentra Liz, la mejor amiga de Charlie desde hace mucho tiempo y su devota cuidadora, interpretado por Hong Chau.
Liz es una mujer complicada. Regañando un minuto, generosa y protectora al siguiente, ella está obsesionada por un pasado trauma que la une a Charlie y también le permite habilitar sus peores impulsos. Ella ama a Charlie, pero queda claro que una parte de ese amor es la forma en que Charlie representa su último vínculo con su hermano, Alan.
Nominada al Globo de Oro® por Downsizing y vista recientemente en el éxito de HBO "Watchmen", Chau impactó a Aronofsky de inmediato por su fluidez expansiva y su instinto explorador. "Hong trae una interpretación completamente diferente cada vez que en el rollo de cámara ella nunca se queda sin nuevos enfoques, nuevas ideas, lo cual es un tremendo regalo para un cineasta", dice. "Al mismo tiempo, ella siempre ve el panorama general".
Chau sintió una atracción magnética por la complejidad humana del guion. "Es una historia sobre la honestidad, la aceptación y el amor, pero eso no es nada fácil para que los humanos las enfrenten plenamente en la vida, y ahí es donde va el juego de Sam Hunter", dice ella.
Liz es una persona de ricos contrastes. Ella se preocupa tan profundamente y firmemente por Charlie, y está aterrorizada por perderlo, pero ella todavía cede a su adicción a la comida, tal vez para cumplir su propio deseo de ser necesitada.
"Vi a Liz como alguien que realmente está buscando algo para anclarse, de esa manera algunas personas buscan una causa o una persona a la que dedicar toda su vida", observa Chau. "Pero también es muy complicado porque ella está en muchas formas ayudando e incitando a los comportamientos más dañinos de Charlie, aunque sea por amor. Sin embargo, creo que todos tenemos instancias en nuestra vida cuando miramos hacia otro lado en busca de alguien que nos importa".
Al explorar la mezcla de dependencia y generosidad de Liz, Chau pensó mucho en su educación específica. "Parte de lo que lo que hace que Liz funcione es que tuvo una infancia tumultuosa mientras crecía como asiática adoptada en una familia religiosa en un pequeño pueblo de Idaho, que es mucho", observa. "Y luego de tenerla en adopción su hermano muere, la única persona que le trajo felicidad y la hizo sentir bien, todo se convierte en parte de su relación con Charlie. Muchas veces me pregunté por qué Liz no acababa de dejar Idaho por completo. De verdad, creo que lo más simple para ella hubiera sido abandonar esta situación, pero es mucho más difícil quedarse y ver partir a alguien a quien realmente amas, por lo que está pasando Charlie. Eso requiere mucho corazón y energía."
Con Fraser, Chau encontró la profundidad y la confianza instantánea de la confianza amistosa a largo plazo, a pesar de que no se conocían previamente. Ella acredita la inmersión completa de Fraser en Charlie. "Algo de lo más emocionante de hacer esta película es que no tan a menudo te sorprende tanto una actuación", dice.
"Brendan es magnífico como Charlie. Y él también está más allá de ser una buena persona, tiene esta cualidad en la que inmediatamente quieres para abrazarlo. La primera vez que vi a Brendan como Charlie, todo lo que vi era este rostro angelical el que solo quería cuidar". Fraser dice de Chau, "Hong trajo un compromiso que no ha tenido comparación en los 30 años que he trabajado en películas. Como su personaje, tiene una empatía ilimitada".
Chau también sintió asombro al ver a Aronofsky en el trabajo. Darren tiene una manera de ser técnicamente tan brillante que puede hacer creer que no siente las emociones, pero luego te das cuenta profundamente de lo que es. Cuando vi la película final, me sorprendió no sólo por lo gratificante y conmovedor que es, sino por lo emocionante y grande se sentía. Tiene esta energía casi náutica, entre el camino Matthew Libatique filmó la música y el ritmo. Yo no creo que haya alguien más que Darren que podría traer tal emoción visual a una historia ambientada en un apartamento", observa.
Una de las visitas más complicadas y conmovedoras de Charlie es Mary, su ex esposa. Esta es una mujer que ha amado a Charlie y ha visto lo peor de él. Él le rompió el corazón, y ella odia él por eso, pero todavía alberga una persistente ternura hacia a él. Al verlo en su estado actual, ella vacila entre asco, lástima, terror y afecto. María es profundamente compleja, el personaje y su interpretación por Samanta Morton dos veces nominada al Oscar® es una revelación en su mezcla de conmoción mordaz y urgencia confesional.
Morton fue el último miembro del elenco en unirse al conjunto, pero Fraser recuerda que el escalofrío y la sensación de intimidad entre ellos fue instantáneo. "Samantha llegó a mitad de camino producción y nos asombró a todos", dice Fraser, "porque siento instantáneamente que lleva mucho tiempo casada con Charlie y lleva una mezcla compleja de sentimientos hacia él. Ella es una de esas actrices que parece casi como si le faltara una capa que la mayoría de nosotros usamos, no sé si es piel o energía o qué, pero hay una transparencia mágica en ella."
Es esta transparencia y energía lo que le permite hábilmente y de inmediato desmantelar el cansador "estereotipo resentido de ex-esposa". La interpretación de Mary que hace Morton es una tremenda y siempre cambiante mezcla de afecto y desconcierto, arrepentimiento y rabia. Su encuentro con Charlie: verlo por primera vez en persona desde que la dejó hace tantos años, es desgarrador y sorprendente en la forma en que pasa de la ira con los labios apretados a la una risa que recuerda a las lágrimas desesperadas y luego de vuelta otra vez.
Aronofsky recuerda la interminable búsqueda de honestidad de Morton en sus movimientos y en cada línea. "Ella tenía que encontrar la realidad de su lugar en el espacio para abrir su corazón y permitir pura emocional que la verdad salga disparada de sus pulmones", dice Aronofsky. "Ella no puede fingir, no quiere fingir, por lo que termina invocando desde en lo más profundo, y eso es impresionante de presenciar".
Buscar a Thomas, el joven misionero aparentemente ingenuo que toca el timbre de Charlie y decide salvar su alma, fue uno de los mayores desafíos de casting. "Thomas necesitaba una inocencia tan creíble que lo compras como alguien que salió directamente de Iowa a Idaho. Es muy difícil encontrar a alguien así ahora porque todos somos muy mundanos", dice Aronofsky. Encontró esta cualidad y la habilidad para revertirla en Ty Simpkins, de 20 años, quien hasta ahora se ha visto principalmente en super producciones como Mundo Jurásico, Iron Man 3 y Los Vengadores. "Ty fue un maravilloso descubrimiento, y fue mejorando cada vez más a medida que avanzaba la filmación adelante", comenta Aronofsky.
Simpkins y Sink descubrieron su propia relación fascinante. Aunque sus personajes no podrían ser más diferentes-Thomas desesperado por permanecer humilde y misericordioso mientras Ellie es brutal y manipuladora, comparten un sentido de alienación bajo la piel. "Thomas es alguien que Ellie puede ver que no es exactamente lo que parece, y ella determina que lo presionará para que se le cuente sus secretos más profundos, lo cual hace", reflexiona Sink. Ty y yo nos divertimos mucho jugando con esa escena".
Mientras que Liz haciendo de Chau está constantemente atacando Simpkins en sus escenas juntos, Chau dice que fue un placer trabajar con un compañero de escena como Simpkins. "Ty realmente hundió sus dientes en este papel, y trabajó muy duro", comenta. "Tanto él como Sadie realmente estuvieron a la altura de las circunstancias, y fue algo hermoso para ver. Solo éramos cinco personas en el elenco, pero fue el grupo más dulce con el que he trabajado".
La concepción de Aronofsky de La Ballena se centró inicialmente en torno al guion y las actuaciones, sobre todo. Pero sabía que la configuración de una sola ubicación, la de el departamento de Charlie - era un personaje crucial en la narración visual de la película.
A fin de cuentas, La Ballena puede ser la más película simplificada que Aronofsky haya hecho hasta ahora. Pero eso no significa que el proceso de diseño haya sido simple o fácil. Descubrir exactamente cómo sería la casa de Charlie, qué se debería considerar para sus limitaciones de movilidad, dónde y cómo se la vida interior (o la vida pasada con Alan) saldría a la luz, fue un proceso minucioso, impulsado por los personajes.
El ensayo comenzó cuatro semanas antes de la producción en el Umbra Estudios, en Newburgh, Nueva York. Cada escena fue meticulosamente bloqueada, y el piso fue filmado, mientras la dinámica entre los personajes pasaba de lo teórico a lo físico.
"Sabía que los actores estaban preparando sus viajes emocionales y quería darles tiempo para hacerlo, así que comenzamos con un bloqueo", explica Aronofsky. "Si podíamos encontrar maneras de mantener las cosas en movimiento, resolvería uno de los principales desafíos de la película. La gran pregunta siempre fue ¿cómo hacemos que una historia que tiene lugar en un apartamento, y sobre todo en ambiente, se sienta realmente emocionante para la audiencia?".
La respuesta vino de la colaboración entre Aronofsky y su antiguo director de fotografía, dos veces nominado al Oscar® Mateo Libatique. Juntos, trabajaron en todos los ángulos de la película antes del rodaje. Aunque Libatique y Aronofsky son conocidos por su uso de la cámara de mano, para La Ballena volvieron a los estilos más clásicos de movimientos de cámara, utilizados en The Fountain. A través de uso de grúas y plataformas rodantes, compusieron una lista de tomas centradas en amplificar la intimidad, la tensión y una especie de casi urgencia sin aliento, todo en un solo lugar confinado.
"Matty es mi compañero de armas, y es brillante en la forma en que utiliza la luz para pintar. Estéticamente, fue un verdadero punto de partida para nosotros desde nuestra última película juntos, ¡Mother!, que fue totalmente cámara en mano, pero vino lleno de ideas que me ayudaron a descubrir cómo mover la cámara por la habitación de forma interesante".
La pareja miró varias adaptaciones teatrales de Hollywood, especialmente Who's Afraid of Virginia Woolf de Mike Nichols y A Streetcar Named Desire de Elia Kazan pero, dice Aronofsky, "en última instancia, es necesario volver al texto. La historia siempre cuenta donde debería estar la cámara".
La iluminación jugó un papel tan importante como el movimiento. "Matthew encendió el apartamento como si fuera una catedral", dice Fraser. "Estaba constantemente chocando con pequeñas lámparas con el andador de Charlie. Es un maestro en el uso de la luz para cambiar el estado de ánimo y combinar el clima."
Los diseñadores de producción Mark Friedberg y Robert Pyzocha, quienes recientemente trabajaron juntos creando la retorcida Gotham en Joker, tuvieron que pensar creativamente, usando un pequeño espacio para evocar un vasto mundo interno. El apartamento de Charlie cobró vida como un espacio modesto, acogedor y académico: muchos libros y marcos de fotos, pero también como una especie de refugio aislado, un lugar para ocultarse y permanecer cómodamente sedentario.
"Requirió una brillantez de parte de los diseñadores de producción darle tanta vida a esta habitación individual. Uno de los más grandes avances fue colocar el sofá de Charlie", dice Aronofsky. "La mayoría de los apartamentos tienen el sofá contra una pared, pero ellos encontraron una manera de poner su sofá en el medio de la habitación, manteniéndola orgánica. Parece simple, pero eso abrió todo perfectamente y nos permitió muchas más oportunidades de movimiento".
Cada faceta de la habitación tenía una razón de ser, hasta el último detalle. Los títulos de los libros en los estantes, que fueron sacados de la propia colección del escenógrafo. "En cada detalle, crees que este hombre vive allí", dice Fraser.
Aronofsky también se reunió con el diseñador de vestuario nominado al Oscar® Danny Glicker, con quien trabajó en Mother!
"Fue un gran desafío diseñar ropa que funcione con el maquillaje de Adrien", señala Aronofsky. "La ropa que le queda a Charlie es difícil de encontrar en el mundo, por lo que Danny tenía opciones limitadas, con una paleta limitada y recursos financieros limitados, con las limitaciones técnicas. Hacer algo tan digno del personaje fue mucho más difícil de lo que parece".
Durante la posproducción, la escalada emocional de la película se afinó en la isla de edición de Andrew Weisblum. "Andy tiene la sensibilidad más increíble a la historia, la emoción, y el timing. Es capaz de mantener los elementos conflictivos en su mente, y es capaz de combinar sus habilidades técnicas con una profunda emoción, como solo unos pocos pueden hacerlo", comenta Aronofsky.
Weisblum quedó impresionado desde el principio por el optimismo de Charlie sobre el futuro, a pesar de saber que le quedan días de vida. Esta aparente contradicción se convirtió en un tema conductor en la edición de Weisblum. "Era consciente de que la película podría terminar siendo demasiado melodramática si no teníamos cuidado", dice. "Pero la película tiene tanto humor y positividad que creo que supera eso. Y por eso, siempre sentí que era importante que las cosas se dieran muy naturalmente."
Weisblum ya estaba impresionado con el dinamismo de la cinta que vio al principio de la producción y disfrutó del proceso de construir sobre esa base. "Darren y Matty habían encontrado maneras de mantener el ambiente cinemáticamente emocionante, usando las ubicaciones de la cámara, el encuadre y movimiento sin permitirse nunca volverse demasiado llamativo o tímido", dice. "Durante la edición, Darren y yo hablamos sobre cómo íbamos a utilizar estas tomas gramaticalmente. En términos de ritmo, obviamente, fue un desafío porque la historia es muy lineal. Entonces, solo había tanto que podrías sacar o cambiar sin estar dañar la estructura. No había mucho margen de maniobra, pero encontramos algunos trucos para condensar y simplificar."
Los toques finales de la película provinieron de Rob Simonsen con una música sensible y matizada. "Es la primera vez que trabajo con Rob, y descubrí que es una persona increíblemente curiosa, muy, muy trabajadora y capaz de superponer la melancolía con la inspiración de las maneras más hermosas", dice Aronofsky. Weisblum comenta sobre la música de Simonsen: "No queríamos que la música forzara las emociones que ya eran fuertes o que sea demasiado estilizada. Rob hizo un gran trabajo al ayudarnos a encontrar ese equilibrio."
A medida que aumenta la acción de la Ballena, cada elemento de la el diseño y las actuaciones crecen hasta su final trascendente. En respuesta, Hunter modificó ligeramente el final del guion del de la obra original.
En la versión escénica, la pieza termina con un corte a negro. En la película, vemos a Charlie dar un paso hacia la luz. Es un momento elevado, tal vez incluso fantástico. La audacia de ello excita a Aronofsky. "Matty y yo tuvimos la idea desde el principio de que el clima evolucionaría en el transcurso de la pieza. Siempre llueve, pero el último día sale el sol, así que cuando la puerta se abre, la luz cae sobre Charlie. Cuando se hace una gran elección como esa, solo tienes que poner todo lo que tienes y esperar que hayas hecho lo suficiente para que la audiencia vaya contigo.
Weisblum señala que la escena fue diseñada como una imagen en espejo de la primera escena con Ellie. "Era importante configurar eso estructuralmente, estos dos momentos que se reflejan mutuamente, donde en uno Charlie falla y en el otro triunfa. Los patrones del corte y las opciones de toma de las dos escenas son muy similares. Pero el poder de esa escena final es que sabemos que Charlie está frente al final."
Mientras filmaba, Fraser no estaba seguro de cómo funcionaría. Pero cuando vio la película terminada, el impacto lo derribó. "No pude deja mi silla", recuerda. "Tuve que sentarme allí y reagruparme. No es que estuviera triste; simplemente estaba abrumado".
La película terminada también fue una forma de consuelo para Aronofsky. Él perdió tanto a su madre Charlotte como a su padre Abraham el pasado año, y La Ballena está dedicada a ellos. "Mis padres estaban siempre en todos mis sets, actuaron en varias de mis películas y esta fue la primera vez que no pudieron venir al set porque las restricciones de Covid", relata Aronofsky. "Mi mamá falleció antes de que tuviera un corte de la película, pero mi papá pudo ver la película con la dedicatoria a mi madre."
La Ballena ha estado resonando más allá de sus confines desde que el público conoció a Charlie por primera vez en el escenario. Para Hunter, la película otorga Charlie una nueva vida mucho más allá de las expectativas. "Sobre todo, espero que la película sea una invitación para que la gente entre a la casa de alguien que nunca hayan conocido antes, y tal vez no hubieran imaginado encontrarse", dice el escritor. "Y una vez que aceptas esa invitación, creo que el significado y la alegría de hacerlo se convertirá en algo muy personal".
Pasando sin problemas de películas independientes inteligentes a éxitos de taquilla llenos de acción, Brendan Fraser sigue cosechando elogios de la crítica por sus versátiles e inspiradoras actuaciones, así como su buen ojo para seleccionar material que invita a la reflexión.
Recientemente, Fraser protagonizó junto a Don Cheadle y Benicio Del Toro la película No Sudden Move, de Steven Soderbergh para HBOMax. Se le puede ver también en la exitosa serie de HBOMax/DC Entertainment Doom Patrol; en Line of Descent; en la serie de diez capítulos Professionals; The Secret of Karma; The Poison Rose; Trust, una serie de antología de FX donde protagoniza junto a Donald Sutherland and Hilary Swank; y Condor.
Otros créditos incluyen las series ganadoras de premios, The Affair, The Field, y la mini serie de A&E, Texas Rising, donde protagoniza junto a Bill Paxton, Ray Liotta, Jeffrey Dean Morgan y Olivier Martinez. Fraser previamente protagonizó la película, Gimme Shelter, junto a Rosario Dawson y Vanessa Hudgens; le dio voz a los personajes en dos series animadas como Scorch Supernova en Escape from Planet Earth, de The Weinstein Company's; y el film de Open Road Films The Nut Job, junto a Will Arnett y Katherine Heigl; y Whole Lotta Sole, una comedia dirigida por Terry George en la que Brendan protagonizó y fue productor ejecutivo. En 2008, Fraser tuvo un incredible Verano en el box office. El estreno de Newline/Warner Bros. de Journey to the Center of the Earth en 3-D, en la que protagonizó y fue Productor ejecutivo, hizo más de $100 millones solo en US. El film es la primera película de live-action filmada enteramente en 3D.
Otros créditos incluyen Inkheart, GI Joe: The Rise Of the Cobra, The Air I Breathe, George of the Jungle, Furry Vengeance, Extraordinary Measures, Looney Tunes: Back in Action, Bedazzled, Monkey Bone, Blast From the Past, Dudley Do-Right, Mrs. Winterbourne, Encino Man, School Ties, With Honors, Airheads, The Scout, and The Twilight of the Golds.
Brendan ha estado en algunas de las películas independientes más exitosas de la última década, incluyendo la película de Lionsgate, ganadora como mejor película, Crash, dirigida por Paul Haggis; The Quiet American, de Phillip Noyce, basada en el thriller de Graham Greene de 1955, con mismo título; y Gods and Monsters, de Bill Condon, junto a Sir Ian McKellen y Lynn Redgrave.
Fraser es más conocido por su rol de Rick O'Connell en la franquicia de Universal, Mummy.
El éxito de Stephen Sommers de 1999, una combinación de acción, horror y aventura, The Mummy, fue una ambiciosa nueva mirada al clásico del horror de 1932, con Brendan en el rol de un norteamericano sirviendo en la legión extranjera francesa, con una expedición arqueológica inglesa y antiguos secretos que se desatan.
En 2001, Fraser se unió nuevamente a Sommers y su co-protagonista Rachel Weisz en la secuela del film, The Mummy Returns. En 2008, Universal estrenó Mummy 3: Tomb of the Dragon Emperor.
Brendan hizo su debut en Broadway, protagonizando la comedia Elling, basada en las novelas noruegas de Ingvar Ambjørnsen. La diversa lista de teatro de Fraser incluye su aparición en el Lyric Theatre en Shaftesbury Avenue en Londres, en la producción del West End de Tennessee Williams, Cat on a Hot Tin Roof. Brendan también ha recibido halagos por su trabajo como un ansioso escritor en la obra de John Patrick Shanley, Four Dogs and a Bone en el Geffen Playhouse, en la cual trabajó junto a Martin Short, Parker Posey y Elizabeth Perkins para el director Lawrence Kasdan.
Nacido en Indianapolis y criado en Europa y Canada, Brendan se ha dedicado a su arte desde la edad de 12 años, y comenzó a ir al teatro cuando su familia vivía en Londres.
Fue a la secundaria de Upper Canada College en Toronto y recibió su diploma en actuación en el Conservatorio de Actores, Cornish College of the Arts en Seattle.
Hong Chau es reconocida por su papel en la película de Paramount Downsizing (2017, dir. Alexander Payne) como la amputada vietnamita y activista política Ngoc Lan Tran. Por su actuación, fue nominada a un Globo de Oro® como Mejor actriz de reparto, al Screen Actors Guild Award® como Mejor actriz de reparto y a otros varios premios como Actriz de reparto. Antes de Downsizing, ella apareció en la serie de televisión de HBO Treme y en la película de Warner Bros. Inherent Vice (2014, dir. Pablo Thomas Anderson). Ha aparecido como estrella invitada en varias series de televisión, incluida la de Netflix Bojack Horseman y Big Little Lies de HBO, entre otros.
Su actuación en Driveways (2019, dir. Andrew Ahn), que se estrenó en el Festival de Cine de Tribeca, le valió una nominación a Mejor protagonista femenina para los premios Film Independent Spirit Awards 2020.
Actualmente se puede ver a Chau en la serie de HBO Watchmen y en la serie de Amazon Homecoming.
Lo siguiente para ella son dos películas de A24, La Ballena (dirigida por Darren Aronofsky), junto a Brendan Fraser y Showing Up (dir. Kelly Reichardt), junto a Michelle Williams, así como The Menu de Searchlight (dir. Mark Mylod). Hong se mantiene muy ocupada, ya que recientemente terminó Asteroid City (dir. Wes Anderson) y la serie limitada de Netflix The Night Agent.
Chau es hija de padres vietnamitas que vivieron en un campo de refugiados en Tailandia después de huir de Vietnam a fines de la década de 1970. Después de crecer en Nueva Orleans, Chau se especializó en estudios cinematográficos en la Universidad de Boston y siguió una carrera como actriz.
Sadie Sink ya se ha hecho un nombre en el mundo del espectáculo. Comenzó su carrera en Broadway con el papel principal en la nueva versión de Annie en 2013. Luego apareció unto a Helen Mirren en The Audience, nominada al Tony® y dirigida por Stephen Daldry en 2017.
Sadie se unió al elenco de la exitosa serie de Netflix aclamada por la crítica Stranger Things en 2017, donde interpreta a Max, una chica que se muda a Hawkins con una historia complicada y sospechosa, junto a un elenco nominado al Emmy®. Actualmente se la puede ver en la cuarta temporada de la serie en Netflix. También se la vio en la película de Lionsgate The Glass Castle, basada en la novela más vendida de Jeannette Walls, el mismo año interpretó a una joven Lori junto a Naomi Watts y Woody Harrelson. Más recientemente protagonizó Fear Street 2 de Netflix y próximamente se verá en la película de Darren Aronofsky La Ballena.
También protagonizó la exitosa serie de NBC American Odyssey junto a Anna Friel, y fue invitada como aparición especial en muchos programas de televisión, incluidos Unbreakable Kimmy Schmidt, Blue Bloods y The americans. Además, se la vio junto a Elisabeth Moss y Liev Schreiber en Chuck, que se estrenó en el Festival de Cine de Tribeca en 2017.
El cineasta nominado al Premio de la Academia® Darren Aronofsky nació y se crio en Brooklyn. Aronofsky dirige Protozoa Pictures con sede en Chinatown NYC.
Su próxima película La Ballena para A24 está protagonizada por Brendan Fraser, Sadie Sink, Hong Chau y Samanta Morton.
Aronofsky escribió y dirigió Mother! en 2017, protagonizada por Jennifer Lawrence y Javier Bardem.
Antes de eso, Aronofsky hizo el éxito de taquilla de 2014 "Noah", protagonizada por Russell Crowe, Jennifer Connelly y Anthony Hopkins.
En 2010, Aronofsky recibió una nominación al Premio de la Academia® como Mejor Director por su película independiente, fenómeno de taquilla Black Swan, protagonizado por Natalie Portman, quien ganó un Premio de la Academia® a la Mejor Actriz por su desempeño. The Wrestler de 2008, protagonizada por Mickey Rourke, ganó el León de Oro a la Mejor Película en el Festival de Cine de Venecia. Previo a eso estuvieron las aclamadas y galardonadas películas The Fountain (2006), Requiem for a Dream (2000) y π (1998).
Como productor bajo su sello Protozoa, Aronofsky ha sido responsable de Jackie, que obtuvo tres premios de la Academia®, el documental Some Kind of Heaven, que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance 2020, el docu-memoir Serendipity de la artista Prune Nourry, que tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Berlín de 2019, Pacified, que ganó el premio mayor de la Concha de Oro en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, Catch the Fair One que se estrenó en el Festival de Cine de Tribeca 2021, donde ganó el Audience Award, y el largometraje documental The Territory, que estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2022 y ganó el Audience Award y Special Jury Award for Craft en la categoría Documental de Cine del Mundo.
A continuación, se desempeñó como productor en The Good Nurse, protagonizada por Jessica Chastain y Eddie Redmayne y una adaptación de la obra maestra de Octavia Butler, Kindred, de FX.
Aronofsky ha sido productor ejecutivo de la serie documental de seis partes Welcome to Earth, la serie nominada al Emmy® One Strange Rock, y la próxima Limitless, protagonizada por Chris Hemsworth para National Geographic.
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